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Aus der Weserstraße zu H&M : Wird die Berliner Anti-Mode jetzt Mainstream?

Tue, 28 Oct 2025 13:38:56 +0100

Aus der Weserstraße zu H&M : Wird die Berliner Anti-Mode jetzt Mainstream?

Alle Jahre wieder arbeitet der schwedische Fast-Fashion-Konzern H&M mit einem bekannten Modedesigner zusammen. Die aktuelle Kollektion von Glenn Martens trifft den Zeitgeist.

Von Tobias Langley-Hunt

Stand: heute, 18:00 Uhr

Das Klischee, Berliner seien verglichen mit anderen Großstädtern, etwa aus London, New York oder Paris, nicht besonders modisch, ist ähnlicher Unfug wie der pauschale Spruch „arm, aber sexy“.

Mode ist nicht gleich modisch

Denn Mode ist per definitionem immer mehr als das, was gemeinhin als modisch verstanden wird. Sie kann auch da entstehen, wo sie explizit verneint wird. Anders ausgedrückt: Eine konsequente Verweigerung von Mode kann selbst zur Mode werden. Was nicht zuletzt die Kollektion des belgischen Modedesigners Glenn Martens für den schwedischen Fast-Fashion-Konzern H&M beweist, die ab Oktober in ausgewählten Filialen hängen wird.

Schauspielerin Joanna Lumley war eben noch in der beliebten Netflix-Serie „Wednesday“ zu sehen und modelt jetzt für H&M.

Auch H&M-Model Richard E. Grant ist eigentlich ein bekannter britischer Schauspieler.

Neu ist das alles nicht. Jugend- und oder Subkulturen, etwa Grunge, der verwahrlost wirkende, apathische Look der späten 80er und 90er Jahre, lebten jenes Prinzip vor: Damals setzte sich in gewissen gesellschaftlichen Schichten die ablehnende Haltung gegenüber Konventionen durch. Als Musikstil geboren, wurde die Idee schnell zu einer auch ästhetischen Gegenposition zum konsumorientierten Mainstream. Dass daraus Mode wurde, ist zwar ironisch, aber im Sinne der Logik von Trends keine Überraschung.

Ungefähr zur gleichen Zeit machte auch ein Designer auf sich aufmerksam, dessen Modeverständnis eine ähnliche Verweigerungshaltung verfolgte, dessen Umsetzung aber ungleich akademischer daherkam. Die Entwürfe des Belgiers Martin Margiela werden in der Fachliteratur und Modekritik durchgehend als radikal konzeptuell und anti-ästhetisch beschrieben. Kritiker betonen, dass er das System Mode selbst hinterfragte und neu strukturierte. Seine Entwürfe gelten als kritische Kommentare zu Konsum, „Schönheit“ und dem Kult um das Neue.

Margiela arbeitete mit sichtbaren Nähten, ausgefransten Säumen, rohen Kanten und bewusst beschädigten Stoffen, wodurch Kleidungsstücke wie Fragmente wirkten. Diese Unfertigkeit war kein Zufall, sondern Ausdruck einer konzeptionellen Idee: Mode sollte nicht verführen, sondern Strukturen offenlegen.

Der Halsausschnitt wird zum Armloch

Es ist interessant, dass dieser Tage eine ähnliche Herangehensweise zu beobachten ist und wohl kein Zufall, dass eingangs erwähnter Martens als neuer kreativer Chef bei Martin Margiela (Margiela selbst verließ das nach ihm benannte Unternehmen bereits 2009) ernannt wurde. Eine Couture- und eine Prêt-à-porter-Kollektion später ist klar: In Sachen konzeptueller Verweigerung bezieht er sich intellektuell wie ästhetisch auf den Gründer des Hauses.

Perfektion und Schönheit – die nicht unbedingt im Auge des Betrachters liegt – ist auf jeden Fall auch nicht Martens Ideal. Formen und vor allem Schnitte werden dekonstruiert; ein Ärmel kann bei Martens einfach nur Dekoration sein, während der vermeintliche Halsausschnitt ein Armloch ist – und umgekehrt.

Der Belgier Martens ist nicht nur kreativer Chef von Diesel und Maison Margiela, sondern entwarf jetzt auch eine Kollektion für H&M.

Im Gegensatz zu Margiela nähert sich Martens dem Thema spielerisch. Seine Entwürfe sind Spiegel der Gesellschaft sowie Angebot: Was der Träger damit macht, bleibt ihm selbst überlassen. Populär machte er dieses Prinzip durch seine langjährige Arbeit für das Label Y/Project.

Für die Haute-Couture-Präsentation von Maison Margiela im Juli dieses Jahres besann sich Designer Glenn Martens auf den Gründer des Hauses und verhüllte die Gesichter seiner Models.

Das Kleid aus Glenn Martens’ erster Couture-Kollektion für Maison Margiela wurde bereits von Kim Kardashian getragen.

Seine erste Couture-Kollektion für Margiela gerierte sich verglichen damit viel ernster. Wie schon Martin Margiela in den 80ern es gerne tat, verhüllte auch Martens hier die Gesichter seiner Models. Verlangen soll nicht durch schön anzusehende Menschen beziehungsweise die kapitalistische Lüge „Wenn du das trägst, dann siehst du auch so aus“ entstehen, sondern wegen des Textils als Kunstform selbst.

Ähnliches passierte in der jüngsten Prêt-à-porter-Präsentation für das Haus vor gut einem Monat. Hier waren die Gesichter zwar zu sehen, aber durch Mundstücke zu Fratzen verzerrt. Der Witz: Es handelte sich dabei um das Logo des Labels, das deswegen ikonisch ist, weil es nur aus den vier Nähten besteht, mit denen gewöhnlich ein Logo an das Kleidungsstück angebracht ist.

Der Mundschmuck in der aktuellen Margiela-Kollektion kommt nicht nur makaber daher, sondern ist auch ein Zitat an das Logo des Labels. Hier getragen vom belgischen Topmodel Hanne Gaby Odiele.

Aber was hat das ganze mit Berlin zu tun? Nun, die beschriebene Haltung ist in einschlägigen Kiezen wie Neukölln oder Kreuzberg, sowie in der Clubszene seit Jahren en vogue. Ausdruck findet sie in einer laufend wiederkehrenden modischen Rückbesinnung auf die Rave-Kultur der 90er, den Punk der 70er und eben auch den Grunge. Das alles kulminiert zurzeit in einer Neuinterpretation des sogenannten Y2K-Stils der Nullerjahre und wird so zum eklektischen Nicht- oder Anti-Look der 2020er.

Was bedeutet es für den Berliner-Stil, wenn bald alle nach Berlin aussehen?

Und weil es scheint, als wäre Martens einer der wenigen Modedesigner, der dieses Wirrwarr verstanden hat, gehört er aktuell zu den Gefragtesten seines Metiers: Neben seiner Arbeit für Margiela sorgt er seit inzwischen fünf Jahren dafür, dass der italienische Jeans-Hersteller Diesel wieder als angesagt gilt und entwirft, ganz nebenbei, noch jene umfangreiche Kollektion für H&M.

Die wurde vergangene Woche in Berlin der Öffentlichkeit präsentiert. Lustigerweise war es auf der gut besuchten Party bei vielen Besuchern nicht auszumachen, ob sie einfach ihrem persönlichen (Berliner) Stil treu geblieben sind oder ob sie bereits Teile aus jener Kollektion tragen durften.

Gäste auf der Glenn Martens x H&M-Party. Was den Kleidungsstil betrifft, könnte man sie so auch in einschlägigen Szene-Kiezen antreffen.

Tatsächlich hatte sich Martens die beliebtesten Teile aus dem H&M-Archiv gesucht und diese, in seinem unverwechselbaren Stil, dekonstruiert und neu kombiniert. Somit sind die einzelnen Teile auch eine preisgünstigere Reminiszenz an das Label Y/Project, das im vergangenen Jahr eingestellt wurde, und mit dem Martens zu dem wurde, was er heute ist und gleichzeitig der konsequente Höhepunkt des Trends der Anti-Mode.

Was bedeutet es nun für Berlin, dass die aktuelle ästhetische Verweigerung im Mainstream angekommen ist? Vielleicht laufen hier bald alle im Anzug oder im Kostüm herum.

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Beethovens Furor: Adam Fischer dirigiert das Mahler Chamber Orchestra

Tue, 28 Oct 2025 14:32:44 +0100

Beethovens Furor: Adam Fischer dirigiert das Mahler Chamber Orchestra

Freundlich lächelnder Revolutionär: Adam Fischer musiziert im ausverkauften Kammermusiksaal einen entfesselten Beethoven mit dem Mahler Chamber Orchestra.

Von Ulrich Amling

Stand: heute, 14:32 Uhr

Dass Stücke, die heute ihr Dasein als in Ehren ergraute Klassiker fristen, einmal Zeitgenossen waren und meist unbequeme dazu, geht im Konzertalltag gerne unter. Interpreten, die an die aufrührerische Kraft der Musik glauben, gelten schnell als sonderbar, ihr Muszieren als anstrengend.

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Berliner Theater in Finanznot: Zeit der Brandbriefe

Tue, 28 Oct 2025 14:01:51 +0100

Berliner Theater in Finanznot: Zeit der Brandbriefe

Das Renaissance Theater und das RambaZamba sind durch die Sparpolitik des Senats in ihrer Existenz gefährdet. Sie schlagen Alarm. Und die Krise trifft noch viel mehr Bühnen.

Ein Kommentar von Rüdiger Schaper

Stand: heute, 14:01 Uhr

Zuletzt war es eher ruhig gewesen in der Berliner Spar- und Kulturpolitik. Aber das heißt nicht, dass sich die Probleme in Luft aufgelöst hätten. Im Gegenteil: Brandbriefe flattern herein. Jetzt wird es ernst. Bühnen fürchten um ihre Existenz, quer durch die Szene. Bis zur endgültigen Verabschiedung des Haushalts im Dezember wird es noch heftige Diskussionen geben. Denn es geht vielerorts um die Existenz.

Da wäre das RambaZamba Theater. Die Bühne ist unterfinanziert und kämpft mit massiven Kostensteigerungen, wie so viele Betriebe. Sein Leiter Jacob Höhne schreibt: „Was auf dem Spiel steht, ist nicht nur eine einzelne Spielzeit, sondern das Fortbestehen eines einzigartigen, inklusiven Theatermodells.“ Im RambaZamba spielen Menschen mit Behinderung, seit über dreißig Jahren. Die gesamte Berliner Theaterszene setzt sich für dieses vorbildhafte Theater ein.

280.000 Euro weniger in 2027

Da wäre das Renaissance Theater. Herrliches Schmuckstück im Westen der Stadt mit großer Tradition, hundert Jahre alt. Intendant Guntbert Warns hat den Neustart geschafft, es wäre erschreckend, wenn in dieser herausgehobenen Charlottenburger Location die Lichter ausgingen. Auch Warns schlägt Alarm. Und das tut man nicht leichtfertig. Dem Renaissance Theater sollen rund 280.000 Euro gestrichen werden. Das betrifft das Jahr 2027. Der künstlerische Etat wäre damit halbiert. Weniger Neuproduktionen bedeuten weniger Einnahmen. Und ein schleichendes Ende.

Auch das Gefängnistheater Aufbruch fürchtet um seinen Bestand: nur drei Beispiele von vielen. Sie sind signifikant. Das RambaZamba Theater ist in der Kulturbrauerei zu Hause, das Renaissance Theater in der Knesebeckstraße. Schon die Adressen verweisen auf die Vielfalt dieser Stadt. Beide Bühnen verbindet bei aller Unterschiedlichkeit eine besondere Nähe zum Publikum. Und Unterhaltung mit künstlerischer Qualität. Sie sind großstädtisch und Orte mit hoher Identifikation.

Ganz klar: Eine Metropole wie Berlin braucht kulturelle Leuchttürme. Doch stehen sie nicht allein in der Landschaft. Berlins Kultur, ob West oder Ost, hat sich stets durch Breite und Diversität ausgezeichnet. Dafür braucht es diese Bühnen. Sie brauchen Hilfe. Sie werden als Privattheater geführt - doch sie spielen eine bedeutende öffentliche Rolle.

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Charlottenburg-Wilmersdorf

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„Persona non grata“ in Serbien: Theatermacher Milo Rau von Festival in Belgrad ausgeladen

Tue, 28 Oct 2025 11:58:24 +0100

„Persona non grata“ in Serbien: Theatermacher Milo Rau von Festival in Belgrad ausgeladen

Der für politische Stücke bekannte Regisseur Milo Rau darf nicht mehr zum wichtigsten Theaterfestival in Südosteuropa kommen. Die Kulturszene in Serbien steht unter Druck.

Stand: heute, 11:58 Uhr

Der Schweizer Theatermacher und Intendant der Wiener Festwochen, Milo Rau, ist vom renommierten Belgrader Theaterfestival Bitef ausgeladen worden. Die Entscheidung gehe vom politisch besetzten Vorstand des Festivals aus und stelle einen „Präzedenzfall“ dar, sagte die künstlerische Leitung um den Theaterregisseur Miloš Lolić.

In Serbien regiert Präsident Aleksandar Vučić mit zunehmend autoritären Methoden, die auch Zensur sowie Gewalt gegen Oppositionelle einschließen. Nun steht auch die Zukunft des Bitef auf dem Spiel, der seit fast sechs Jahrzehnten wichtigsten Schau zeitgenössischen Theaters in Südosteuropa.

Milo Rau in Serbien eine „Persona non grata“

Rau, der immer wieder politisch relevante Themen aufgreift, hätte in Belgrad nach dem Willen der künstlerischen Leitung seine Aufführung „Der Prozess Pelicot“ präsentieren sollen. Das in diesem Jahr für die Wiener Festwochen und das Theaterfestival in Avignon produzierte Stück von Rau und Servane Dècle thematisiert auf dokumentarische Weise den Fall der Französin Gisèle Pelicot, die jahrelang von ihrem Ehemann betäubt und von Dutzenden Männern sexuell missbraucht worden war.

Die Einladung zum Bitef scheiterte demnach an der Ablehnung durch den Vorstand, in dem auch eine Vertreterin des Kulturstaatssekretariats und eine regierungsnahe Journalistin saßen. Das Gremium begründete sein Veto nicht mit Vorbehalten gegenüber der Pelicot-Aufführung, sondern mit dem – nirgendwo offiziell festgehaltenen – Umstand, dass Milo Rau in Serbien eine „Persona non grata“, eine unerwünschte Person, sei.

Raus Kritik an Prestigeobjekt von Vučić

Tatsächlich hatte Rau als Eröffnungsredner des vorjährigen Bitef-Festivals den geplanten Lithiumabbau in einem Naturschutzgebiet im Westen Serbiens kritisiert. Viele Serben lehnen ihn ab, weil sie Schäden für die Umwelt befürchten, die durch die Korruption und Schlamperei der Vučić-Regierung noch vergrößert würden. Für den Staatschef handelt es sich jedoch um ein Prestigeobjekt, das auch von der EU und Deutschland unterstützt wird. Lithium ist ein wichtiger Rohstoff für die Batterien in E-Fahrzeugen.

Fragliche Zukunft des Festivals

Als Konsequenz von Raus Rede wurde der Vertrag des damaligen künstlerischen Festivalleiters Nikita Milivojević nicht verlängert. Zu seiner diesjährigen Ausladung sagte Rau in einer Mitteilung der Wiener Festwochen, die der Deutschen Presse-Agentur (dpa) vorliegt: „Die Entscheidung, das Stück „Der Prozess Pelicot“ zu zensieren, vollendet die seit Monaten andauernde Zerstörung der künstlerischen Freiheit bei einem der größten Festivals Europas.“

Wegen finanzieller Kürzungen seitens der öffentlichen Hand und politischer Einmischungsversuche wurde das Bitef in diesem Jahr von seinem traditionellen Termin im September aufs Jahresende verschoben, ohne dass ein konkretes Datum bekanntgeworden wäre.

Nach der Rau-Ausladung trat die künstlerische Leitung um Lolić zurück, der für die Zensurentscheidung verantwortliche Vorstand löste sich auf. In Belgrad wird nicht mehr damit gerechnet, dass das Bitef in diesem Jahr über die Bühne gehen wird. (dpa)

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Serbien

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Max Frischs Erfolgsroman „Stiller“ verfilmt: Mit Paula Beer und Albrecht Schuch prominent besetzt

Tue, 28 Oct 2025 11:51:39 +0100

Paula Beer in der Romanverfilmung „Stiller“: Ich ist ein anderer

Verwirrspiel der Identitäten in der piefigen Schweiz der Fünfziger. Stefan Haupt hat den Erfolgsroman von Max Frisch mit einer glänzenden Besetzung verfilmt.

Von Gunda Bartels

Stand: heute, 11:51 Uhr

Dieser erste Satz gellt auch Jahrzehnte nach der Erstlektüre noch in den Ohren wie ein verzweifelter Ausruf: „Ich bin nicht Stiller!“ Für Max Frisch legt der Roman „Stiller“, der 1954 bei Suhrkamp erscheint, in 30 Sprachen übersetzt wird und sich Millionen Mal verkaufen soll, den Grundstein für seine literarische Weltgeltung.

Jetzt hat der Regisseur Stefan Haupt, ein Schweizer wie Max Frisch, dessen Verwirrspiel der Identitäten in einen geschmackvollen Film verwandelt, der weniger wie ein Ehe- oder Künstlerdrama, sondern vielmehr wie die Selbstdemontage toxischer Männlichkeit anmutet.

Drei verschachtelte Erzählebenen

Diese zeitgemäße Interpretation und die in drei Zeitebenen verschachtelte Erzählweise heben „Stiller“ aus der gepflegten Langeweile literarischer Kino-Matineen heraus. Wobei das beherzte Bashing der Schweiz als provinziellem Land der Pedanterie und geistigen Enge, das Frisch im „Stiller“ zelebriert, in der Kinoadaption weitgehend fehlt und dem Stoff damit eine wichtige substanzielle Ebene raubt.

„Ich bin nicht Stiller!“ Das beteuert der US-Amerikaner James Larkin White (Albrecht Schuch) den Grenzbeamten ein ums andere Mal, als er bei der Einreise in die Schweiz Anfang der fünfziger Jahre verhaftet wird. Die Grenzpolizisten halten ihn für einen Bildhauer namens Anatol Stiller, nach dem wegen einer ominösen Politaffäre samt Mordes an einem Russen und der Gründung einer kommunistischen Vereinigung gefahndet wird. Taten, die der inhaftierte White ebenso vehement abstreitet wie die Behauptung, dass er sieben Jahre zuvor noch Anatol Stiller gewesen sei.

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„Entweder verzweifeln wir daran, wir selbst sein zu wollen. Oder wir verzweifeln daran, nicht wir selbst sein zu wollen“, fasst der verständnisvolle Staatswalt Rolf Rehberg (Max Simonischek) am Rande des Verfahrens gegen White/Stiller das Identitätsdrama postmoderner Menschen zusammen.

Die Ehefrau soll ihn identifizieren

Whites eigentliche Gegenspielerin ist aber nicht die Justiz, sondern Julika Stiller-Tschudy, die von Paula Beer verkörperte Ehefrau des vor Whites Auftauchen als verschollen geltenden Anatol Stiller. Die ehemalige Ballerina führt eine Ballettschule in Paris und reist auf Bitten der Justiz nach Zürich, um White als Stiller zu identifizieren. „Kennen wir uns irgendwoher?“, fragt Larkin die elegante Besucherin treudoof. „Ja, wir sind verheiratet“, lautet deren für ihn verblüffende Antwort. Dass sich das Befremden zwischen den einstigen Künstlernaturen schnell legen wird, ist sofort klar.

Mit dem Wärter auf Freigang. Albrecht Schuch als James Larkin White, der keinesfalls Stiller sein will.

In Rückblenden entfaltet Haupt die Vorgeschichte als Desillusionierung einer Ehe, die an der Egomanie, den Komplexen und dem Neid des Mannes auf die erfolgreiche Frau zerbricht. Der Beginn der Liebe zwischen Julika und Anatol, der in dieser Zeitebene noch von Sven Schelker mit reichlich klischiert wirkendem Künstlergestus verkörpert wird, ist in warme Sepiatöne getaucht.

Später – als es zwischen der Ballerina und dem Bildhauer kriselt und die Tuberkulöse im Sanatorium in Davos vor sich hin hustet – wandelt sich der Look in winterliches Schwarzweiß. Und die Gegenwart, in der der Inhaftierte und die Ex-Ballerina sich bei Freigängen näherkommen, taucht Kameramann Michael Hammon in das Graublau des Zürichsees, in dem die knallroten Lippen und Jäckchen von Julika wie Ausrufezeichen wirken.

Die tuberkulöse Ballerina. Julika Stiller-Tschudy (Paula Beer) tanzt im Atelier von Anatol Stiller, der in der Rückblende von Sven Schelker gespielt wird.

Was in der Romanadaption zu kurz kommt, sind die abenteuerlichen Geschichten, die der vermeintliche Amerikaner White seinem Wärter Knobel erzählt und die den irritierenden Tom-Ripley-Touch, den Hochstapler-Appeal der Figur, verstärken.

Der Wunsch, sich von seiner Vergangenheit abzuspalten, ein neues Leben zu beginnen, lädt jedoch im Jahr 2025 genauso zur Identifikation ein wie in der Nachkriegszeit. Besonders, weil Stiller, wie Stefan Haupt ihn zeichnet, nicht nur ein kommunikationsgestörter Egozentriker, sondern ein ausgemachtes Arschloch war, das seiner Frau den Erfolg neidete, den eigenen Misserfolg provozierte und eine Atelieraffäre begann, während die todkranke Julika im Sanatorium mit dem Tod kämpfte.

Dass sich die Leidgeprüfte trotzdem darauf einlässt, sich erneut für den Ex zu interessieren, und sich in Dialogen sogar die Mitschuld an dessen Verschwinden gibt, verortet den Stoff dann doch in seiner Entstehungszeit, den Fünfzigern. Da mag sich der geläuterte White noch so (selbst)kritisch über Stillers Verhalten der Ehefrau gegenüber auslassen.

Auch wenn Stefan Haupts Verfilmung einen respektablen Wurf darstellt und sein stimmig besetztes Ensemble überzeugt: Zwingend ist es im Jahr 2025 nicht, Max Frischs Psychogramm einer zerrütteten Künstlerpersönlichkeit zu bebildern.

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Ukrainische Dragkünstlerin Verka Serduchka: „Auch bei Sirenenlärm kann man lachen und singen“

Mon, 27 Oct 2025 12:21:03 +0100

Ukrainische Dragkünstlerin Verka Serduchka: „Auch bei Sirenenlärm kann man lachen und singen“

In der Ukraine ist Andrij Danilko alias Verka Serduchka ein Star. Jetzt tritt sie in Berlin auf. Ein Gespräch über Ablenkung vom Krieg, Charlie Chaplin und den Auftritt beim Eurovision Song Contest.

Von Yulia Valova

Stand: heute, 09:45 Uhr

Andrij Danilko, Sie treten auch seit der Vollinvasion Russlands weiter in Ihrer Rolle als Verka Serduchka auf, die für eine Mischung aus Satiretheater und Popmusik bekannt ist. Wie hat der Krieg Ihre Tourneen seither verändert?
Der Krieg hat alles verändert – sogar das Gefühl des Reisens. In den ersten Monaten war es schwer zu glauben, dass Konzerte überhaupt möglich sind. Aber nach und nach begannen wir, für Ukrainer in Europa und dann auch für ein breiteres Publikum aufzutreten. Das sind nicht mehr nur Tourneen – es ist eine Möglichkeit, mit den Menschen in Kontakt zu bleiben und über die Musik mit ihnen zu kommunizieren. Wenn sie anschließend nicht gehen wollen, hat es sich gelohnt.

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Skrupellose Vermieter in Berlin: Dann doch lieber Enteignung!

Sun, 26 Oct 2025 16:37:52 +0100

Skrupellose Vermieter in Berlin: Dann doch lieber Enteignung!

Berliner Vermieter greifen immer wieder zu drastischen Maßnahmen, um Menschen aus ihren Wohnungen zu verdrängen. Gegen diese Anschläge auf die Stadtkultur sollte die Politik etwas tun.

Ein Kommentar von Nikolaus Bernau

Stand: heute, 05:49 Uhr

Ob die Enteignung großer Wohnungsbauunternehmen die Wohnungsnot unserer Zeit lösen kann, ist zu Recht höchst umstritten. Aber es gibt Fälle, die jedenfalls meine Enteignungsskepsis infrage stellen. Das sind jene Hauseigentümer, die gut brauchbare Wohnungen gegen alle gesetzliche Pflicht oft jahrelang leer stehen und Häuser systematisch verfallen lassen oder gar herunterwirtschaften, die Mieter drangsalieren, Gewerbemieten über alle Maßen anheben und damit die Stadtwirtschaft ruinieren.

Kurz: Es geht um Skandale wie den um das Haus in der Habersaatstraße 48-44 gegenüber der BND-Festung an der Chausseestraße. Einst hatte der 1984 errichtete Bau 106 Wohnungen, wurde 2006 vom Berliner Senat für auch damals lächerliche zwei Millionen Euro verkauft. Der neue Eigentümer ließ das Haus mit Plastik-Fassadenisolierung und Photovoltaikanlage versehen. Hoch subventioniert und trotzdem mit Mietaufschlag.

Zerstörte Wohnung in der Habersaathstraße 48.

Er vermietete dann Teile des Baus als Hotel und für teures Kurzzeitwohnen. 2017 ging der Bau für 20 Millionen Euro an die Firma Arcadia Estates. Die unterlässt seitdem kaum etwas, um noch mehr Profit aus der Immobilie zu schlagen. Man wirbt übrigens im Internet schamlos mit dem Foto des palastartigen Bode-Museums für die Hochpreisprojekte. Frage: Weiß das die Stiftung Preußischer Kulturbesitz?

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Die Stadt lebt von der Mischung der Gesellschaft

Arcadia Estates reichte 2018 den Abrissantrag ein, will einen Neubau mit nur noch 91 Wohnungen und 46 Tiefgaragenplätzen errichten. Angesichts der Rechtslage wird der Bezirk kaum umhin kommen, ihn zu genehmigen – der von der Fachwelt verlangte weitgehende Abrissstopp ist ja bisher kein Gesetz. Vermietet sind inzwischen nach Medienangaben nur noch etwa 20 der 106 Wohnungen. 86 stehen also leer – wenn sie Arcadia Estates nicht für sattes Steuergeld an den Bezirk Mitte vermietet, um Obdachlose und Geflüchtete zu behausen. Die, selbstverständlich, keine ordentlichen Mietverträge kriegen.

Diese Bewohner wurde Arcadia Estates also vergleichsweise leicht los. Vergangene Woche räumte die Polizei auf richterliche Anordnung ihre Wohnungen. Aber am Freitagmittag rückten von der Firma beauftragte Männer an, traten nach Angaben von Bewohnern Türen ein, schubsten, zerschlugen Toilettenbecken. Die Männer behaupteten, dass sie Polizisten seien und einen Rechtstitel vollstreckten. Die Menschen müssten raus. Alles gelogen. Die echte Polizei schritt ein, die Männer werden angeklagt. Hoffentlich auch ihre Auftraggeber.

Nicht zuletzt ist solch ein Umgang mit Eigentum ein Anschlag auf die Stadtkultur Berlins, die von der Mischung der Gesellschaft lebt – und nicht davon, dass nur Reiche neben Reichen wohnen. Nichts, nicht einmal Hausbesetzer, entschuldigt solch ein Vorgehen, das die Sozialbindung des Eigentums mit Füßen tritt.

Dazu kommt noch das schlechte Licht, dass solche Firmen auf alle korrekten Vermieter wirft. Was spricht dafür, ihnen die Grundlage ihrer Übergriffe auf die Stadt und die Gesellschaft zu lassen, das Eigentum an Grund und Haus? Mir fällt nichts ein.

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Läuft Berghain bald im Radio?: Popstar Rosalía veröffentlicht einen rätselhaften Song

Mon, 27 Oct 2025 18:24:27 +0100

Läuft Berghain bald im Radio?: Popstar Rosalía veröffentlicht einen rätselhaften Song

Um den Fans die Wartezeit auf ihr viertes Album zu verkürzen, veröffentlicht der spanische Popstar Rosalía bereits jetzt eine neue Single. „Berghain“ heißt die und sorgt für offene Fragen.

Von Tobias Langley-Hunt

Stand: 27.10.2025, 21:06 Uhr

Kaum eine Woche ist es her, dass der spanische Popstar Rosalía mit einer spektakulären Aktion auf dem New Yorker Times Square verkündete, dass am 7. November ihr neues Album erscheinen wird. „Lux“ soll es heißen und aus insgesamt 18 Songs bestehen.

Weil die Aufregung rund um so eine Ankündigung in schnelllebigen Zeiten rasch wieder abebbt, muss strategisch sinnvoll nachgelegt werden. Weiß Rosalía natürlich und handelt entsprechend: Einen Song der Platte gibt es seit Montagnachmittag schon vorab zu hören. So weit, so gewöhnlich. Kurios allerdings, der Song heißt „Berghain“, also so, wie der legendäre Berliner Nachtclub.

Die Sängerin hatte die Noten des Stücks bereits Mitte Oktober auf Instagram und über ihren Newsletter veröffentlicht. Fans weltweit interpretierten die Partitur und teilten ihre Versionen online.

Warum der Song ausgerechnet Berghain heißt, erschließt sich allerdings auch nach Veröffentlichung nicht: Im dazugehörigen Musikvideo betritt die 33-Jährige zunächst eine leere, abgedunkelte Wohnung. Just in dem Moment, in dem sie die Vorhänge öffnet, fängt das London Symphony Orchestra, das plötzlich ebenfalls in der Wohnung ist, an, eine dramatische Melodie zu spielen.

Liebt Rosalía einen Berliner?

In der Mini-Ouvertüre setzt dann ein Chor mit wütendem Staccato mit ein und singt auf Deutsch: „Seine Angst ist meine Angst. Seine Wut ist meine Wut. Seine Liebe ist meine Liebe. Sein Blut ist mein Blut“. In operettenhafter Manier übernimmt im Anschluss Rosalía selbst – ebenfalls auf Deutsch: „Die Flamme dringt in mein Gehirn. Wie ein Blei-Teddybär. Ich bewahre Dinge in meinem Herzen auf. Deshalb ist mein Herz so schwer“.

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Im weiteren Verlauf sieht man sie beim Bügeln, beim Bettenmachen, mit Herzschmerzen im Krankenhaus, im Bus, immer von Teilen des Orchesters flankiert. Als wiederkehrendes Requisit spielt ein kleines, goldenes Herz eine zentrale Rolle.

Als weiteren Höhepunkt, des nur knapp zwei Minuten langen Lieds, ist unbedingt der unter die Haut gehende Mittelteil von Björk zu nennen – die im Video als Rotkelchen aufritt. Das Ende wird von dem von Yves Tumor verzweifelt und wiederholt vorgebrachten Satz „I fuck you, till you love me“ eingeläutet.

Der Berliner Schauspieler Emilio Sakraya soll der aktuelle Freund von Rosalia sein. Ist „Berghain“ ihm gewidmet?

Vorerst kann man mit der Deutung nur mutmaßen; die einzige, schlüssige Verbindung, die es zwischen Rosalía und Berlin, beziehungsweise dem Berghain, gibt, ist eine vermutete romantische Beziehung zu dem aus der deutschen Hauptstadt stammenden Schauspieler Emilio Sakraya. Bisher wollen nur Paparazzi-Aufnahmen die Liaison der beiden belegen. Eventuell ist „Berghain“ also eine metaphorische Liebeserklärung, oder – der emotionalen Darbietung zur Folge – ein herzzerreißender Schlussmach-Song.

Vielleicht ist es aber auch alles nicht so tiefsinnig und Rosalía wurde einfach durch eine Party im Berghain inspiriert – sie wäre nicht der erste international gefeierte Popstar, der das getan hätte. Angst, Blut, Wut und Liebe, sind bestimmt Vokabeln, die irgendwann einmal im Zusammengang mit dem Techno-Club gefallen sind.

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Babypause einmalig unterbrochen: Helene Fischer tritt überraschend in TV-Show mit Kai Pflaume auf

Mon, 27 Oct 2025 19:18:41 +0100

Babypause einmalig unterbrochen: Helene Fischer tritt überraschend in TV-Show mit Kai Pflaume auf

Im Sommer hatte Helene Fischer die Geburt ihrer zweiten Tochter bekanntgegeben und nahm sich vorerst eine Pause. Die hat sie nun ausnahmsweise unterbrochen – mit neuen Liedern.

Stand: 27.10.2025, 20:14 Uhr

Sängerin Helene Fischer hat ihre Babypause unterbrochen und in einer TV-Show ihr neues Kinder-Album vorgestellt. Fischer sei überraschend am Sonntag bei der Aufzeichnung der ARD-Sendung „Klein gegen Groß“ mit Kai Pflaume aufgetreten, berichteten „Bild“ und RTL. Ein Sprecher Fischers bestätigte der dpa, dass die Sendung am 13. Dezember ausgestrahlt werden soll. Fischer stelle in der Sendung auch ihr neues Album mit dem Titel „Die schönsten Kinderlieder – Winter- und Weihnachtszeit“ vor.

Wie die „Bild“ schreibt, gab es „tosenden Beifall“, als Fischer auf der Bühne von Pflaume begrüßt wurde. Es soll aber vorerst bei diesem einen Auftritt bleiben.

Die Sängerin hatte im Sommer die Geburt ihrer zweiten Tochter öffentlich gemacht. Ende August schrieb sie auf ihren Social-Media-Kanälen, dass ihr Fokus derzeit auf ihrem Familienleben liege. „Diese kostbare Zeit mit meiner Familie bedeutet mir unendlich viel und ich wollte sie ganz bewusst in Ruhe erleben.“ Sie führte aus: „In diesem Jahr möchte ich weiterhin so viel Zeit wie möglich mit meiner kleinen Familie verbringen.“

Helene Fischer hatte zuletzt bereits zwei Alben mit Kinderliedern veröffentlicht, das neue Album soll am 28. November erscheinen. Sie präsentiere darauf Weihnachtsklassiker wie „Jingle Bells“, „O Tannenbaum“ und „Frosty, der Schneemann“. Auch ein Duett mit Kinderliedermacher Rolf Zuckowski wurde angekündigt. (dpa)

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Pilot der Zukunft: Zum Tode des Jazzdrummers Jack DeJohnette

Mon, 27 Oct 2025 16:08:54 +0100

Pilot der Zukunft: Zum Tode des Jazzdrummers Jack DeJohnette

Mit Miles Davis und Keith Jarrett zu Weltruhm: Mit dem Schlagzeuger Jack DeJohnette ist eine Legende des Jazz im Alter von 83 Jahren gestorben.

Von Gregor Dotzauer

Stand: 27.10.2025, 19:23 Uhr

Diese Subtilität. Diese Kraft. Diese Präzision. Und vor allem: dieser Sinn für perkussive Klanglichkeit, die sich ihren Raum nicht von der Notwendigkeit abkaufen lässt, das rhythmische Gerüst zu liefern. Wenn ein Schlagzeuger dies alles zuletzt vereinen konnte, dann war es Jack DeJohnette. Der kristallklar akzentuierte Fluss am Ride-Becken war vielleicht sein Erkennungszeichen, aber in den himmelweit verschiedenen Kontexten, in denen er es einsetzte, war es nur ein Element unter vielen.

Ob er Hardbop-Bands einen Drive verlieh, der sie über ihre Grenzen hinaustrieb oder in Fusionsexperimenten wie Compost groovte, ob er seiner eigenen Band Special Edition Schachtelrhythmen verordnete oder sich den Fliehkräften eines freien Jazz hingab, wie ihn die afroamerikanische Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM) seiner Heimatstadt Chicago pflegte: Er war von einer seltenen Vielseitigkeit und blieb, anders als viele Kollegen, dabei doch immer er selbst.

Jack DeJohnette, am 9. August 1942 geboren, bildete den Abschluss einer Spieltradition, die von Max Roach über Elvin Jones, den Drummer des klassischen Coltrane-Quartetts, bis zu Tony Williams führt, dem Drummer des Miles-Davis-Quintetts mit Wayne Shorter. Jeder von ihnen hatte auf seine Weise an der Rolle des braven Timekeepers gerüttelt. DeJohnette stieg bei Davis in dem Moment ein, als der die elektrisch beheizten Hexenkessel seiner rock- und soulinformierten Phase allmählich überkochen ließ.

Mit Dave Holland und Chick Corea Musik zum Glühen gebracht

Ein umwerfendes Zeugnis dieser Zeit ist der zweite Teil der offiziellen Bootleg-Serie „Live in Europe 1969“. DeJohnette bringt hier zusammen mit Dave Holland am Bass und Chick Corea am Fender Rhodes bekannte Themen noch einmal zum Glühen.

Überhaupt hatte Jack DeJohnette das Glück, in einer Epoche des musikalischen Umbruchs groß zu werden. Sie ermöglichte ihm sowohl den Blick zurück, wie den Blick nach vorn. Während er selbst rund sechs Jahrzehnte lang der Pilot einer Zukunft war, an die sich mittlerweile Generationen nachfolgender Musiker erinnern, wusste er wiederum, was er einem Roy Haynes schuldig war.

Zu Weltruhm mit Keith Jarrett im „Standards“-Trio

Zusammen mit dem Tenorsaxofonisten und Flötisten Charles Lloyd und Keith Jarrett am Klavier schuf er Mitte der 1960er Jahre eine Musik, die in ihrer Energie und Beweglichkeit etwas von dem beerbte, was John Coltrane, der sich in „Interstellar Spaces“ verloren hatte, schon nicht mehr leisten wollte und, todkrank, bald auch nicht mehr konnte.

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Zu Weltruhm gelangte Jack DeJohnette allerdings als Schlagzeuger von Keith Jarretts „Standards“-Trio, das bis zum Tod des Bassisten Gary Peacock fast drei Jahrzehnte Bestand hatte. Er trommelte hier mit größerer Zurückhaltung als in anderen Konstellationen, aber nicht weniger raffiniert: Auch mit seinen Besen öffnete er, selbst ein leidenschaftlicher Pianist, die Weiten dieses klavierdominierten Universums in Richtung einer ganz und gar irdischen Unendlichkeit.

Als Mensch war sie ihm nicht mehr vergönnt: Jetzt ist er im Alter von 83 Jahren in Woodstock im Kreis von Familie und Freunden gestorben. Was von ihm bleibt, ist unermesslich und von den akustischen Zeugnissen her fast unerschöpflich.

Sind es die Metamorphosen seiner personell wie stilistisch bunten Band Special Edition, die ihm auch markante Kompositionen verdankt? Oder sind es womöglich die Alben des Gateway-Trios mit Dave Holland und dem Gitarristen John Abercrombie, die zwischen Innerlichkeit und Ekstase das ganze Feld seiner Möglichkeiten ausmessen? Es lohnt sich, dem jetzt noch einmal in aller Ruhe nachzugehen.

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Spatenstich in Plüschow: Stararchitekt Francis Kéré baut Ehrhardt Museum in Mecklenburg

Mon, 27 Oct 2025 18:12:43 +0100

Spatenstich in Plüschow: Stararchitekt Francis Kéré baut Ehrhardt Museum in Mecklenburg

Mit viel Holz und Lehm arbeitet Francis Kéré beim neuen Museum in Plüschow. Es ist sein erster Museumsbau in Europa.

Von Birgit Rieger

Stand: 27.10.2025, 18:12 Uhr

Stararchitekt Francis Kéré hat am Samstag mit einem symbolischen Spatenstich den Bau des neuen Ehrhardt Museums im mecklenburgischen Plüschow begonnen. Auf einer Fläche von 1400 Quadratmetern entsteht ein neues Museum für Fotografie und zeitgenössische Kunst. Initiiert haben es Jens und Elke Ehrhardt. Jens Ehrhardt ist der Sohn des Fotografen Alfred Ehrhardt (1901-1984), der insbesondere für seine neusachlichen Nahaufnahmen von Kristallen, Schnecken oder Muscheln bekannt ist.

Der Standort Plüschow liege dem Ehepaar Ehrhardt „besonders am Herzen“, heißt es in einer Mitteilung. Die Familie lebt in der Region und wolle zur Belebung der lokalen Kulturlandschaft beitragen. Mit dem Künstlerhaus Schloss Plüschow befinde sich bereits eine Kulturinstitution auf dem Gelände.

Architekt Francis Kéré in Plüschow beim Baustart für das neue Ehrhardt Museum.

Francis Kéré hat ein Gebäude mit Dachgarten geplant, das sich in die grüne Wiesenlandschaft einfügt und mit der Umgebung verschmilzt. Eine hölzerne Pergola „zitiert die Form klassischer norddeutscher Giebel“. Der Entwurf nehme auf lokale Handwerkstraditionen Bezug. Regenerative Baumaterialien wie Lehm und Holz dominieren außen und innen. Im Zentrum des privat finanzierten Baus soll eine 80 Meter lange, frei geformte Stampflehmwand den Ausstellungsraum gliedern.

Kérés Architekturbüro hat bisher vor allem auf dem afrikanischen Kontinent gebaut, etwa die ersten Gebäude für Christoph Schlingensiefs Operndorf in Burkina Faso, sowie ein Krankenhaus und eine Sekundarschule, die der extremen Hitze in dem afrikanischen Land durch Naturmaterialien und spezielle, auf Einfachheit setzende Konstruktionen trotzen. Kéré betont außerdem stets, er wolle mit seiner Architektur Gemeinschaft stärken.

Francis Kéré, der an der TU Berlin studiert hat, wurde wegen seiner innovativen und nachhaltigen Bauweise vielfach ausgezeichnet, unter anderem 2022 als erster Afrikaner mit dem renommierten Pritzker-Preis. 2016 entwarf er den temporären Sommerpavillon der Serpentine Galleries in London. Das Museum Ehrhardt ist das erste Museumsgebäude, das sein in Berlin ansässiges Architekturbüro in Europa realisiert.

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Ausstellung erinnert an NSU-Morde vor 25 Jahren: Die Banalität der Tatorte

Mon, 27 Oct 2025 15:06:15 +0100

Ausstellung erinnert an NSU-Morde vor 25 Jahren: Die Banalität der Tatorte

Unweit des Altonaer Museums wurde der Gemüsehändler Süleyman Taşköprü erschossen. Die Fotografin Regina Schmeken suchte die Stätten der NSU-Verbrechen wieder auf und erschrak erneut.

Von Nicola Kuhn

Stand: 27.10.2025, 15:06 Uhr

Ein Hauseingang, ein Bürgersteig, ein Ladenlokal – die Orte sind banal, das macht sie so eindrücklich. Hier passierten die sogenannten NSU-Morde, vollbracht von den Terroristen des Nationalsozialistischen Untergrunds. Der erste geschah vor einem Vierteljahrhundert in Nürnberg. Der Alltag ist darüber hinweggegangen. Nicht viel erinnert mehr daran, welche Tragödien an diesen Plätzen ihren Ausgang nahmen. Wer sich umschaut, entdeckt Gedenktafeln, mancherorts wurden zusätzlich Straßen umbenannt.

Die in Berlin lebende Künstlerin Regina Schmeken reiste 2013 und erneut 2015/16 nach Nürnberg, Hamburg, Köln, Rostock, Dortmund, Kassel, München und Heilbronn, um die Orte für eine Fotoserie zu porträtieren und war tief erschüttert über die Arglosigkeit, die sie wieder vorfand. Die Taten waren mitten unter uns geschehen.

Lange wurde im Umfeld der Opfer nach den Tätern gesucht

Zehn Jahre lang hatte die Polizei im Umfeld der Opfer nach den Verantwortlichen gesucht, bei den Familien der neun Männer türkischer und griechischer Abstammung. Erst die Selbstenttarnung von Uwe Böhnhardt und Uwe Mundlos brachte ans Licht, dass Rechtsradikale dahintersteckten. In ihrer wahnhaften Ideologie sahen sie sich zu den Morden berechtigt.

Der 23-jährige Mehmet Turgut wurde erschossen, als er in einem Dönerimbiss in Rostock-Toitenwinkel arbeitete.

„Blutiger Boden“ lautet der Titel der Ausstellung von Regina Schmeken im Altonaer Museum in Anspielung auf die menschenfeindliche Weltanschauung der Nationalsozialisten, die sich die Mörder erneut zu eigen machten. Jedem Tatort ist ein großformatiges Triptychon gewidmet, auf dem immer wieder reflektierende Flächen auftauchen: Pfützen, Fensterscheiben, glänzendes Chrom, als wollte die Fotografin den Betrachtenden einen Spiegel vorhalten.

Ursprünglich war die Schau als Wanderausstellung geplant, die in den Städten Station machen sollte, in denen die Verbrechen geschahen. Das Altonaer Museum hat sie nach einiger Unterbrechung nun als sechste zu sich geholt, um an Süleyman Taşköprü zu erinnern, der unweit in der Schützenstraße in Bahrenfeld im Gemüseladen seines Vaters erschossen wurde.

Die Dimension der Verbrechen für das weitere Zusammenleben

Das Hamburger Museum versteht die Ausstellung auch als Teil seiner Bildungsarbeit. Denn die bis in den Juli 2026 laufende Präsentation, kurz nach dem 25. Jahrestag der Ermordung des damals 31-Jährigen, zeigt nicht nur die Fotografien von Regina Schmeken, sondern führt in einem eigenen Raum weitere Taten rechter Gewalt in der Hansestadt seit dem Zweiten Weltkrieg auf.

Der Gemüseladen von Süleyman Taşköprü befand sich unweit des Altonaer Museums, das nun mit einer Fotoausstellung von Regina Schmeken an ihn und die anderen NSU-Toten erinnert.

Und sie erklärt, wie man sich gegen Extremismus und Diskriminierung im Alltag engagieren kann – zumal in einem Stadtteil wie Altona mit einem hohen migrantischen Anteil unter den Bewohnern. Anders als in anderen Bundesländern wurde in Hamburg kein Untersuchungsausschuss eingesetzt, um zu klären, wie es zu den fehlgeleiteten Ermittlungen der Polizei kommen konnte.

Eine letzte Aufnahme zeigt die Tür, durch die Beate Zschäpe als dritte Täterin den Gerichtssaal in München betrat, bis sie 2017 zu einer lebenslangen Haftstrafe verurteilt wurde. Ähnlich wie die Tatorte strahlt auch diese Tür, so lapidar wie sie wirkt, eine Ungeheuerlichkeit aus. Zehn Menschen verloren ihr Leben, es gab zahlreiche Verletzte bei den beiden Nagelbomben in Köln, über die Angehörigen kam schweres Leid. Die Dimension der Verbrechen für das weitere Zusammenleben aber wurde von der bundesrepublikanischen Gesellschaft nie ganz erfasst.

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Festival für Dokumentar- und Animationsfilm: Dok Leipzig startet mit Film über Annie Ernaux

Mon, 27 Oct 2025 14:12:35 +0100

Festival für Dokumentar- und Animationsfilm: Dok Leipzig startet mit Film über Annie Ernaux

Das wichtigste und älteste deutsche Dokumentarfilmfestival zeigt bis 2. November starke Filme über den Zustand der Welt und den Wert der Kultur.

Von Gunda Bartels

Stand: 27.10.2025, 14:12 Uhr

Am Montag, dem 27. Oktober, startet die 68. Ausgabe des Festivals für Dokumentar- und Animationsfilm Dok Leipzig. Bis zum 2. November sind 252 Filme und XR-Arbeiten aus 55 Ländern zu sehen, wie das Festival mitteilt.

Zur Eröffnung am Montagabend läuft „Writing Life: Annie Ernaux through the Eyes of High School Students“. Der Dokumentarfilm von Claire Simon handelt davon, wie sich französische Jugendliche im Schulunterricht mit dem Werk der Schriftstellerin und Literaturnobelpreisträgerin Annie Ernaux auseinandersetzen. Ein Film, der laut Festivalleiter Christoph Terhechte vom Potenzial und dem Wert der Kultur erzählt.

Der scheidende Intendant Christoph Terhechte vor dem Plakat von Dok Leipzig 2025.

Es ist die letzte Ausgabe des ältesten und wichtigsten Dokumentarfilmfestivals Deutschlands unter Terhechte, der auch einige Jahre die Sektion Forum der Internationalen Filmfestspiele Berlin geleitet hat. Aus privaten Gründen beendet er die Intendanz, die Dok Leipzig profilierte Wettbewerbe und eine internationale Strahlkraft beschert hat, zwei Jahre vor Vertragsende. Neue Leiterin wird Ola Staszel, die bisher Leiterin des deutsch-polnisch-tschechischen Neiße Filmfestivals war.

In den vier Wettbewerben konkurrieren 78 Filme um die Goldenen und Silbernen Tauben, die am 2. November verliehen werden. Viele thematisieren laut Christoph Terhechte die Zerstörung bedrohter Natur, wie „Melt“ vom österreichischen Dokumentarfilmer Nikolaus Geyrhalter, den Widerstand gegen politische Gewalt, den Kampf gegen Ausbeutung und Strategien menschlicher Anpassungsfähigkeit in Extremsituationen. Auch der Nahostkonflikt ist Thema.

Ausgewählte Filme im Stream

Während der Festivalwoche zeigt Dok Leipzig auch ausgewählte Filme deutschlandweit online. Im „Dok Stream“ ist vom 28. Oktober bis 2. November täglich ein neuer Langfilm oder eine Kurzfilmrolle auf der Festivalwebsite verfügbar – 24 Stunden lang, von Mitternacht bis Mitternacht. Mehr zu diesem Service und dem Programm findet sich auf der Webseite: www.dok-leipzig.de

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„Auf keinen Fall“: Radiohead-Frontmann Thom Yorke will derzeit nicht in Israel auftreten

Mon, 27 Oct 2025 10:27:44 +0100

„Auf keinen Fall“: Radiohead-Frontmann Thom Yorke will derzeit nicht in Israel auftreten

Radiohead gehen demnächst auf Tour. Die BDS-Bewegung fordert einen Boykott ihrer Konzerte – obwohl sie gar nicht in Israel auftreten.

Stand: 27.10.2025, 10:27 Uhr

Die britische Rockband Radiohead spielt im November und Dezember 2025 ihre erste Tour seit sieben Jahren. Auftritte in Israel könne er sich derzeit „auf keinen Fall“ vorstellen, sagte Frontmann Thom Yorke in einem Interview mit der britischen „Sunday Times“.

„Ich möchte mich nicht einmal 5000 Meilen (ca. 8047 km) in der Nähe des Netanjahu-Regimes aufhalten“, sagte Yorke in dem Gespräch, das vor dem Waffenstillstandsabkommen zwischen Israel und der Hamas stattfand. Den Auftakt der 20 Auftritte umfassenden Tour spielen Radiohead am 4. November in Madrid – gefolgt von Bologna, London, Kopenhagen und Berlin. Keine der Städte ist weiter als 4000 Kilometer von Israel entfernt.

2017 trat Radiohead in Tel Aviv auf

Bei ihrer letzten Tour war die Haltung der Band noch eine andere: 2017 war Radiohead trotz Boykottaufrufen und öffentlicher Kritik in Tel Aviv aufgetreten, berichtet der „Guardian“. Eine Entscheidung, die er heute etwas bereue, wie Yorke im Interview mit der „Sunday Times“ andeutete.

Bereits bevor die Band die Daten für die Tour im November und Dezember 2025 verkündet hatte, rief die pro-palästinensische Bewegung BDS, abgekürzt für Boycott, Divestment and Sanctions, zum Boykott auf. Der Aufruf wurde erneuert, als Radiohead vor etwa zwei Monaten die Daten bekannt gab.

Die Haltung der Band zu Israel verfolgt ihre Mitglieder seit Jahren, schreibt der „Guardian“. Vergangenes Jahr verließ Yorke nach einem Zwischenruf kurzzeitig die Bühne bei einem Soloauftritt in Australien. Er solle den „Genozid Israels in Gaza“ verurteilen, hatte ein Zuhörer gefordert.

In einem Statement schrieb Yorke später, er sei „schockiert, dass mein vermeintliches Schweigen irgendwie als Mittäterschaft ausgelegt wurde“. Netanjahu und dessen Regierung bezeichnete er darin als „Extremisten“, die „gestoppt werden müssen“.

Bandkollege Jonny Greenwood ist auch immer wieder Ziel von Boykottaufrufen. Konzerte des Radiohead-Gitarristen zusammen mit dem israelischen Künstler Dudu Tassa Ende Mai 2025 in London wurden deshalb abgesagt. Greenwood ist mit einer israelischen Künstlerin verheiratet und schloss sich laut „Guardian“-Bericht 2024 Protesten gegen die Netanjahu-Regierung in Israel an. (Tsp)

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Neue Töne beim Rundfunkchor Berlin: Yuval Weinberg wird Chefdirigent

Mon, 27 Oct 2025 10:00:58 +0100

Neue Töne beim Rundfunkchor Berlin: Yuval Weinberg wird Chefdirigent

Ein Nachfolger für Gijs Leenaars steht fest: Der 35-jährige Yuval Weinberg soll den Rundfunkchor Berlin künstlerisch in die Zukunft führen.

Von Frederik Hanssen

Stand: 27.10.2025, 10:00 Uhr

Der Rundfunkchor Berlin hat sich für einen neuen Chefdirigenten entschieden: Zum 1. August 2028 wird Yuval Weinberg die Nachfolge von Gijs Leenaars antreten, der die Position seit 2015 innehat.

Weinberg wurde 1990 in Tel Aviv geboren, studierte zunächst Orchesterleitung an der Buchmann-Mehta-Musikhochschule in seiner Heimatstadt und wechselte dann nach Berlin, wo er an der Hochschule für Musik Hanns Eisler bei Jörg-Peter Weigle zum Chordirigenten ausgebildet wurde. Er vervollständigte sein Studium an der Norwegischen Musikhochschule in Oslo bei Grete Pedersen.

Steile Karrierekurve

Von 2019 bis 2023 leitete er den Europäischen Jugendchor, von 2019 bis 2021 war er Erster Gastdirigent des „Norske Solistkor“, dessen Künstlerische Leitung er ab Herbst 2026 übernehmen wird. Zudem ist Yuval Weinberg seit Beginn der Spielzeit 2020/21 Chefdirigent des SWR Vokalensembles. Seine Einspielungen mit dem Ensemble wurden vielfach ausgezeichnet.

In Berlin erhält der 35-Jährige einen Fünfjahresvertrag. Er hatte den Rundfunkchor Berlin zunächst durch zwei Einstudierungen für Projekte mit den Berliner Philharmonikern kennengelernt, bevor er im Dezember 2024 das traditionelle Weihnachtskonzert des Chores im Berliner Dom leitete.

„Ich bewundere die Vielseitigkeit und den gesellschaftlichen Einsatz des Rundfunkchores Berlin und schätze sehr seinen innovativen Geist“, sagte Yuval Weinberg. Und Judith Engel vom Chorvorstand betonte: „In den bisherigen Begegnungen haben wir erlebt, wie präzise und einfühlsam Yuval Weinberg arbeitet und wie er interpretatorische Klarheit mit einem tiefen Verständnis für die gemeinsame künstlerische Arbeit verbindet.“

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Hochschulen

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Geister, ein Labyrinth und Mittelalter: Zehn Tipps für die zweite Herbstferienwoche in Berlin

Fri, 24 Oct 2025 13:39:00 +0200

Geister, ein Labyrinth und Mittelalter: Zehn Tipps für die zweite Herbstferienwoche in Berlin

Die zweite Ferienwoche liegt vor uns. Damit keine Langeweile aufkommt: Wir versorgen Sie mit frischen Tipps für die ganze Familie.

Von Ticket Redaktion

Stand: 27.10.2025, 10:00 Uhr

Die Herbstferien gehen in die zweite Halbzeit. Damit Sie und ihre Kids nicht ratlos mit der vielen Freizeit zurückbleiben, haben wir die schönsten Aktivitäten für die nächsten Tage gesammelt.

1 Basteln, drucken, kreativ werden!

Alles schön bunt in den Ferien.

In der MiK werden vorsorglich die Malerkittel-Ärmel hochgerollt, denn: jetzt wird’s bunt! Ein wundervolles Kunstprogramm bietet kleinen Künstler:innen die Chance, ihrer Kreativität freien Lauf zu lassen.

Hier ist für jeden etwas dabei. Wer möchte seinen eigenen Comic zeichnen? (27.-31.10., 10-14 Uhr) Oder Linoldruck-Techniken lernen? (27.-31.10., 10-14 Uhr) Oder mit der Nähmaschine das Halloween-Kostüm aufpeppen? (27.-31.10., 14-18 Uhr)

Die gedruckten, gebastelten, gezeichneten und geschriebenen Kunstwerke können mit nach Hause genommen werden. Wer weiß, vielleicht entsteht so auch schon das ein oder andere Weihnachtsgeschenk? (aba)

2 Spuk im Park

BUH!

Wo treffen sich eigentlich die vielen Geister, Hexen und Monster zur gruseligsten Nacht des Jahres? Na klar, im Park!

Beim alljährigen Halloween-Fest tummeln sich im Britzer Garten schaurige Gestalten, große wie kleine. Sie schnitzen Kürbislaternen, verwandeln sich beim Kinderschminken in noch schaurigere Kreaturen, und tanzen in der Halloween-Disko, bis die Nacht anbricht.

Außerdem auf dem Programm: Feuershows, Schattenspiel-Theater und ein Grusical– Grusel zum Mitsingen.

Am besten schon mal die Grusel-Kluft herauslegen, denn für die besten Kostüme winkt ein Preis. (aba)

3 Volle Gefühlsdröhnung

Keine Zeit zum Schmollen: Im Labyrinth-Museum gibt es viel zu entdecken.

Hoffen wir mal, dass während der Ferien die Sonne lacht und der Himmel nicht weint. Sonst werden wir soooo wütend. Aber sich schreiend auf den Boden zu werfen oder in einer Ecke zu schmollen, bringt einen auch nicht weiter, oder?

Viel besser ist es, wenn es gelingt, Gefühlsenergie in Kreativität umzulenken. In den Herbstferien können die Kinder im Labyrinth-Kindermuseum Freude-Rassel-Armbänder, Trauer-Regenmacher oder Wut-Trommeln basteln und Kugeln über die große Gefühle-Murmelbahn rollen lassen.

Und ein Halloween-Programm für gruselig-schönen Spaß, bis sich die Fußnägel aufrollen. (ipa)

4 Gemeinsam Glotzen

Keine Angst: Gruselig wird es im Kino Intimes nicht.

Manchmal gibt es in den Ferien diesen Moment, wenn man schon alles entdeckt, gebastelt, gespielt und bestaunt hat. Dann kommt ein gemütlicher Kinotag genau richtig, am besten mit der ganzen Familie.

Im Kino Intimes gibt es ein wundervolles Programm für Groß und Klein. In der zweiten Ferienwoche laufen hier zum Beispiel „Zirkuskind“ (27./28./29.10, jeweils 16:05 Uhr), ein Roadmovie über das Aufwachsen in der Manege, oder der langersehnte 4 Teil des deutschen Erfolg-Films „Die Schule der magischen Tiere“ (täglich, mehrere Vorführungen).

Der Animationsfilm „Flow“ (25./26.10. 11:45 Uhr, 29.10. 14:15 Uhr) entführt in die abenteuerliche Welt einer kleinen schwarzen Katze.

Dazu eine Familien-Portion Popcorn für das perfekte Kino-Gefühl. (aba)

5 Geisterwelten entdecken

Gruselige Gestalten treiben im FEZ ihr Unwesen.

Für alle Kinder, die sich vor dem unvermeidlichen Höhenpunkt der herbstlichen Gruselsaison, Halloween, schon mal etwas in der Kunst der anlassgerechten Verkleidung üben wollen, ist das Ferienprogramm „Staunen, Schaudern, Fragen: Die Geisterwelten im FEZ-Berlin“ genau das Richtige.

Für die ganz Kleinen ist die „Welt zwischen Realität und Jenseits“ wohl eher nichts, aber Kids ab 7 Jahren können sich lustvoll ein wenig gruseln und dabei lernen, das „Geheimnisvolle mit neuen Augen zu betrachten“.

Halloween selbst wird auch noch mitgenommen, geöffnet ist am 31. Oktober von 14 bis 21 Uhr. Bestimmt ganz schön gruselig, so ein Herbstabend in der Wuhlheide! (wun)

6 Ferienspaß im Museum

Da rauchen die Köpfe: Bei den Ferienworkshops gibt es viel zu bestaunen.

Sie haben gefühlt gerade erst die Koffer ausgepackt? Tja, die Schulkinder haben schon wieder Ferien … Ein echter Grund, mal wieder in Berlin verliebt zu sein, denn die Stadt bietet auch Familien, die nicht (schon wieder) wegfahren können, viele Möglichkeiten.

Eine Bank in dieser Hinsicht sind die Staatlichen Museen. Geboten werden kurze Familien-Workshops wie auch mehrtägige Programme (dafür rasch anmelden!).

Auch in der zweiten Ferienwoche gibt es wieder einiges zu entdecken. Zum Beispiel beim Fotografie-Workshop (28.-30.10.) zum Thema „Sehnsüchte“, wo junge Foto-Interessierte versuchen, die ganz großen Gefühle durch die Linse einzufangen.

Im Humboldt-Forum können die Kleinen aus Pappe und buntem Papier eine Maske basteln (26.10., 15-18 Uhr), pünktlich für ein schauriges Halloween-Kostüm.

Aufregend klingt auch der dreitägige Workshop „Space Race, Female Force and Pop“ für Jugendliche. Da geht es in der Neuen Nationalgalerie um Fragen wie: Kann ein Flug ins All ein aktivistischer Akt sein? Gestaltet wird ein XL-Bild, inspiriert von aktuellen Popkultur-Themen (29.-31.10.). (ans)

7 Halloween auf Mexikanisch

Ein Altar für die Seelen im Jenseits: am Día de los Muertos wird traditionell den Toten gedacht.

Im Kern geht es bei Halloween ja nicht um Kürbisse und Weingummi in Geisterform, sondern darum, dass in dieser Nacht angeblich die Grenze zwischen der Welt der Lebenden und der Toten verschwimmt.

Auch beim mexikanischen Totenfest kommen die Seelen verstorbener Angehöriger zu Besuch, fröhlich und nachdenklich zugleich. Auf dem Holzmarkt wird der Día de los Muertos gleich drei Tage gefeiert.

Ein Altar wird aufgebaut, auf dem man Erinnerungen ablegen kann; nachmittags gibt es viele Aktivitäten für Kids, in einem Floß auf der Spree werden Legenden erzählt und es gibt Performances, Musik und mexikanische Spezialitäten; Freitagabend Konzert mit Bands und DJs. (ans)

8 Schokolade, Dinos und Basketball

Raaaaawr! Mit dem Ferienprogramm geht’s in die Welt der Dinosaurier.

Beim Herbstferienprogramm im TIK e.V. startet jeder Tag mit einem ausführlichen gemeinsamen Frühstück. Gut gestärkt geht es dann weiter mit spannenden Aktivitäten, so dass es garantiert nie öde wird.

Jeder Tag bringt etwas Neues. Habt ihr schon einmal den Dino im Naturkundemuseum (28.10.) gesehen? Ihr wolltet schon immer mal Schokolade selber machen (29.10.)? Oder wollt ihr beim Basketball (30.10.) Teamgeist beweisen? Schwupps, schon ist die zweite Ferienwoche vorbei, ganz ohne Langeweile. (aba)

9 Wie war das Leben im Mittelalter?

Eine Zeitkapsel aus Schilf und Holz: Das Museumsdorf Düppel.

Zauberstäbe und Laternen basteln, Stockbrot rösten oder historische Kinderspiele: Das historische Museumsdorf Düppel, das einer mittelalterlichen Siedlung nachempfunden ist, bietet ein kunterbuntes Herbstferienprogramm für die ganze Familie.

Im herbstlichen Freilichtmuseum gibt es in der schulfreien Zeit Führungen zu mittelalterlichen Themen, und ein Live-Speaker erzählt Kindern und Erwachsenen, wie die Menschen im Mittelalter ihre Kleidung färbten.

Am Märchenzelt warten die Märchenhexe Silberzweig und der Gaukler Astor Ytellar, um den Besucherinnen ein magisch-märchenhaftes Programm zu präsentieren. (ero)

10 Green Planet

Bei Green Planet Berlin werden grüne Zukunftspläne geschmiedet.

Wenn ich die Welt verändern will, um das Klima zu retten – wo fange ich da an? Am besten direkt vor der Haustür.

Im Austausch mit Kindern und Jugendlichen ist eine interaktive Ausstellung für Kinder ab 7 Jahren auf die Beine gestellt worden: Sie zeigt Ideen, Projekte und Menschen, die Berlin in eine ökologische Stadt der Zukunft verwandeln wollen.

Wer direkt mitmachen will, kann an sechs Mitmachstationen wie in der „Küche der Zukunft“, dem „Stadt-Labor“ oder der „Energie-Zentrale“ nach Lösungen für eine grünere Stadt und eine gesündere Welt mitsuchen. (tph)

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Kontrabassist Felix Henkelhausen beim Jazzfest Berlin: „Der Ball muss rollen“

Mon, 27 Oct 2025 07:07:25 +0100

Kontrabassist Felix Henkelhausen beim Jazzfest Berlin: „Der Ball muss rollen“

Mit seiner Band Deranged Particles versteht sich Felix Henkhausen auf ein furioses Spiel mit komplexen Grooves. Eine Begegnung zum Jazzfest Berlin.

Von Gregor Dotzauer

Stand: 27.10.2025, 07:07 Uhr

Wann im Jazz die Sucht nach ungeraden Taktarten ausbrach, lässt sich schwer datieren. Odd Meters, wie man sie auch hierzulande nennt, sind seit Jahrzehnten das Salz in der Suppe. Der schleichende Massentod des Viervierteltakts und die Explosion halsbrecherischer Zählzeiten wie 15/8 oder 17/8 haben aber sicher mit dem Aufstieg der sozialen Medien zu tun.

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Über die Wiederkehr der zwanziger Jahre: Und ewig grüßt das Monstertier

Sat, 25 Oct 2025 13:31:06 +0200

Über die Wiederkehr der zwanziger Jahre: Und ewig grüßt das Monstertier

Die zwanziger Jahre sind wieder en vogue. Und bleiben aktuell für die Gegenwart. Warum die Faszination für dieses irre Jahrzehnt anhält.

Ein Essay von Rüdiger Schaper

Stand: 26.10.2025, 22:20 Uhr

Diese Geister wollen nicht verschwinden. Denn sie sind beliebt und werden offensichtlich gebraucht. Und gerade jetzt, im anbrechenden Berliner Herbstgrau, zeigen sie sich wieder voller Glitzer und Glanz und Grusel. Das Maxim Gorki Theater präsentiert die Show „Androgynous“, in der sich queere Menschen von heute im kurzen und skandalösen Leben der Anita Berber wiederfinden. Die Nackttänzerin und Filmschauspielerin starb 1928 an Tuberkulose und exzessivem Drogenkonsum. Sie war die dunkle Göttin der vulkanischen Phase deutscher Geschichte.

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Doppelpremiere am Deutschen Theater: Die Marquise von O. und Gisèle Pelicot im Zwiegespräch

Sun, 26 Oct 2025 13:49:22 +0100

Doppelpremiere am Deutschen Theater: Die Marquise von O. und Gisèle Pelicot im Zwiegespräch

Am Deutschen Theater werden in „Die Marquise von O. und –“ reale Vergewaltigungsfälle schockierend nüchtern aufgearbeitet. „Die drei Leben der Hannah Arendt“ nähert sich der jüdischen Denkerin.

Von Christine Wahl

Stand: 26.10.2025, 17:13 Uhr

Es ist vielleicht die berühmteste Zeitungsannonce des literarischen Kanons: Sie sei, gibt die Marquise von O. zu Beginn von Heinrich von Kleists gleichnamiger Novelle in den einschlägigen „Intelligenzblättern“ bekannt, „ohne ihr Wissen in andre Umstände gekommen“. Und sie bitte darum, dass „der Vater zu dem Kinde, das sie gebären würde“, sich melde, damit sie ihn – „aus Familienrücksichten“ – ehelichen könne.

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So gut ist der Charlotte-Lindholm-Krimi: Nach diesem „Tatort“ will man keinen Apfel mehr essen

Fri, 24 Oct 2025 11:57:43 +0200

So gut ist der Charlotte-Lindholm-Krimi: Nach diesem „Tatort“ will man keinen Apfel mehr essen

Ein toter rumänischer Hilfsarbeiter, dem der Kopf fehlt und ein Biohof kurz vor der Pleite: „Tatort“-Kommissarin Lindholm kommt zurück ins Alte Land.

Von Markus Ehrenberg

Stand: 26.10.2025, 17:08 Uhr

Im Alten Land wurde der rumänische Aushilfsbauer Victor enthauptet. Der örtliche Polizist geht von einem tödlichen Arbeitsunfall mit einer Landmaschine aus. Doch Charlotte Lindholm (Maria Furtwängler) will das nicht glauben: „Tatort: Letzte Ernte“ (Sonntag, ARD, 20:15 Uhr).

Warum fehlt der Kopf? Lindholm mietet sich kurzentschlossen in das freie Pensionszimmer des Biohofes ein, auf dem das Opfer zuletzt gearbeitet hat.

Nach und nach taucht sie ein in das komplexe Psychogramm der Bauernfamilie Feldhusen, deren Vater aufgrund des Einsatzes von Pestiziden schwer an Krebs erkrankt ist und deckt toxische Beziehungen untereinander auf.

War es doch kein tödlicher Unfall, sondern Mord? Was hat die starrsinnige Biobäuerin Marlies Feldhusen (Lina Wendel) mit dem Opfer zu tun?

Geköpft: Charlotte Lindholm (Maria Furtwängler) und Olaf Gehrke (Ole Fischer) untersuchen den Heuballenschneider, durch den Hofmitarbeiter Victor ums Leben gekommen ist.

Dazu Feldhusens depressiver Sohn Sven und Frau Frauke, die innerlich längst mit dem Thema Landwirtschaft abgeschlossen haben. Der sinistre Großbauer Hajo Klinkicht, der diese Biobauern weg aus dem Alten Land haben möchte, der tote Erntehelfer Victor offenbar als Scharnier dazwischen. Kommissarin Lindholm bekommt es mit einer scheinbar verschworenen Dorf-Gemeinschaft zu tun, unter deren Oberfläche es mächtig brodelt.

Zum ersten Mal seit 2019 ermittelt Kommissarin Lindholm ohne Partnerin, zurück aus Göttingen ins Alte Land, und kommt als „Lonely Wolf“ ganz gut zurecht (vom allzu schusseligen Dorf-Polizisten Olaf mal abgesehen).

Und das bei einem durchaus sperrigen Thema, dass auf Drängen Furtwänglers „Tatort“-Thema wird: Biodiversität in der Landwirtschaft, der Einsatz (oder die Vermeidung) von Pestiziden, mit einem Blick auf beide Seiten der Medaille, die der konventionellen Landwirtschaft mit ihren Zwängen und die Perspektive der Biobauern. Ständige Existenzangst.

Besonders schockierend ist tatsächlich, dass Parkinson seit 2024 in Deutschland als Berufskrankheit für Landwirte anerkannt ist, die über längere Zeit mit Pestiziden gearbeitet haben (in Frankreich und Italien schon deutlich länger).

Am Ende ist dieser „Tatort“ – bei aller gesellschaftlichen Relevanz (man möchte hiernach keinen Apfel mehr essen) – aber natürlich auch ein klassischer Whodunit-Fall, den die Lindholm mit ihrer zupackenden Art löst, sogar als Erntehelferin.

Und eine Verbeugung an Agatha Christie. Wie Hercule Poirot in den Agatha-Christie-Verfilmungen „Mord im Orient Express“ oder „Tod am Nil“ versammelt Charlotte Lindholm am Ende alle Verdächtigen am Ort des Verbrechens und geht den Fall noch einmal durch. Eine oder einer am Hof muss der Enthaupter sein.

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„Babo – Die Haftbefehl-Story“ auf Netflix: Eine Hip-Hop-Karriere wie ein Verkehrsunfall

Sun, 26 Oct 2025 15:05:38 +0100

„Babo – Die Haftbefehl-Story“ auf Netflix: Eine Hip-Hop-Karriere wie ein Verkehrsunfall

Zwei Jahre haben Juan Moreno und Sinan Sevinç den besten deutschen Rapper nach seinem Absturz begleitet. Mit einer Hagiografie hat ihr filmisches Porträt nichts zu tun. Es ist das Dokument einer menschlichen Tragödie.

Von Andreas Busche

Stand: 26.10.2025, 16:54 Uhr

Wie geht es dem deutschen Hip-Hop eigentlich so? Kann man ja mal fragen, die mediale Öffentlichkeit interessiert sich für die Belange der Jugend ohnehin nur in Krisenzeiten.

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Reinhard Goebel im Konzerthaus: Mit den Mozarts am Küchentisch

Sun, 26 Oct 2025 13:39:25 +0100

Reinhard Goebel im Konzerthaus: Mit den Mozarts am Küchentisch

Familienkonzert am Gendarmenmarkt: Reinhard Goebel und das Konzerthausorchester interpretieren Werke von Leopold, Wolfgang Amadeus und Franz Xaver Mozart.

Von Frederik Hanssen

Stand: 26.10.2025, 16:36 Uhr

An diesem Abend wird das Konzerthaus zur Drei-Generationen-WG: Dirigent Reinhard Goebel hat zu seinem Gastauftritt nämlich Werke von drei Mozarts mitgebracht, von Wolfgang Amadeus natürlich, dem alles überstrahlenden Star der Familie, sowie von seinem Vater Leopold und seinem 1791 geborenen zweiten Sohn Franz Xaver. Beide waren ebenfalls Profimusiker.

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Frisch vom digitalen Zeichentisch: Die aktuellen Karikaturen von Klaus Stuttmann

Thu, 10 Apr 2025 13:37:41 +0200

Frisch vom digitalen Zeichentisch: Die aktuellen Karikaturen von Klaus Stuttmann

Tag für Tag kommentiert Klaus Stuttmann das politische Geschehen. Hier gibt es seine neuesten Tagesspiegel-Karikaturen.

Stand: heute, 16:21 Uhr

28. Oktober 2025

27. Oktober 2025

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Merz, das Stadtbild und die Töchter: Was bedeutet Femonationalismus?

Sat, 25 Oct 2025 14:53:22 +0200

Merz, das Stadtbild und die Töchter: Was bedeutet Femonationalismus?

Nachdem Friedrich Merz in seinen Überlegungen zu Problemen der Migration Frauen angeführt hat, werfen ihm viele Femonationalismus vor. Der Begriff stammt aus der Soziologie. Was steckt dahinter?

Von Inga Barthels

Stand: 26.10.2025, 11:49 Uhr

Das Verhältnis von Friedrich Merz zu jungen Frauen in Städten war bisher nicht das Innigste. Nur neun Prozent von ihnen wählten einer Analyse von Infratest dimap und der Tagesschau zufolge bei der vergangenen Bundestagswahl die Union.

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Der Herbst und seine Stunde: In der Zeitumstellung liegt ein seltsamer Zauber

Fri, 24 Oct 2025 16:43:08 +0200

Der Herbst und seine Stunde: In der Zeitumstellung liegt ein seltsamer Zauber

Heute in der Frühe wurde die Uhr um eine Stunde zurückgedreht – und die Debatte über Sinn oder Unsinn flammt wieder auf. Unser Autor hat einen fast schon poetischen Blick auf die Zeitumstellung.

Ein Kommentar von Rüdiger Schaper

Stand: 26.10.2025, 07:08 Uhr

Trüb sieht es da draußen vor dem Fenster aus, stürmisch und regnerisch. Ende Oktober, Depression setzt ein. In Brandenburg fallen Zugvögel vom Himmel.

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„Fatales Signal“: Proteste wegen Lindemann-Einladung zu Leipziger Opernball

Sat, 25 Oct 2025 19:16:45 +0200

„Fatales Signal“: Proteste wegen Lindemann-Einladung zu Leipziger Opernball

Till Lindemann ist unter den eingeladenen VIPs, die beim Leipziger Opernball feiern. Das stößt auf Kritik – in Leipzig versammelten sich etwa 200 Menschen mit Bannern und Trillerpfeifen.

Stand: 25.10.2025, 19:16 Uhr

Vor der Leipziger Oper haben Menschen mit Bannern, Trillerpfeifen und Sprechchören gegen die Einladung von Rammstein-Sänger Till Lindemann zum Opernball demonstriert. Nach Einschätzung eines dpa-Reporters versammelten sich etwa 200 Demonstranten gegenüber dem roten Teppich auf dem Augustusplatz. Die Polizei machte zur Zahl der Teilnehmer keine Angaben, bezeichnete aber die Versammlung als friedlich. Auch Fans hatten sich unter das Publikum gemischt, um Prominente zu sehen.

„Wir wollen die Organisatoren darauf aufmerksam machen, sich beim nächsten Mal im Vorfeld mehr Gedanken über die Auswahl der Gäste zu machen“, sagte Irena Rudolph-Kokot vom Aktionsnetzwerk „Leipzig nimmt Platz“. Das Bündnis hatte gemeinsam mit anderen zu Protesten aufgerufen.

Lindemann steht mit anderen Gästen aus Gesellschaft, Politik und Wirtschaft auf der Gästeliste des diesjährigen Opernballs in Leipzig. Bei der 30. Jubiläumsausgabe feiern rund 2.000 Gäste gemeinsam unter dem Motto „Bienvenidos, Andalucía“ - darunter auch der Violinist David Garrett, Reality-TV-Star Claudia Obert oder die Schauspielerin Jenny Elvers. Die sächsische Gleichstellungsministerin Petra Köpping (SPD) hatte ihre Teilnahme am Ball kurzfristig abgesagt.

Viele Prominente und eine Absage

Der Leipziger Opernball war in die Schlagzeilen geraten, weil mit Lindemann eine umstrittene Person als VIP-Gast geladen ist. Der 62-Jährige stand im Jahr 2023 im Zentrum schwerwiegender Vorwürfe. Mehrere Frauen hatten teilweise anonyme Anschuldigungen gegen ihn erhoben. Er hatte die Vorwürfe vollständig zurückgewiesen. Die Berliner Staatsanwaltschaft stellte im August 2023 ihre Ermittlungen gegen den Rockstar mangels hinreichenden Tatverdachts ein.

Aktivisten halten auf dem Augustusplatz den Schriftzug «Sage mir mit wem du feierst und ich sage dir wer du bist». Sie protestieren damit gegen die Teilnahme von Rammstein-Sänger Lindemann beim Leipziger Opernball.

Das Bündnis „Gemeinsam gegen sexualisierte Gewalt und Machtmissbrauch“ hatte die Einladung an Lindemann kritisiert und zu einer Demonstration aufgerufen. In einem Offenen Brief im Vorfeld mahnte der Zusammenschluss aus Vereinen, Institutionen und Akteuren der Zivilgesellschaft die gesellschaftliche und moralische Verantwortung der Veranstalter an und warnte vor einem „fatalen Signal“ an Betroffene sexualisierter Gewalt. Juristische Unbedenklichkeit könne keine moralische Entlastung bieten, hieß es.

Opernball-Organisatorin Vivian Honert-Boddin sagte mit Blick auf die Kritik an dem prominenten Gast: „Wir grenzen niemanden aus.“ Zugleich mahnte sie, das „Wesentliche in den Fokus zu nehmen“. Der Opernball sei eine Charity-Veranstaltung, bei der der Erlös aus einer Tombola zugunsten der Stiftung „Leipzig hilft Kindern“ gespendet wird. Leipzig sei eine weltoffene Stadt, das soll mit dem Ball gezeigt werden, so Honert-Boddin. (dpa)

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Voices Berlin Festival: Das große Durcheinander

Sat, 25 Oct 2025 14:09:04 +0200

Voices Berlin Festival: Das große Durcheinander

Verteidigung der Vielstimmigkeit. Die Eröffnung des Voices Berlin Festivals präsentiert Stimmen und Werke von Exilkünstlerinnen und Kosmopoliten. Was sie eint, ist die Neugier auf Klänge.

Von Christiane Peitz

Stand: 25.10.2025, 14:09 Uhr

Die Ohren schmerzen, der Magen rebelliert. Man möchte, dass es aufhört, die Sirenen, die Trommelschläge, der Lärm, sofort. Der Boden dröhnt, die Nerven liegen blank: Das Voice Berlin Festival eröffnet mit einer Attacke auf die Sinne. Eine Stunde akustischer Terror, mit Musik nicht als Trost, sondern als Störmanöver, als Kriegserklärung in kriegerischen Zeiten.

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Die Art Basel in Paris: Wenigstens die Kunst leuchtet noch

Fri, 24 Oct 2025 15:23:27 +0200

Die Art Basel in Paris: Wenigstens die Kunst leuchtet noch

Die Pariser Ausgabe der Art Basel hat sich zu einer der internationalsten Messen weltweit entwickelt. Dieses Mal wechselten achtstellige Millionensummen ihre Besitzer.

Von Alexandra Wach

Stand: 25.10.2025, 09:03 Uhr

Die Kronjuwelen geraubt, der ehemalige Präsident Nicolas Sarkozy im Gefängnis, eine Ratingagentur, die Frankreichs Rating herabstuft, und die Regierungen wechseln in rasender Geschwindigkeit. Es ist dunkel geworden in der Stadt der Lichter. Wenigstens aber ist auf die Art Basel Paris Verlass. Die Kauflaune auf der neuen exklusiven sogenannten Avant Première am Dienstag von 15 bis 19 Uhr, einen Tag vor der offiziellen First Choice VIP-Preview, war groß – auch wenn jede Galerie nur sechs Einladungen erhielt.

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Diese Worte klingen nach Musik: Blech-Schaden am Kot-Flügel

Thu, 23 Oct 2025 11:57:28 +0200

Diese Worte klingen nach Musik: Blech-Schaden am Kot-Flügel

Wer Klassik liebt, dessen Hirn produziert im Alltag manchmal die wildesten Assoziationen. Oder woran denken Sie beim Begriff „Kompositions-Kerze“?

Eine Kolumne von Frederik Hanssen

Stand: 25.10.2025, 08:34 Uhr

Als wir neulich bei den Schwiegereltern im Ruhrgebiet waren, habe ich sie im Supermarkt entdeckt: Zwischen der Fleischtheke und den Regalen mit Dosenobst stand da eine ganze Palette mit „Kompositions-Kerzen“. Sofort sah ich einen Tonsetzer vor mir, der mit dem Ruß des abgebrannten Dochts genialische Musik aufs Notenpapier wirft.

Aber – Nordrhein-Westfalen ist eine katholische Gegend – es handelte sich bei näherem Hinsehen um ganz gewöhnliche Grablichter für den Friedhof. Komponiert ist hier nur die Zusammenstellung von Paraffin und Öl, die dafür sorgen soll, dass die Kerzen unter ihrem Blechdeckel bis zu 36 Stunden am Stück brennen.

Dauerbrenner mit Deckel

Immer wieder muss ich feststellen, dass mein musikjournalistisch konditioniertes Hirn im Alltag unwillkürlich die wildesten Assoziationen produziert, sobald irgendwo ein Begriff auftaucht, der auch nur im Entferntesten mit Klängen zu tun hat. Ja, ein wenig verrückt ist es schon, bei dem Wort Kot-Flügel an ein Konzertsaal-Klavier zu denken. Aber ich kann den Assoziationsfluss nicht stoppen.

Es begeistert mich einfach, wenn ich auf dem Organigramm einer Landesbehörde einen „Ministerialdirigenten“ entdecke. Die Amtsbezeichnung wurde 1927 erfunden und zwischen die Ränge des Ministerialdirektors und Ministerialrats eingeschoben. Der Amtsträger ist allerdings nicht für den guten Ton in der Behörde zuständig, sondern orchestriert lediglich den Fluss der Akten von Abteilung zu Abteilung, als oberster, nicht politisch ernannter Beamter.

Um nochmal auf den Kot-Flügel zurückzukommen: Das Auto-Bauteil ist ein Element alltäglicher, gelebter Rücksichtnahme, verhindert diese Abdeckung über den Rädern doch das ungebremste Aufspritzen von Straßenschlamm (die Italiener sagen darum auch „parafango“ dazu). Wie man an Oldtimern sehen kann, hatte diese Sch(m)utzvorrichtung ursprünglich eine geschwungene Form – die Menschen ohne déformation professionelle an die Schwingen von Vögeln erinnert.

Dieselbe Funktion wie der Kotflügel erfüllt beim Motorrad oder Fahrrad das Schutz-Blech. Da tauchen vor meinem inneren Auge natürlich sofort metallisch glänzende Blasinstrumente wie Trompeten und Posaunen auf – aber das führt jetzt wirklich zu weit!

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30 Jahre an der Deutschen Oper: Kammersängerin Kaja Borris ist tot

Fri, 24 Oct 2025 21:06:18 +0200

30 Jahre an der Deutschen Oper: Kammersängerin Kaja Borris ist tot

An unzähligen Abenden und in Dutzenden verschiedenen Rollen war Kaja Borris an der Deutschen Oper zu erleben. Im Alter von 86 Jahren ist die Mezzosopranistin nun in Berlin gestorben.

Von Frederik Hanssen

Stand: 24.10.2025, 21:06 Uhr

Wer schon älter ist und sich in Berlin für Musiktheater begeistert, dem war ihre warme Stimme vertraut: Kaja Borris. Mehr als 30 Jahre gehörte sie zu den Stützen des Ensembles an der Deutschen Oper. Sie studierte zunächst in Königlichen Konservatorium ihrer Heimatstadt und wechselte dann an die Kölner Musikhochschule. 1971 erhielt sie die Chance, am Opernstudio der Deutschen Oper anzufangen. Zwei Jahre später wurde sie ins Festengagement übermommen - und bleib der Charlottenburger Bühne ihre ganze Karriere lang treu.

Sie war unverzichtbar in Charlottenburg

In der Bismarckstraße spricht man bis heute vom „Kaja Borris-Repertoire“, denn die Sängerin schien fast jeden Abend auf der Bühne zu stehen. Mezzosoprane wie sie werden in fast jeder Oper des klassischen Repertoires für die mittleren und kleinen Rollen benötigt. Und wenn sie schauspielerisch so begabt und stilistisch so wandelbar sind wie Kaja Borris, machen sie sich schnell unverzichtbar. Bereits 1978 gab es dafür den Daphne-Preis, mit dem die Theater-Gemeinde Berlin herausragende Darsteller auszeichnet.

Die deutsch-niederländische Sängerin entstammte einer musikalischen Familie, ihr Vater war der bekannte Musikwissenschaftler und Komponist Siegfried Borris, ihre Mutter die Sopranistin Condoo Kerdyk. Zu ihren Paraderollen gehörten die Dame Quickly in Verdis „Falstaff“, Ulrica im „Maskenball“, Azucena im „Troubadour“, die 3. Dame in der „Zauberflöte“, Marthe im „Faust“ von Gounod oder auch Geneviève in „Pelléas et Mélisande“ von Debussy.

Ein Highlight ihrer langen Laufbahn war die Rolle der Mary im „Fliegenden Holländer“, die sie bei den Salzburger Osterfestspielen 1982/83 unter der Leitung von Herbert von Karajan gestaltete. Gastspiele führten sie nach Wien, München und Hamburg, mehrfach trat sie auch als Konzertsängerin mit den Berliner Philharmonikern auf.

2001 wurde Kaja Borris zur Berliner Kammersängerin ernannt und gab - nach dem Ende ihrer Bühnenkarriere - ihr Wissen gerne an die nächste Generation weiter. Im Alter von 86 Jahren ist sie nun in ihrer Wahlheimat Berlin gestorben.

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Klassik

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Spielfilmtipps zum Wochenende: Harry Potter, Michael Myers und Frankenstein

Fri, 24 Oct 2025 10:30:41 +0200

Spielfilmtipps zum Wochenende: Harry Potter, Michael Myers und Frankenstein

Tom Hanks verzaubert in der Wüste oder Helena Bonham Carter beeindruckt vom Monster – fünf Filmtipps für ein fantastisches Wochenende.

Von Markus Ehrenberg

Stand: 24.10.2025, 15:18 Uhr

Eine Wetterprognose wie geschaffen fürs Pantoffelkino am Wochenende. Mit einer Filmkomödie („Ein Hologramm für den König“), Fantasy („Harry Potter“), Hitchcock-Thriller („Bei Anruf Mord“) und gleich zweimal Horror („Mary Shelley’s Frankenstein“ und „Halloween Ends“) dürfte für jeden Geschmack etwas dabei sein.

1 Ein Hologramm für den König (Samstag, One, 20:15 Uhr)

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Kritiker mäkeln, dass man dem Film nach 20, 30 Sekunden ansieht, dass er von einem deutschen Regisseur kommt (hier: Tom Tykwer). Das muss nicht unbedingt schlecht sein, alleine schon wegen der wunderschönen Wüstenbilder von Tykwers Stamm-Kameramann Frank Griebe.

Jedenfalls sieht man Tom Hanks gerne zu, wie er als Alan Clay, Alter 54, Opfer der Bankenkrise, seine letzte Chance sucht. Er soll innovative Hologramm-Kommunikationstechnologie an den Mann, besser gesagt den König bringen. König Abdullah von Saudi-Arabien lässt in der arabischen Wüste eine strahlende Wirtschaftsmetropole errichten.

Doch der König kommt nicht. Nicht am ersten Tag, nicht am zweiten, auch nicht in den Tagen danach. Indes werden der junge Fahrer Yousef und die schöne Ärztin Dr. Zahra Hakeem Alans Gefährten.

2 Harry Potter und der Stein der Weisen (Samstag, Sat1, 20:15 Uhr)

An seinem elften Geburtstag erfährt der Waisenjunge Harry Potter (Daniel Radcliffe), dass er, wie seine Eltern, ein Zauberer ist, und beginnt seine Ausbildung an der berühmten Zauberschule Hogwarts.

Dort freundet er sich mit Ron Weasley und Hermine Granger an und kommt mit ihnen einem Geheimnis auf die Spur. Irgendjemand scheint etwas stehlen zu wollen, das hinter einer geheimen Tür von einem dreiköpfigen Monster bewacht wird.

Da niemand ihnen glauben will, müssen sie selbst ermitteln. Und irgendwo wartet auch der dunkle Magier Lord Voldemort.

Alles auf Anfang: Die allererste Harry-Potter-Verfilmung aus 2001, die nicht bei jedem Kritiker Zustimmung fand. Immerhin ist Regisseur Chris Columbus eine makellose Literaturadaption gelungen. Film und Buch von Joanne Rowlings kommen perfekt zur Deckung.

3 Mary Shelley’s Frankenstein (Samstag, ZDFneo, 22 Uhr)

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Das passt irgendwie auch zu Halloween: Ende des 18. Jahrhunderts erweckt in Ingolstadt der Arzt Victor Frankenstein eine männliche Kreatur zum Leben. Sie flieht aus der Stadt in den Wald.

Ihr Schöpfer kehrt im Glauben, die Kreatur sei durch die grassierende Cholera umgekommen, nach Hause zurück. Doch Kinder finden immer den Weg zurück zu ihren Eltern …

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Kenneth Branaghs eigenwillige Verfilmung von Mary Shelleys berühmtem Schauerroman aus 1995. Großes Starkino. Branagh selbst übernahm die Rolle des genialischen Doktors, Robert De Niro spielt die Kreatur unnachahmlich als ebenso sensibles wie dämonisches Wesen, Helena Bonham Carter glänzt als Elizabeth, Frankensteins Verlobte.

Vielleicht die beste Frankenstein-Version aller Zeiten. Wer ein Update des Stoffs möchte: In diesen Wochen kommt „Frankenstein“ von Regisseur Guillermo del Toro in ausgewählte Kinos und auf Netflix.

4 Bei Anruf Mord (Sonntag, Arte, 20:15 Uhr)

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Auch ein Film-Klassiker. Als Ex-Tennisprofi Tony Wendice erfährt, dass seine wohlhabende Frau Margot ihn betrogen hat, beschließt er kaltblütig, sie zu töten.

Da er von ihrem Geld abhängig ist, sieht er einen Auftragsmord als einzige Möglichkeit, seine kostspielige Lebensführung aufrechterhalten zu können. Das Telefon und ein Anruf zur richtigen Zeit spielen dabei eine wichtige Rolle. Ein fast perfektes Alibi und Verbrechen …

Mit Grace Kelly und Ray Milland, einer der besten und aufregendsten Hitchcock-Filme von 1954, aus einer Zeit, als Festnetzanschlüsse noch eine große Rolle spielten. Und das Ganze, wie beim vorangegangenen Hitchcock-Film „Cocktail für eine Leiche“, bis auf wenige Ausnahmen an einem einzigen Ort gedreht: dem Wohnzimmer des (vermeintlichen) Opfers.

5 Halloween Ends (Sonntag, Sat1, 22:55 Uhr)

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David Gordon Green schickte Jamie Lee Curtis 2022 zum letzten Mal in den Kampf gegen ihren Erzfeind.

Um mit der Vergangenheit abzuschließen, schreibt Laurie Strode (Curtis) ihre Memoiren. Sie wohnt bei ihrer Enkelin Allyson und verarbeitet den Tod ihrer Tochter. Allyson freundet sich indes mit dem Außenseiter Corey an.

Als dieser an Halloween angegriffen und verletzt wird, schließt er sich voller Wut mit dem berüchtigten Serienkiller Michael Myers zusammen und begibt sich auf einen blutigen Rachefeldzug.

Klingt wieder grauenvoll, ist aber auch für eher Zartbesaitete eine Filmempfehlung. Die Gewaltspitzen werden von Green deutlich wirkungsvoller und behutsamer als noch im Vorgängerfilm eingesetzt, zudem kommt es zu einem unerwartet intimen Höhepunkt, der einem Franchise-Finale würdig ist.

Es ist allerdings schwer zu glauben, dass Michael Myers nicht irgendwann doch wieder um die Ecke kommt.

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Einhörner im Potsdamer Museum Barberini: Ein traumhafter Ritt durch die Kunstgeschichte

Thu, 23 Oct 2025 15:49:23 +0200

Einhörner im Potsdamer Museum Barberini: Ein traumhafter Ritt durch die Kunstgeschichte

Seltene Leihgaben aus 16 Ländern sind in Potsdam rund um das mythische Fabeltier versammelt. Warum sind alle verrückt nach diesem Wesen?

Von Michaela Nolte

Stand: 24.10.2025, 15:18 Uhr

So sieht doch kein Einhorn aus!“, monierte ein Atelierbesucher 1885 beim Anblick von Arnold Böcklins Gemälde „Das Schweigen des Waldes“. „Ach“, entgegnete der Künstler, „haben Sie eins gesehen?“ Womit der Schweizer Maler im Entstehungsjahr seines dunkel gestimmten Ölbildes nicht nur ironisch auf die zeitgemäße Skepsis dem Fabeltier gegenüber zielte, sondern ebenso auf die Freiheit der Kunst.

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Riss in der Idylle: Gemälde von Sibylle Springer in der Hoto Galerie

Fri, 24 Oct 2025 13:39:18 +0200

Riss in der Idylle: Gemälde von Sibylle Springer in der Hoto Galerie

In ihrer Kunst erinnert Sibylle Springer an nahezu vergessene Künstlerinnen und erschafft zugleich ein eigene, gegenwärtige Welt der vieldeutigen Symbole.

Von Christiane Meixner

Stand: 24.10.2025, 13:39 Uhr

Als hätte die Sonne das Motiv mit der Zeit ausgeblichen und dazu die Katze im Haus ihre Krallen an der Leinwand ausprobiert. Die Bilder von Sibylle Springer wirken versehrt: wie eine Erinnerung aus verschwommener Ferne, die bloß noch zarte Nachbilder generiert.

Dabei sind die Themen der in Bremen und Berlin lebenden Künstlerin oft dem lauten, bunten Pop entlehnt. In ihrer großen Soloschau mit über hundert Werken, die aktuell in der Kunsthalle Bremen zu sehen ist, hängen Porträts etwa von Madonna oder Britney Spears – von Künstlerinnen also, die sich nicht an Normen halten und dafür immer wieder Shitstorms ernten.

Zerrbilder der Medien

Beide werden medial geschlachtet, ihre Persönlichkeiten sind reine Zerrbilder. Sibylle Springer, Jahrgang 1975, mischt sich ein in diesen Streit um die Deutungshoheit und schildert ihre individuelle Sicht auf den Fakt, dass Frauen letztlich marginalisiert werden, wenn sie aus den ihnen zugewiesenen Rollen fallen. Springers Porträts der beiden Sängerinnen scheinen aus einer anderen Zeit zu kommen, die Farben sind zart und leicht verwaschen. Das ermöglicht Distanz und lässt einen die Gesichter im Idealfall noch einmal ganz unbefangen betrachten.

Springers künstlerische Strategien zeigt parallel auch eine zweite Ausstellung in der Berliner Hoto Galerie auf. „Taken from afar“, so der Titel, präsentiert andere Werke, kreist aber um dieselben Themen. Bei Hoto geht es um Malerinnen wie Rachel Ruysch, die in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts tätig war, sich etablierte und dann vergessen wurde. 2024, fast vierhundert Jahre nach ihrem Tod, wurde der auf Blumenstillleben spezialisierten Malerin in München die erste umfassende Werkschau gewidmet.

Kaputte Leinwände

Sibylle Springer vertieft sich in die barocken Arrangements aus üppigen Blüten und fragilen Insekten. Ihre eigenen Bilder in Formaten bis zu 180 Zentimetern Höhe beschränken sich allerdings auf Details: hier ein Käfer, dort ein Blatt oder eine Blüte. Wer genau hinschaut, sieht die winzigen Löcher auf den unbehandelten Partien der Leinwand. Die Künstlerin zupft Teile des Garns heraus, sodass unregelmäßige und dennoch zarte Durchbruchmuster entstehen.

Der Effekt ist verblüffend: Die Stillleben wirken ebenso gegenwärtig wie von der Zeit verschlissen. Ähnlich wie die gemalten Insekten erinnern der provozierte Zerfall der Leinwand und die Leerstellen im Gemälde an das Schicksal von Ruysch, deren Arbeit aus dem Blick geriet. Ein Schicksal, das sie mit zahllosen Künstlerinnen vergangener Epochen teilt.

Sibylle Springer, die an der Bremer Akademie unter anderem bei Katharina Grosse studiert hat, macht ihre Vorgängerinnen wieder sichtbar. Meistens subtil, in ihrem Werk tauchen Disteln als feministisch aufgeladenes Symbol auf, wie es die malenden Dietz-Schwestern ebenfalls im 18. Jahrhundert nutzten. Oder mithilfe von Fäden und Stoffen, die ebenfalls mit (weiblichen) handwerklichen Tätigkeiten konnotiert sind. In der Galerie Hoto, die Schauspieler Leopold Hornung 2022 gegründet hat, wächst aus Wolle, Plastik, Seide und Kupfer ein monumentaler Falter, der aus einem von Ruyschs Bildern gekrochen sein könnte. Schön und – trotz seiner Größe – verletzlich prangt er an der weißen Wand.

Mit ihm schließt Springer an jenes malerische Erbe an, das sie zurück im kollektiven Gedächtnis verankert wissen will. Gleichzeit ist der „Harlekinbär“ (2025) eine autonome, von der Künstlerin gefertigte Assemblage, wie sie nur in der Gegenwart entstehen kann: So fragmentiert und abstrakt hätte eine Künstlerin des Barock ihn niemals dargestellt. Sibylle Springer spannt diesen Bogen ebenso sensibel wie überzeugend.

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Emmanuelle Haïm und die Berliner Philharmoniker: Beste Medizin gegen regnerische Herbstabende

Fri, 24 Oct 2025 12:35:16 +0200

Emmanuelle Haïm und die Berliner Philharmoniker: Beste Medizin gegen regnerische Herbstabende

So stilsicher, wie es mit modernen Instrumenten wie Schlagzeug oder Blockflöte möglich ist: Ein Konzertabend der Berliner Philharmoniker unter der Leitung von Emmanuelle Haïm.

Von Kirsten Liese

Stand: 24.10.2025, 13:19 Uhr

Höchst selten reiht sich die Blockflöte in ein klassisches Sinfonieorchester ein. Mag man auch im Zusammenspiel mit zwei Silberflöten wenig von dem vielfach geschmähten Instrument hören, so hat es doch seinen Reiz, wenn es mit seinem warmen, intimen Klang solistisch hervortritt.

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Digitale Wiederkäuer: Wie Inzucht die Künstliche Intelligenz verdummen lässt

Thu, 23 Oct 2025 10:43:38 +0200

Digitale Wiederkäuer: Wie Inzucht die Künstliche Intelligenz verdummen lässt

Je mehr KI in unseren Daten steckt, desto fehlerhafter und schlechter wird das Ergebnis von Suchmaschinen. Am Ende erleiden sie den Modelkollaps. Und wir Menschen werden wohl allmählich verblöden.

Ein Essay von Malte Lehming

Stand: 24.10.2025, 13:14 Uhr

Macht uns das Internet dumm? Die Frage wird intensiv diskutiert – in der Psychologie, der Soziologie, der Medizin, der Verhaltensforschung, den Neurowissenschaften. Wie verändert sich das Gehirn, wenn Informationen ständig verfügbar sind, die vorgeben, echtes Wissen zu sein?

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„Frankenstein“ von Guillermo del Toro: Das Monster in uns allen ist ein Kind

Fri, 24 Oct 2025 11:41:14 +0200

„Frankenstein“ von Guillermo del Toro: Das Monster in uns allen ist ein Kind

Guillermo del Toro hat „Frankenstein“ für Netflix neu verfilmt, Jacob Elordi spielt die unschuldig in die Welt geworfene Kreatur als einen romantischen Sinnsucher. Ein Scheitern in Schönheit.

Von Andreas Busche

Stand: 24.10.2025, 12:23 Uhr

Guillermo del Toros „Frankenstein“ handelt nicht nur von dem Wunsch, Gott zu spielen, dem Streben nach ewigem Leben also. Sondern auch von dem Streben nach ewiger Schönheit. Das Geschöpf, das im Laboratorium des größenwahnsinnigen Doktors entsteht, ist sorgsam kuratiert, jedes Einzelteil handverlesen auf den Schlachtfeldern Europas.

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Soft-Cell-Musiker Dave Ball gestorben: Mit „Tainted Love“ in den Pop-Olymp

Fri, 24 Oct 2025 11:09:11 +0200

Soft-Cell-Musiker Dave Ball gestorben: Mit „Tainted Love“ in den Pop-Olymp

In den achtziger Jahren produzierte Dave Ball zusammen mit Marc Almond einen der größten Hits aller Zeiten: „Tainted Love“. Nun ist Ball im Alter von 66 Jahren gestorben. Ein Nachruf.

Von Gerrit Bartels

Stand: 24.10.2025, 11:09 Uhr

Im Leeds der späten siebziger Jahre gab es einen Club, der „Warehouse“ hieß, womöglich um von der Aura des legendären Chicagoer Warehouse zu profitieren, und in diesem Club hörten Dave Ball und Marc Almond den Northern-Soul-Klassiker „Tainted Love“ von Gloria Jones und beschlossen, ihre eigene Version davon aufzunehmen.

Verdreht und seltsam

„Verdreht und seltsam“ habe die sich angehört, sagte Dave Ball vor ein paar Jahren dem „Guardian“ in einem Interview. „Das passte zu uns. Wir waren ein seltsames Paar: Marc, dieser schwule Typ mit Make-up, und ich, ein großer Kerl, der aussah wie ein Türsteher.“

Dieser große Kerl war 1959 im südenglischen Blackpool geboren worden und ging Mitte der siebziger Jahre ins nordenglische Leeds, um an der damaligen Polytechnic Fine Arts University Musik zu studieren und mit elektronischen Instrumenten und Synthesizern zu experimentieren. Hier lernte er Almond kennen, der höchst angetan war von den elektronischen Bastelversuchen seines Kommilitonen.

Das Verdrehte und Seltsame an der „Tainted-Love“-Version von Almond und Ball, die sich als Duo seit 1977 Soft Cell nannten, passte aber bestens in die Zeit. Das Stück klang gleichermaßen modern wie lo-fi, synthetisch wie warm, teuer wie billig produziert, und das Tempo, das den Jones-Song auszeichnete, hatten Ball und Almond rausgenommen und mit einer schönen Dramatik versehen.

So anrüchig-flehend Almond mit „Sometimes I feel I’ve got to/ Run away I’ve got to/Get away“ anhebt und von der Liebe singt, so zackig die Beats sich schleppen, es auch sonst überall röhrt, quietscht und zischt, so bringt das auch über vierzig Jahre später noch einen jeden, eine jede auf die Tanzfläche. (Noch schöner übrigens die Extended Version, wenn „Tainted Love“ übergeht in „Where Did Your Love Go“, auch ein Cover, von den Supremes, auch so schön anders).

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„Tainted Love“ wurde ein Überhit, ein Evergreen, und Ball erinnerte sich im „Guardian“ daran, wie er und Almond zwar in einer kleinen, heruntergekommenen Sozialwohnung im sowieso heruntergekommenen Leeds lebten, aber schon bald mit der Concorde durch die Gegend geflogen wurden. Ball sorgte fortan für die Klangkörper der Soft-Cell-Stücke, die zwar von Almond und seiner Stimme dominiert wurden, aber ihren wahren und melancholischen Pop-Dreh erst durch Ball bekamen.

Schwül-erotische Träume

Während das New Yorker Duo Vega/Rev mit Suicide die Alpträume der Zeit inszenierte, sorgten Ball und Almond mit Soft Cell für die schwül-erotischen Träume in queeren, wie auch allen anderen Beziehungen: „Bedsitter“, „Entertain Me“, „Sex Dwarf“, „Where Did Your Love Go“ – das Soft-Cell-Debüt-Album „Non-Stop-Erotic-Cabaret“ ist ein einziges Hitalbum. Das bekamen sie nicht noch ein zweites Mal hin, so gut die Nachfolger sein mochten. Und mit dem bezeichnend „This Last Night... In Sodom“ betitelten vierten Soft-Cell-Album war 1984 schon wieder Schluss.

Marc Almond veröffentlichte Soloalben, denen man anhörte, dass Ball nicht mehr dabei war. Da fehlte immer was. Und Ball gründete in den neunziger Jahren zusammen mit Richard Norris The Grid, eine Band, die mit „Swamp Thing“ einen großen Hit hatte und sich immer gut zwischen den Chemical Brothers und The Prodigy machte.

Natürlich fanden sich auch Ball und Almond in den retroseligen Nuller-Jahren wieder zusammen, spielten auch zuletzt noch Konzerte und veröffentlichten 2022 mit „Happiness not included“ ein ganz anständiges Soft-Cell-Album. Dem wollten sie in den nächsten Monaten ein weiteres folgen lassen. Jetzt aber ist Ball in seinem Haus in London gestorben. Man fand ihn tot in seinem Bett. Dave Ball wurde 66 Jahre alt.

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Das Gute wird siegen: Sebastian Krämers sinfonische Chansons im Tipi am Kanzleramt

Fri, 24 Oct 2025 10:56:44 +0200

Das Gute wird siegen: Sebastian Krämers sinfonische Chansons im Tipi am Kanzleramt

Ein 40-köpfiges Orchester, dazu Gäste wie Oliver Polak und William Wahl. Liedermacher Sebastian Krämer fährt im Tipi am Kanzleramt groß auf.

Von Gunda Bartels

Stand: 24.10.2025, 10:56 Uhr

Es ist weit nach 23 Uhr, als hartnäckige Fans im Tipi am Kanzleramt immer noch für eine weitere Zugabe klatschen. Dabei gab es doch schon zwei. Sebastian Krämer, Musikkabarettist, Pianist und Chansonnier, steht strahlend, aber erschöpft vor seiner 40-köpfigen Staatskapelle Zembla und gesteht: „Mir fällt kein lockerer Spruch mehr ein. Jetzt ist wirklich Schluß. Ich danke euch und gute Nacht.“

Dass von einem romantischen Klangkörper dieses Namens vor diesem Konzertabend noch nie jemand etwas gehört hat, ist kein Wunder. Das Orchester existiert erst seit kurzem. Sebastian Krämer, der seine sinfonischen Neigungen zuvor schon in 20-köpfiger Begleitung ausgelebt hat, hat es extra für diesen einen Abend gegründet. Dass ihm und seinem befrackten Dirigenten Lars Straehler-Pohl dabei die Probenzeit etwas zu kurz geriet, ist immer mal wieder hörbar.

Mal reißt Krämer, der seiner Preispalette zuletzt den Preis der Deutschen Schallplattenkritik für das Album „Liebeslieder an deine Tante“ hinzufügen konnte, den Einsatz. Mal reißt ihn der Solo-Bratschist. Insgesamt fehlt es dem Orchesterklang an Homogenität. Man spürt, dass der Abend für alle ein Himmelfahrtskommando ist, was die Sympathiebekundungen des mitfiebernden Publikums prompt in immer neue Höhen schraubt.

Wo, wenn nicht bei Sebastian Krämer, gibt es solche Wagnisse schon? Krämer, der nicht nur Klavier, sondern auch Bratsche spielt, setzt die Leute, die heiteres Liedgut erwarten, einem von ihm komponierten, 40-minütigen Bratschenkonzert als Showstopper in drei Sätzen aus.

Zu Beginn des Abends glaubt man an Satire, an Klassik-Verulke, als das Orchester und Krämer Tschaikowskis pompöses Konzert für Klavier und Orchester B-Moll mit dem „Biene Maja“-Lied kontrastieren. Aber dann bricht die humoristische Tonalität.

Und als sich der Bratschist Albrecht Weißmann durch Krämers neoromantische Sätze ackert, ist es Ernst. Solche Brüche finden sich auch in Krämers oft in melancholischem Moll intonierten Liedtexten, die wie in dem Song „Taumilidau“ aus Alltagsimpressionen und Kindheitserlebnissen unversehens sonambule Schauergeschichten formen. Schamlos mit Sentiment getränkt und von schmelzenden Streicherklängen umspült.

Selbstverständlich hat der Tonsetzer auch die Songs seiner Gäste Phillip Riedel, Laura Dee, William Wahl (großartig!) und Oliver Polak für Orchester arrangiert. Comedian Polak und Krämer sind seit 20 Jahren befreundet und ihre gemeinsam geschriebene und dargebotene Kuscheltier-Hymne erfreut mit dem Refrain „Knopfaugen können nicht lügen / Du schaust sie an und weißt, das Gute wird siegen.“ Wer sich was traut, wird siegen, möchte man am Ende dieses perfekten imperfekten Abends hinzufügen.

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Medienphänomen Richard David Precht: Es war noch nie so einfach, gekränkt zu sein

Fri, 24 Oct 2025 08:46:04 +0200

Medienphänomen Richard David Precht: Es war noch nie so einfach, gekränkt zu sein

Mit seinem neuen Buch „Angststillstand“ suggeriert Richard David Precht einmal mehr, kaum noch durch die vermeintlich engen Meinungskorridore zu passen. Trotzdem bespielt er als Mainstream-Star jede große Bühne.

Von Gerrit ter Horst

Stand: 24.10.2025, 08:46 Uhr

„Haben Sie das Gefühl, dass man heute in Deutschland seine politische Meinung frei sagen kann, oder ist es besser, vorsichtig zu sein?“ Es ist eine Frage, die wie Donnerhall durch die Republik geht. Jedes Jahr fragt das Institut für Demoskopie Allensbach für seinen Freiheitsindex Menschen, wie sie es mit der Meinungsfreiheit bestellt sehen. Und seit Jahren geht die Kurve in den Sinkflug.

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Mozarts Erben, Strawinsky und Roderick Cox: Die spannendsten Klassikkonzerte in Berlin Ende Oktober

Thu, 23 Oct 2025 12:42:20 +0200

Mozarts Erben, Strawinsky und Roderick Cox: Die spannendsten Klassikkonzerte in Berlin Ende Oktober

Berlin überschreitet Grenzen: Die Berliner Philharmoniker spielen Barock und die Jazzpianisten Klassik. Unsere Empfehlungen der Woche.

Von

Stand: 23.10.2025, 12:42 Uhr

Im Turm zu Babel muss das Stimmen- und Sprachengewirr ohrenbetäubend gewesen sein. Im Zeitalter der Migration ist das Gewirr unvermeidlich: ganz schön anstrengend, einander noch zu verstehen.

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Der Hunger des Stephan Velten: Nach elf Jahren stellt der Maler wieder in Potsdam aus

Thu, 23 Oct 2025 12:27:12 +0200

Der Hunger des Stephan Velten: Nach elf Jahren stellt der Maler wieder in Potsdam aus

Eine Ausstellung im Museumshaus „Im Güldenen Arm“ versammelt Dutzende von bisher ungezeigten Werken aus vier Jahrzehnten. Stephan Velten nennt sie „Rosinen“.

Von Lena Schneider

Stand: 23.10.2025, 12:27 Uhr

Wenn da die Kraft wäre, sagt Stephan Velten, dann würde er nochmal in den Ring mit den Göttern steigen. Sich den Giganten stellen, jenen mythischen Wesen, die es gewagt haben, die olympischen Götter der Antike herauszufordern. Auf dem Pergamonaltar sind sie zu sehen, oder vielmehr: Sind sie gerade nicht zu sehen, wegen Renovierung.

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Neues Album von Tristan Brusch: „Am Anfang“ erzählt von Liebe, Schmerz und Tod

Thu, 23 Oct 2025 12:12:39 +0200

Neues Album von Tristan Brusch: „Am Anfang“ erzählt von Liebe, Schmerz und Tod

Bevor die Träume zu Blei werden: Der Berliner Musiker Tristan Brusch schließt seine „Am“-Trilogie ab und verfeinert seinen Chanson-Pop. Ein feines Herbstalbum.

Von Nadine Lange

Stand: 23.10.2025, 12:12 Uhr

Unwahrscheinlicher Indie-Hit – in diese Kategorie könnte man Tristan Bruschs Song „Baggersee“ vielleicht einsortieren. Gesungen aus der Sicht eines Krebspatienten, der aus dem Fenster schaut, feierte es zu Rappel-Schlagzeug, schnell geschlagener Akustikgitarre und hingetupfter Synthie-Harmonie die Erinnerung an einen romantischen Moment.

Die wehmütige, fast schlagereske Refrainmelodie betörte das Publikum: „Du und ich nackt am Baggersee“ war eine Zeile, die im Sommer 2023 viele Menschen im Berlin und Brandenburg im Ohr hatten. Woran der Sender Radio eins großen Anteil hatte, denn er spielte das Lied immer wieder. Prompt wählten es die Hörer*innen zum besten des Jahres und die Jury des Soundcheck Awards kürte das dazugehörige Album „Am Wahn“ ebenfalls zur Nummer eins des Jahres. In die deutschen Top Ten kam es deshalb noch lange nicht, aber immerhin ist „Baggersee“ bei Spotify bislang fast 900.000 Mal angeklickt worden.

Nun gibt es eine Art versteckte Fortsetzung, bei Taylor Swift würde man es vielleicht Easter Egg nennen: Der Song „Wasser und Licht“ von Tristan Bruschs neuem Album „Am Anfang“ spielt immer wieder auf den kleinen Hit an. Wieder steht die Zeit am Ufer und der Erzähler möchte nie mehr dorthin zurück. Auch wenn er jetzt nur ein Mal satt, vier Mal „nie“ singt und das Augenblicksglück etwas verhaltener beschwört, fließt doch eindeutig Baggerseewasser durch das Stück.

Wer die wunderbare „Am Wahn“-Platte mochte, wird mit der Nachfolgerin schnell warm werden. Tristan Brusch schließt an seine etablierte Mischung aus Chanson und Songwriter-Pop an und hat sie vor allem durch die Streicherarrangements von Friedrich Paravicini noch einmal verfeinert. Zusammen mit ihm, Produzenten Olaf Opal sowie Felix Weicht (Bass), Timon Schempp (Schlagzeug) hat der Berliner Musiker die zwölf neuen Lieder in nur vier Tagen aufgenommen, Overdubs und Gesänge waren nach zehn weiteren Tagen vollendet.

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Diese Schnelligkeit tut der Sorgfalt keinen Abbruch. Der 1988 in Gelsenkirchen geborene, in Tübingen aufgewachsene und seit langem im Berlin lebende Musiker weiß auf seinem vierten Album – zwischendurch hat er noch die Musik zur „Woyzeck“-Inszenierung von Ersan Mondtag am Berliner Ensemble geschrieben –, was er will und wie er es auf effiziente Weise erreicht. Häufig beginnt er die Songs allein, mit Klavierbegleitung oder Gitarren-Arpeggios, stellt schon mal die Refrainzeilen vor, holt dann nach weitere Instrumente dazu und begibt sich auf eine sanfte Reiseflughöhe.

Beim Eröffnungsstück „Grundsolider Schläger“ zieht er das Wort „Obendrein“ in den Himmel, den er gegen Ende fast so leidenschaftlich aufreißt wie Chris Isaak in „Wicked Game“. Dass Brusch ein Adverb als Attraktion einsetzt, zeigt seinen oft ungewöhnlichen Umgang mit Sprache. Hier zeichnet er das mit wenigen Strichen auskommende Porträt eines Freunds, den er zu Beginn selbst zu Wort kommen lässt: „Mach Dir um mich bloß keine Sorgen, Tristan/ Ich bin an vielen Wochentagen nüchtern/ Bin auch Steuerzahler und ein grundsolider Schläger/ Obendrein“.

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Das Album nähere sich der Frage, warum er so geworden sei, wie er ist, hat Brusch kürzlich im Tagesspiegel-Gespräch gesagt. „Warum bin ich so bekloppt? Wo hat das seinen Ursprung?“ Erst habe er gedacht, dass es ein Coming-of-Age-Album werde, aber dann sei mir bewusst geworden, dass es vor allem um Verlust gehe, „Verlust der Jugend, Verlust von Liebe, Verlust der Unschuld.“

Die Stücke „Vierzehn“ und „Heiliges Land“ haben den deutlichsten Jugend-Bezug, wobei „Vierzehn“ mit seinem krautrockigen Puls und den warmen Synthieflächen der unmittelbar eingängigste Song der Platte ist. Wie Brusch hier im Refrain von hundert Jahren Leichtigkeit zu tausend eingerissenen Zäunen kommt, die sich auf Träume reimen, die später zu Blei werden, ist ebenso atemberaubend wie die Schlaglichter, die „Heiliges Land“ auf eine Teenie-Zeit der Ahnungslosigkeit wirft, für die galt: „Doch im Unterschied zu heute / Hat uns alles was bedeutet“.

Dass Brusch mit den Zeilen „Ja, Musik hat mir so viel bedeutet / Im Unterschied“ schließt, bevor er sich pfeifend aus dem Song verabschiedet, ist ein kleiner Schocker, klingt „Am Anfang“ nun wahrlich nicht wie das Werk eines Menschen, dem Musik nichts bedeutet. Im Gegenteil: Sehr häufig meint man, jemandem zuzuhören, der einen unverstellten, tiefen Ausdruck sucht. Wobei er das Risiko, gefährlich nah an ein Udo-Jürgens-artiges Jubilieren heranzugeraten („Am Ende“) ebenso wenig scheut wie latent kitschverdächtige Schlichtheiten in „Geboren um zu sterben.“

Als Geliebten kann sich Tristan Brusch in seinen Songs nicht empfehlen. Blumen bringt er trotzdem mal mit.

Dafür gelingt ihm dann mit „Die lange Nacht“ aber eine Klavierballade, die in ihrer ergreifenden Schönheit Erinnerungen an „Halt dich an deiner Liebe fest“ von Ton Steine Scherben wachruft. „Hat die lange Nacht erst angefangen/ Zünde die Liebe wieder an/ Sie leuchtet den Weg“ – das unpeinlich zu singen, ist schon eine Leistung und im Schlussdrittel obendrein (!) per Backgroundchor zum Einstimmen aufzufordern, verblüfft erst recht.

Ansonsten ist die Liebe auf „Am Anfang“ wie beim Vorgängeralbum oft ein schwieriges Thema. Exemplarisch spiegelt das „Danke, dass du nicht aufhörst mich zu lieben“, in dem das lyrische Ich zu einer lieblich perlenden Melodie ein schonungsloses Bild von sich als Wortverdreher und Rasiermesserklingensprecher zeichnet. „Ich kann nicht aufhören, dir wehzutun“ lautet das Fazit, das Brusch zusammen mit einem festhängenden Klaviermotiv in die unaufgelöste Wiederholungsschleife schickt. Niederschmetternd. Und ein weiterer Bogen zu „Am Wahn“, dessen Auftaktstück „Wahnsinn mich zu lieben“ ebenfalls davon handelte, wie es jemand seinem Gegenüber unfassbar schwer macht, ihn zu lieben.

Tristan Brusch beim Hadern darüber zuzuhören, zählt jedenfalls zu den feinsten Herbstmusiken, die es derzeit auf Deutsch gibt. Ein würdiger Abschluss für seine „Am“-Trilogie ist es sowieso. Bleibt zu hoffen, dass sich bald ähnlich inspirierende Präpositionen finden – oder gar Adverbien.

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Tristan Brusch, Bar Italia, Makaya McCraven, The Lemonheads: Die Alben der Woche im Soundcheck

Thu, 23 Oct 2025 11:44:32 +0200

Tristan Brusch, Bar Italia, Makaya McCraven, The Lemonheads: Die Alben der Woche im Soundcheck

Neo-Düsterromantik, Nineties-Nostalgie und alles andere als Italo Disco: Das sind die Alben der Woche.

Eine Kolumne von

Tobi Müller
Torsten Groß
Ilona Hartmann
Thomas Wochnik

Stand: 23.10.2025, 11:44 Uhr

Tristan Brusch: Am Anfang (Wasser & Licht)
Die Entwicklung, die Tristan Brusch in den vergangenen vier Jahren genommen hat, ist ganz und gar außerordentlich. Nach den Alben „Am Rest“ und „Am Wahn“ – zwischendurch erschien noch seine „Woyzeck“-Interpretation – schließt der Künstler nun mit „Am Anfang“ eine Werk-Trilogie ab, welcher der deutsche Pop einige der nachtschwärmerischsten, düsterromantischsten, vor allem aber der wahrhaftigsten Meditationen über die Liebe und das Sein überhaupt verdankt. So auch jetzt: „Tristan und Elise“, „Danke, dass du nicht aufhörst mich zu lieben“, „Geboren um zu sterben“ – Lieder für die Ewigkeit, schon wieder. Torsten Groß, Moderator

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Bar Italia: Some Like It Hot (Matador)
Geständnis: Lange habe ich Bar Italia ignoriert, weil ich dahinter Italo Disco befürchtete. Glücklicherweise stellten sie sich als Post-Punk-Trio aus London heraus, das Debüt war sensationell präzise und verpennt. Dann Labelwechsel, alles tighter, poppiger, bigger, man kennt’s. Album Nummer fünf nun, „Some Like it Hot“, ist grundsolider Major-Indie, nur hot irgendwie nicht mehr. Aber eine in der Mitte angekommene gute Band ist besser als eine schlechte ganz oben, und definitiv besser als Italo Disco. Ilona Hartmann, freie Autorin und Texterin

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Makaya McCraven: Off the Record (International Anthem/XL)
Er ist der Schlagzeuger, der von Chicago aus Hip-Hop aus dem Geist der Improvisation und des Jazz heraus erneuert hat. Oder war es umgekehrt? Auch auf diesen vier Kurzalben, digital zu einem gefasst, zeigt McCraven seine bewährte Zauberkunst: mit Musikern bei Konzerten lockere Muster zu improvisieren, die er im Studio streng schneidet. Wir hören Material und Ergebnisse aus zehn Jahren, und es ist tröstlich zu merken, dass die neuesten Sachen nicht nur hübsch grooven, sondern auch freier, wilder und lebendiger geworden sind. Es wird nicht alles schlechter im Alter, gerade im Jazz! Tobi Müller, freier Kulturjournalist

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The Lemonheads: Love Chant (Fire)
Live lässt der dank exzessivem Lebenswandel vorgealterte Lemonheads-Frontmann Evan Dando schon mal das Publikum singen, wo er es selbst nicht mehr hinbekommt – dass das dank der textsicheren Fanbase kein Problem darstellt, spricht Bände über den Status dieser Band. Auf dem neuen und seit 2006 ersten Album mit genuin eigenen Songs sind solche handwerklichen Schwächen nicht zu hören. Ob diese Flaschenpost von der freundlichen Seite des Grunge zu mehr als glückseliger Neunziger-Nostalgie taugt, werden wir noch sehen. Dando-Ultras werden es sowieso lieben. Thomas Wochnik, Tagesspiegel

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Soundcheck

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Zweite Staffel von „Nobody Wants This“: Bleiben der „Hot Rabbi“ und die Sex-Podcasterin zusammen?

Wed, 22 Oct 2025 17:23:43 +0200

Zweite Staffel von „Nobody Wants This“: Bleiben der „Hot Rabbi“ und die Sex-Podcasterin zusammen?

Die unmögliche Liebe zwischen einem Rabbi und einer Sex-Podcasterin eroberte im vergangenen Jahr die Streamingwelt. Nun wird die Netflix-Serie „Nobody Wants This“ endlich fortgesetzt.

Von Markus Ehrenberg

Stand: 24.10.2025, 11:00 Uhr

Kann aus einem Rabbi oder gar Oberrabbi und einer Sex-Podcasterin ein ganz normales Paar werden? Diese Culture-Clash-Frage bewegte im vergangenen Jahr die Streamingwelt und wurde auch in der zehnten Folge des RomCom-Erfolgs „Nobody Wants This“ nicht wirklich beantwortet. Seit Donnerstag läuft nun bei Netflix die zweite Staffel.

Zur Erinnerung für alle, die die Serie noch nicht gesehen haben: Der charmante Rabbiner Noah (Adam Brody) lernte die agnostische Podcasterin Joanne (Kristen Bell) kennen, die mit ihrer Schwester Morgan (Justine Lupe) einen Podcast rund um Liebe und Sex betreibt.

Joanne und Noah verlieben sich, was beider gewohntes Leben auf den Kopf stellt. Noahs Mutter sabotiert diese Beziehung zu einer „Schickse“. Eigentlich sollte Noah die Jüdin Rebecca heiraten, nicht eine Sex-Podcasterin, deren Schwester Morgan zu allem Unbill auch noch mit Noahs Schwager Sasha flirtet. Dessen Frau Esther nennt Morgan: „Hure Nr. 2“.

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Uff, Huren und Rabbis. Staffel eins hatte fast alle Steine für diese, so Joanne, „interreligiöse“ Beziehung aus dem Weg geräumt, bis auf die Frage, ob Joanne nicht konvertieren muss, wenn denn Noah sein ehrgeiziges Ziel, Oberrabbi zu werden, vor Augen hat. Oder würde Noah seine Karriere seinem Glück opfern?

Die Herausforderung dieser Beziehung ist nun nicht mehr länger, sich entgegen aller Widerstände zu verlieben, sondern trotz aller Widrigkeiten zusammenzubleiben. Diese Frage scheint sich, ohne zu viel zu verraten, gleich mit den ersten neuen Folgen zu klären, wo Noah bei der Wahl des Oberrabbis übergangen wird – eben wegen der „Schickse“ an seiner Seite.

„Nobody Wants This“ greift voll rein in diesen Culture Clash. Es bleibt genug Stoff für die Comedyautoren, zudem ist Serienschöpferin Erin Foster, deren Lebensgeschichte das Format inspiriert hat, als ausführende Produzentin weiter im Team.

Das richtige Verhalten bei Dinnerpartys, Valentinstagen oder Schabbatfeiern – Staffel zwei beleuchtet all die Komplikationen einer religionsübergreifenden Beziehung, über zehn Folgen vorangetrieben von der ständig aufgeschobenen Frage aller Fragen: Ob sich die Welt eines Oberrabbis nicht doch mit der einer zynischen Sex-Podcasterin vereinbaren lässt, die Bilderbuch-Romanze auch wirklich von Dauer sein kann.

Die Serie überspringt dabei wieder alle Hürden der Stolperfallen RomCom oder jüdische Klischees mit großer Leichtigkeit, auch wenn der Versuch, der „normalen“ Beziehung von Sasha und Esther in Staffel zwei mehr Gewicht zu geben, ein bisschen aufgesetzt-schrullig rüberkommt.

Adam Brody und Kristen Bell alleine reichen da schon. Am Ende will man doch nur wissen, ob Noah seiner Joanne weiter so hochromantische Geschenke machen darf wie einen passenden Nachttisch.

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Biopic „Deliver Me From Nowhere“: Als Bruce Springsteen zum Boss wurde

Wed, 22 Oct 2025 17:14:53 +0200

Biopic „Deliver Me From Nowhere“: Als Bruce Springsteen zum Boss wurde

Das Biopic „Deliver Me From Nowhere“ erzählt die Entstehungsgeschichte des Springsteen-Albums „Nebraska“. Und wie der Sänger seine Dämonen besiegte. Regisseur Scott Cooper macht viel richtig.

Von Andreas Busche

Stand: 23.10.2025, 06:57 Uhr

Es ist ein Dilemma, vor dem selbst der größte Rockstar nicht gefeit ist. Anfang der 1980er Jahre galt Bruce Spingsteen als die granitraue Stimme des Volkes: der Automechaniker und Trucker, der hart arbeitenden, ehrlichen (überwiegend männlichen) Amerikaner. Aber seine eigene Stimme hatte er noch nicht gefunden.

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Queens Of The Stone Age sagen Konzert in Berlin ab: Show im Theater des Westens gecancelt, Fans ratlos

Thu, 23 Oct 2025 06:14:57 +0200

Queens Of The Stone Age sagen Konzert in Berlin ab: Show im Theater des Westens gecancelt, Fans ratlos

Nur 24 Stunden vor der besonderen Show sagt die US-Band ihren Auftritt ab. Neben Enttäuschung regt sich auch Ärger unter Fans.

Von Silvia Silko

Stand: 23.10.2025, 06:14 Uhr

Besonderes Konzert an einem besonderen Ort: Im Theater des Westens wollte die US-Rockband am 23. Oktober ihre „The Catacombs“ Show präsentieren. Vor wenigen Stunden ließen Queens Of The Stone Age via Instagram verlauten, dass das Konzert abgesagt werden musste.

„Wir sind wütend, frustriert, und geschockt“, schreibt die Band auf ihrem Account. Der Grund? Laut Frontmann Josh Homme und Co.: die Organisatoren! Diese hätten es versäumt, der Band mitzuteilen, dass es dem Theater des Westens unmöglich sei, die „The Catacombs“ Show so zur Aufführung zu bringen, wie sie vorgesehen war.

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Der Vorwurf gegen den Veranstaltungsort verwundert: Bands wie Sampha, Air, Calexico oder Bastille haben in den letzten Jahren problemlos gefeierte Konzerte im Theater des Westens gespielt. Warum der Veranstaltungsort nun für die Queens Of The Stone Age unpassend sei und was genau das Problem ist, wird nicht kommuniziert. Veranstaltungs-Agentur Trinity spricht in ihrem Instagram-Statement wiederum von „produktionstechnischen Gründen“.

Kurzfristige Absage, wütende Fans

Eine derartig kurzfristige Absage schürt Unmut bei den Fans: Diese äußern zahlreich ihren Frust unter dem Instagram-Beitrag. Man sei bereits auf dem Weg aus den Niederlanden und habe viel Geld für Tickets, Anreise und Übernachtung ausgegeben, schreibt eine Userin. Ein anderer ärgert sich über die Tatsache, dass er seine Tickets auf Kleinanzeigen gekauft hat, und nun für keine Erstattung des Ticketpreises infrage kommt. Alle anderen können ihre Tickets bei den entsprechenden Vorverkaufsstellen zurückgeben, heißt es via Instagram.

Es regt sich allerdings auch deutliche Kritik an der Band: „Warum spielt ihr nicht einfach? Dann ist die Show eben nicht so, wie ihr sie geplant habt. Eure Fans wollen euch einfach nur spielen sehen“, kommentiert ein User.

Das Konzert sollte nach bedeutsamem Vorbild stattfinden: Nach einem einmaligen Akustikset in den Katakomben von Paris im Juli 2024 und inmitten ihrer „The End Is Nero“-Tour, die wiederum ihr 2023 erschienenes, achtes Album „In Times New Roman“ flankierte, unterzog sich Homme einer Not-OP. Mutmaßlich ein Nachspiel seiner überstanden geglaubten Krebs-Erkrankung. Ein Ende schien nicht nur im Tourtitel nah: Alle folgenden Termine wurden gestrichen. Das damals von der Absage betroffene Konzert am 16. Juli 2024 in der Zitadelle Spandau wurde nachgeholt.

Die Karten für das heutige Konzert waren heiß begehrt und sofort ausverkauft. Einen Nachholtermin für die Absage wurde nicht in Aussicht gestellt.

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Neuer Comic „Asterix in Lusitanien“: Zwei Gallier kosten Kabeljau

Wed, 22 Oct 2025 14:36:25 +0200

Neuer Comic „Asterix in Lusitanien“: Zwei Gallier kosten Kabeljau

Asterix und Obelix retten einen portugiesischen Kleinunternehmer, hören traurige Lieder und bekämpfen fiese Verräter. „Asterix in Lusitanien“ ist eine liebevolle Fortsetzung der traditionsreichen Reihe.

Von Nadine Lange

Stand: 23.10.2025, 05:00 Uhr

Obst genießen die Römer jetzt auch außerhalb der Saison, weil findige Unternehmer es auf Schiffen in alle Winkel des großen Reiches transportieren. Asterix lässt sich das an Bord eines solchen Transporters erklären und fragt den Chef: „Ist das Hin und Her nicht Energieverschwendung?“ Einer der an den Rudern der Galeere schwitzenden Sklaven ruft: „Kann ich bestätigen!“ Doch der Handelsschiffer führt aus, dass Rom es eben so will. „Man muss mit der Zeit gehen.“

Die Zeit, in der auch das 41. Abenteuer der Gallier mit dem Titel „Asterix in Lusitanien“ wieder spielt, ist das Jahr 50 vor Christus. Der Kapitalismus globalisiert sich und so auch der Markt für Garum, ein bei den Römern beliebter Sud aus vergorenem Fisch.

Oligarch Croesus vertreibt die portugiesische Spezialität unter dem Namen Garum Lupus und versucht, seine Stellung zu monopolisieren. Dabei schreckt er auch nicht vor einer Intrige zurück, die den konkurrierenden Kleinproduzenten Schãoprozes ins Gefängnis nach Olisipo alias Lissabon gebracht hat.

Obelix fremdelt zunächst etwas mit den Menschen aus Lustianien, passt sich dann aber erstaunlich gut an ihre Sitten an.

Um ihn zu befreien und seinen Ruf wiederherzustellen, holt sein bester Freund Schnurres sich Hilfe bei den Galliern, deren Stärke er einst als versklavter Arbeiter auf einer Baustelle erlebte. Es war im Band „Die Trabantenstadt“ von 1971, in dem dieser kleine Lusitanier erstmals auftrat. Dass Zeichner Didier Conrad und Texter Fabrice Caro (Künstlername: Fabcaro) ihm nun eine neue, größere Rolle geben, passt zum traditionsbewussten Stil ihrer feinen Fortsetzung der 1959 von Albert Uderzo und René Goscinny geschaffenen Reihe.

Die Erben präsentieren mit dem am Freitag weltweit in eine Auflage von fünf Millionen Exemplaren (Deutschland: 1,8 Millionen) erscheinenden Album ein klassisches Reiseabenteuer von Asterix und Obelix, die zuvor schon in zwei Dutzend teils so fernen Ländern wie Ägypten, Indien, der Schweiz oder Griechenland unterwegs waren.

Lusitanien alias Portugal zeichnet das Autoren-Team in warmen Farben und mit liebevoll übertriebener Klischees. So tragen fast alle Männer imposante schwarze Schnurrbärte, es wird ständig Kabeljau beziehungsweise Kabeljão serviert und die berühmte Saudade, eine Art melancholische Sehnsucht, zeigt sich in nahezu jedem Dialogsatz – und natürlich in den supertraurigen Fado-Liedern.

Asterix, Obelix und Idefix lassen sich auf einem Handelsschiff nach Lusitanien mitnehmen.

Obelix ist erst irritiert von den Landessitten, passt sich dann aber erstaunlich gut an – und sogar Idefix lernt das lokale Idiom: „Wão!“ bellt er einmal freudig. Asterix gibt wie immer den smarten Kopf des Duos, wobei er aber angenehm wenig auftrumpfend agiert.

Die Gegenwartsbezüge sind eine der Stärken des Bandes von Conrad und Fabcaro, die nach dem Vorgängeralbum „Die weiße Iris“ von 2023 zum zweiten Mal zusammen einen Asterix-Band verantworten. Tolle Szene beispielsweise: Am Empfang der Großkonzernzentrale werden die Gallier aufgefordert, ein Benutzerkonto einzurichten und ein Passwort zu vergeben. „Feldflasche“, gibt Asterix an. Als er zu hören bekommt, dass er eine Zahl hinzufügen muss, antwortet er „Feldflasche XVI“. Doch dann fehlt ein Sonderzeichen!

Rückblick in die regionale Geschichte: Viriato war ursprünglich Hirte, wurde dann zum Kriegshelden und ist das lusitanische Pendant zum gallischen Vercingetorix.

Auch die in Frankreich mit großer Härte geführte Debatte um das Renteneintrittsalter bauen Conrad und Fabcaro in ihren unterhaltsamen Asterix-Comic ein, in dem ein gallisches Rentnerpaar eine prominente Nebenrolle spielt. Die beiden sind mit ihrem Luxus-Wohnmobil als Touris in Lusitanien unterwegs, schließlich habe man mit 75 den Ruhestand verdient. „Aber diese soziale Errungenschaft will uns Rom ja wieder nehmen“, wettern sie.

Asterix und Obelix verstehen zwar nicht, was damit gemeint ist, spannen die beiden dann aber gern als Aktivrentner in ihre Rettungsmission ein. Das rüstige Paar dürfte beim mitgealterten Kernpublikum des Comics gut ankommen. Und sicher verkraftet dieses auch, dass die bekannte Figur des afrikanischen Piraten auf der Aussichtsplattform diesmal ohne Sprachfehler auskommt. Nicht alle Traditionen müssen fortgeführt werden.

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Sammlung Pietzsch in der Neuen Nationalgalerie: Wie der Surrealismus in New York gelandet ist

Wed, 22 Oct 2025 22:24:54 +0200

Sammlung Pietzsch in der Neuen Nationalgalerie: Wie der Surrealismus in New York gelandet ist

Eine spannende Ausstellung zeichnet die Provenienzen der Surrealismus-Sammlung von Ulla und Heiner Pietzsch nach. Und zeigt Netzwerke auf.

Von Wolfgang Asholt

Stand: 22.10.2025, 22:24 Uhr

Auch wenn das für den Surrealismus programmatische Miró-Gemälde „Der Pfeil durchstößt den Rauch“ auf Cover und Plakat herausgestellt wird, heißt die neue Ausstellung in der Neuen Nationalgalerie zu Recht: „Max Ernst bis Dorothea Tanning“. Doch die beiden Untertitel, „Netzwerke des Surrealismus“ und „Provenienzen der Sammlung Ulla und Heiner Pietzsch“ spiegeln den innovativen Charakter der Schau womöglich ebenso gut.

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Die wichtigsten Kino-Filme der Woche: Springsteen, kitschige RomComs und die Mafia

Wed, 22 Oct 2025 17:31:54 +0200

Die wichtigsten Kino-Filme der Woche: Springsteen, kitschige RomComs und die Mafia

Auf der Leinwand wird es diese Woche musikalisch: Jeremy Allan White gibt den „Boss“. Was sonst noch anläuft, erfahren Sie hier.

Von Ticket Redaktion

Stand: 22.10.2025, 17:31 Uhr

Es soll kalt werden am Wochenende. Gehen Sie doch mal wieder ins Kino. Was Sie dort erwartet, haben wir für Sie zusammengeschrieben.

1 Springsteen: Deliver Me From Nowhere

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Im Heartland zwischen Ohio und Nebraska schlägt das Herz Amerikas. Aber es ist auch ein dunkler Ort, an dem die Dämonen der Vergangenheit hausen. Bruce Springsteen, obwohl im schnöden New Jersey an der Ostküste geboren, ist der Dichter und Rocker dieser erdigen Americana-Tradition, die Stimme des Volkes. The Boss. Aber der größte amerikanische Rockstar konnte er erst werden, nachdem er sich Anfang der 1980er Jahre die Geister, die ihn heimsuchten, von der Seele geschrieben und gesungen hatte.

„Deliver Me From Nowhere“ erzählt die Entstehungsgeschichte von „Nebraska“, des untypischsten aller Springsteen-Alben, auf dem er den kernigen Arena-Sound des Vorgängers bis auf die Knochen reduzierte: nur Stimme, Gitarre und Rauschen. Die These von Regisseur Scott Cooper geht dahin, dass Springsteen erst diese Songs, die mit dem Ort seiner Kindheit zu tun haben, aus dem System kriegen musste, um „Born in the USA“ zu schreiben – und zum Weltstar zu werden.

„Deliver Me From Nowhere“ macht im Grunde etwas Ähnliches wie Bruce Springsteen vor über 40 Jahren mit „Nebraska“: Er entkernt einen Mythos. Dabei geht es Cooper nie um das Klischee der gequälten Künstlerseele. Der Film handelt von einem Menschen, der seine Stimme finden muss, als er längst zum Sprecher einer ganzen Generation erklärt worden ist. (Andreas Busche)

2 All das Ungesagte zwischen uns – Regretting You

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Erst 17 war Morgan (Allison Williams), als sie schwanger wurde und ihre eher lauwarme Jugendliebe Chris (Scott Eastwood) heiratete. Nun wird ihre Tochter Clara (Mckenna Grace) 17, und Morgan blickt auf ein Leben als Hausfrau und Helikoptermutter zurück, das wenig Raum für Träume ließ.

Als Chris mit Morgans Schwester Jenny (Willa Fitzgerald) bei einem Autounfall umkommt, stellt sich heraus, dass die beiden seit Jahren eine Affäre hatten. Dann steht auch noch Schwager Jonah (Dave Franco) mit dem Baby vor der Tür, dessen Vater er möglicherweise nicht ist, während Claire mit ihrem Mitschüler Miller (Mason Thames) ihre erste Liebe erlebt.

Josh Boone verhandelt nach dem Bestsellerroman von Colleen Hoover große Gefühle in einem hochdramatischen, weitgehend vorhersehbaren Plot. Das Ganze könnte als wohlige Kitschorgie im Nicolas-Sparks-Format oder beherzte Telenovela enden, aber dafür fehlt es der Inszenierung und den Schauspielern an Elan.

Die tragischen Wendungen und Gefühlsausbrüche wirken wie laminierte Emotionen, die vor der Kamera eher ausgestellt als ausgelebt werden. (Martin Schwickert)

3 Franz K.

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Franz lacht. Auch seine Zuhörer amüsieren sich, als Kafka aus seinem halbfertigen „Prozess“ vorliest. Die Szene soll sich wirklich im „Prager Kreis“ ereignet haben. Heute wissen wir, dass es schlecht für K. ausgeht.

Aber Literaturwissenschaftler Reiner Stach hat recht: „Denn furchtbar ist das Ganze, aber komisch sind die Details“. Der fröhliche Franz, seine Lust am Grotesken, Kafkas Selbstzweifel, Zwanghaftigkeit, sein Geiz, seine Angst vor Nähe: Der Mann aus Prag ist schwer zu fassen, zumal Agnieszka Holland den Bogen über vier Lebensjahrzehnte bis zum Tod schlägt.

Immerhin ist Hauptdarsteller Idan Weiss Kafka wie aus dem Gesicht geschnitten und verkörpert den Unruhegeist eindringlich. Leider verzichtet Holland aufs Erzählen und belässt es bei einer anspielungsreichen, bestürzend erkenntnisarmen Collage. Auf Sequenzen, die Sinnzusammenhänge herstellen, wartet man vergeblich.

„Franz K.“ ist ein Spiel mit Biografie, Rezeption und Kuriosa, bei der die Hauptfigur ins Hintertreffen gerät. Franz wird uns egal. Im Schnelldurchlauf ist Kafka nicht zu haben, das müsste Agnieszka Holland wissen. (Jens Hinrichsen)

4 Das Verschwinden des Josef Mengele

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Josef Mengele (August Diehl) bricht in Tränen aus, als sein Sohn Rolf (Maximilian Meyer-Bretschneider) ihn mit der Vergangenheit konfrontiert. Aber es sind keine reumütigen Tränen, der „Todesengel“ von Auschwitz sieht in der jungen Bundesrepublik bloß nicht sein Lebenswerk gewürdigt.

Und Diehl legt sich gewaltig ins Zeug: Je tiefer Mengele sich im Leid seines Schicksals suhlt, desto rumpelstilzchenhafter wirkt seine Performance. Der russische Regisseur Kirill Serebrennikov hat „Das Verschwinden des Josef Mengele“ von Olivier Guez verfilmt, der einen distanziert-sarkastischen Blick auf die letzten 30 Lebensjahre seines Protagonisten wirft.

Mengele muss aus der südamerikanischen Pampa mitansehen, wie die Bundesrepublik das ruhmreiche NS-Erbe zu ignorieren lernt. Aber Serebrennikow findet keinen Zugriff auf die historische Figur, Mengele erweist sich zunehmend als kleinkarierte und läppische Gestalt. Und als Psychogramm bleibt der Film zu sehr auf die Schauwerte (und seinen Hauptdarsteller) reduziert. Gipfel der Geschmacklosigkeit ist ein „Homevideo“ aus Auschwitz. Am Ende gibt es an Josef Mengele einfach nichts zu erklären. (Andreas Busche)

5 Kingdom – Die Zeit, die zählt

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Der Schweiß tropft Lesia von der Stirn, entschlossen zückt sie das Messer – und weidet das Wildschwein aus, das sie gerade erlegt hat. Die 15-jährige Korsin erlebt ihre Sommerferien 1995 zwischen Familientraditionen, Strand und Disko und genießt ihre erste Verliebtheit.

Damit ist es von einem auf den anderen Tag vorbei, als mit einem Bombenanschlag eine Botschaft an Lesias Vater gesendet wird, einen Mafia-Boss. Der Clan ist alarmiert und verkriecht sich in einer Villa. Lesia ist gefrustet, doch schließlich genießt sie die kostbare Zeit, die sie mit ihrem Vater verbringen kann, und, dass sie mehr und mehr ins Vertrauen gezogen wird.

Möglicherweise ist die Zeit zu Ende, als Mafia-Frauen nur Waisen und trauernde Witwen waren? Aber Polizei und rivalisierende Clans treiben Lesia und ihren Vater vor sich her, bis sie zu zweit auf einem Campingplatz landen. Es ist klar, dass diese privaten, glücklichen Tage blutig enden werden.

Regisseur Julien Colonna zeichnet mithilfe seines sensationellen Laien-Casts ein unsentimentales Bild von Menschen, die sich durch Stolz und unbarmherzige Traditionen knechten lassen. (Ingolf Patz)

6 Danke für nichts

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Meist hat man nach, sagen wir, einer Viertelstunde ja ein Gefühl für einen Film, Schrott oder Gold. Diese schräge Story, bei der man nie weiß, was ernst gemeint ist, wanzt sich dagegen ganz langsam ins Herz.

Es geht um vier junge Frauen, kratzbürstig, sweet und nervig, die in Prenzlauer Berg als eine Art WG zusammenwohnen. Sie haben sich in dem Altbau wie in Nimmerland eingerichtet, und versuchen gar nicht erst, die Regeln der Erwachsenenwelt zu befolgen.

„Ich bin ein Loser, so wie alle hier“, sagt Ricky mal. Die ist von Abschiebung bedroht. Vicky hat reiche und durchgeknallte Eltern plus eigene Panikattacken, Malou spricht nicht. Und dann gibt es noch Katharina, die durch ihre Suizidversuche das Zentrum bildet, weil man sie ständig im Auge behalten muss.

Das Quartett wird von einem schmierigen Sozialarbeiter wenig professionell betreut. Man schwimmt mit ihnen durch einen Alltag aus Therapieterminen, Abwasch, Partys und endlosen Gesprächen, mehr und mehr bezaubert von diesem Lebensentwurf, in dem junge Menschen in einer krisenhaften Welt auf Freundschaft statt auf ETFs setzen.

Und hofft, dass es für durchtherapierte Kids, die von der Erwachsenenwelt nichts mehr erwarten, auch im echten Leben solche Freundinnen gibt. (Antje Scherer)

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Alles original, nichts fake in der Akademie der Künste: Die Faszination des Echten

Wed, 22 Oct 2025 16:03:47 +0200

Alles original, nichts fake in der Akademie der Künste: Die Faszination des Echten

Die Akademie der Künste zeigt in der Ausstellung „Out of the Box“ Paradestücke aus ihrem einzigartigen Archiv, das seit 75 Jahren wächst. Vom Nachlass Bertolt Brechts über den von Günter Grass und Anna Seghers bis zu Elke Erb.

Von Gunda Bartels

Stand: 22.10.2025, 16:03 Uhr

Bandsalat. Ein Wort, das eigentlich auch ins Archiv gehört. Im Zeitalter digitaler Audiodateien gibt es ihn nicht mehr, den Supergau der Tonbandverhedderung, der in 80er Jahren noch liebevoll selbst aufgenommene Musikkassetten zerstörte.

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August Diehl als Josef Mengele: Indiskrete Einblicke in eine deutsche Seele

Mon, 20 Oct 2025 15:44:48 +0200

August Diehl als Josef Mengele: Indiskrete Einblicke in eine deutsche Seele

Kirill Serebrennikow hat „Das Verschwinden des Josef Mengele“ verfilmt. Aber für das Psychogramm eines Monsters bleibt das Schwarz-Weiß-Drama zu oberflächlich. Das liegt auch an August Diehls Spiel.

Von Andreas Busche

Stand: 22.10.2025, 15:39 Uhr

Papa, was hast du mit den Juden gemacht? So kann man das natürlich auch fragen, ganz auf der persönlichen Ebene des enttäuschten Sohnes. Rolf Mengele, gespielt von Max Bretschneider, hat sich auf eine weite Reise begeben, um ein Familiengeheimnis zu lüften, über das im heimischen Günzburg niemand spricht. In der Bundesrepublik, zwölf Jahre nach den Auschwitz-Prozessen und auf dem Höhepunkt der RAF-Panik, übrigens auch nicht.

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Arbeit an den Eckpunkten: Kulturstaatsminister Weimer und seine Digitalabgabe

Wed, 22 Oct 2025 15:26:04 +0200

Arbeit an den Eckpunkten: Kulturstaatsminister Weimer und seine Digitalabgabe

Kulturstaatsminister Wolfram Weimer scheint seine Besteuerung der Tech-Konzerne energisch voranzutreiben. Aber ist eine Regelung für 2026 realistisch?

Ein Kommentar von Gerrit Bartels

Stand: 22.10.2025, 15:26 Uhr

Man kann Wolfram Weimer ziemlich viel vorwerfen oder entgegenhalten, eins aber sicher nicht: dass er sich rar macht, nur hinter verschlossenen Türen amtiert, medial unterrepräsentiert ist. Tag für Tag versendet sein Team Neues vom BKM, dem Bundesbeauftragten für Kultur und Medien, wie Weimers offizieller Titel lautet, und wenn es nur der Besuch von Sachsens Ministerpräsident Michael Kretschmer im Bundeskanzleramt ist („Signal aus dem Osten“).

Im Moment dürfte sich der Kulturstaatsminister zwar mit Vorwürfen herumschlagen, mit dem zu seiner Weimer Media Group gehörenden Debattenmagazin „The European“ das Urheberrecht verletzt zu haben. Aber dazu schweigt er sich aus. Stattdessen hat er am Dienstag lieber die Medientage München eröffnet und seine Tage zuvor schon echostark auf der Frankfurter Buchmesse geäußerte Kritik an Google und Co erneuert.

Aber Weimer hat dabei erstmals seine Pläne skizziert, wie er die Tech-Konzerne dran bekommen und zu einer – ja durchaus begrüßenswerten – Digitalabgabe bewegen will. Von einem „Eckpunkte-Papier“, das er gleich im November in die parlamentarische Diskussion einbringen wolle, sprach er gegenüber dem Fernsehsender „ntv“ in einem langen Interview. Weimer glaubt schon an ein Gesetzgebungsverfahren Anfang des Jahres, und „dann könnten wir 2026 am Ziel sein“.

Klingt ganz vielversprechend. Doch „Eckpunkte“ sind eben nur das eine, da braucht es Stoff und Substanz und mehr als das vage dahin gesprochene „Ordnungsinstrument“, wie Weimer die geplante Abgabe nennt. Auch die vielen Konjunktive in seiner Rede sind verdächtig.

Hatte nicht im August seine Kabinettskollegin, Wirtschaftsministerin Katharina Reiche (CDU) angemerkt, dass man „nicht über mehr, sondern über weniger Handelshemmnisse sprechen“ solle? Wie viel Zustimmung Wolfram Weimer in der Regierungskoalition mit seinem Vorhaben hat, die US-Techgiganten zu besteuern, bleibt unklar. Klug reden ist das eine, wirklich etwas auf den Weg bringen das andere.

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Harte Zeiten für Ordnungsfanatiker: Das neue Album von Makaya McCraven

Wed, 22 Oct 2025 13:45:07 +0200

Harte Zeiten für Ordnungsfanatiker: Das neue Album von Makaya McCraven

Für seine letzte Platte hat er sieben Jahre lang die Musik der Afrodiaspora erforscht. 2022 erhielt Makaya McCraven dafür den Grammy. Kann der Nachfolger das Level halten?

Von Thomas Wochnik

Stand: 22.10.2025, 15:22 Uhr

Veröffentlichungen neuer Alben von Makaya McCraven dürften harte Zeiten für die Angestellten von Streamingdiensten bedeuten, wo doch alles schön nach Schubladen sortiert wird: Studioalben kommen zu den Studioalben, Live-Platten zu den Live-Platten. Und EPs kommen mit anderen EPs in die EP-Sammlung. Dass bloß nichts durcheinanderkommt!

Wenn also einer wie McCraven mit einem Doppelalbum – zwei CDs oder zwei LPS, im Stream 20 Tracks – ankommt, das durchweg aus Mitschnitten von Livekonzerten besteht, die aber anschließend im Studio zerschnitten, neu zusammengesetzt und um neue Stimmen erweitert wurden, und wenn dieses Album auch noch als eine Sammel-Veröffentlichung vierer zum Monatsende erscheinender Einzel-EPs aufgemacht wird, die auf dem Album vollumfänglich mitpubliziert werden, ja, wohin gehört das Ganze denn dann?

Makaya McCraven live im Hideout, Chicago, 2025

Zum Glück müssen wir solche Fragen an dieser Stelle nicht klären. Interessant ist das dennoch, weil sich in McCravens entspannter Ignoranz der gängigen Ordnungs- und Vermarktungsmaximen in gewisser Weise auch sein anarchischer Jazzbegriff widerspiegelt. Jazz, so McCraven in etwa, soll Ausdruck von offenen gemeinschaftlichen Prozessen sein – echte Menschen im selben Raum statt digitaler Virtualität.

Stücke ohne Anfang und Ende

Auf „Off The Record“ findet sich entsprechend kein einziger Jazzstandard à la „All The Things You Are“ – und, obwohl den einzelnen Tracks durchaus Titel zugeordnet sind, sind es im strengen Sinne noch nicht einmal Songs.

Makaya McCraven bei der Aufnahme zu Techno Logic

Stattdessen besteht das Doppelalbum streckenweise aus fließend ineinander übergehenden Nummern sowie aus Ausschnitten längerer Live-Improvisationen aus verschiedenen Jahren und in wechselnden Besetzungen, die klar erkennbar mittendrin anfangen und zum Ende hin lediglich ausgeblendet werden, ohne dass die Musiker zum Schlussakkord kämen.

Man ist also live dabei, bezeugt die Entstehung musikalischer Ideen aus dem Nichts, verfolgt ihre Entwicklung nach – und fühlt sich dabei, da die Basis ja einem Live-Konzert entstammt, irgendwie auch als Teil eines Publikums, das diese Musik mit vorwärtstreibenden Grooves und großen Spannungsbögen antreibt.

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Sieben Jahre lang hatte sich der 1983 in Paris geborene McCraven zur Arbeit am Vorgängeralbum, „In These Times“, nicht nur mit so ziemlich jeder Spielart des Jazz, sondern der afrodiasporischen Musik überhaupt auseinandergesetzt. 2022 erhielt er dafür den Grammy. Dieses Wissen ist auch „Off The Record“ anzuhören.

Einzigartige Stil-Melange

Nicht immer stehen die Stile dabei derart eindeutig im Vordergrund wie etwa der Hip-Hop im Stück „Boom Bapped“. Zumeist verschmelzen sie stattdessen zu einem neuen Ganzen, das, im Gegensatz zum eher kammermusikalisch tönenden „In These Times“, nun viel stärker nach der schweren Luft nachmitternächtlicher Gigs in verschiedenen Städten der Welt klingt – auch wenn die meisten Mitschnitte hier zu weit bürgerfreundlicheren Zeiten entstanden sein dürften.

Makaya McCraven, das Plattencover zur EP „Pop Up Shop“

So enthalten die Tracks der EP „Techno Logic“ Livemitschnitte mit dem Ausnahme-Kornettisten Ben LaMar Gay und dem Sons-of-Kemet-Tubisten Theon Cross aus Clubs in London, Berlin und New York. Die „The People’s Mixtape“ EP speist sich aus einer Liveaufnahme im New Yorker Club „Public Record“ im Januar 2025, „Hidden Out!“ aus einem Mitschnitt vom Juni 2017 im Chicagoer „Hideout“. Und „Pop Up Shop“ schließlich bedient sich an einer schon zehn Jahre alten Aufnahme aus dem Del Monte Speakeasy in Los Angeles – das Alter merkt man ihr im Übrigen nicht an.

Damit führt „Off The Record“ nicht nur durch verschiedene Schaffensphasen und Besetzungen, sondern vor allem durch vier sehr unterschiedliche Klangwelten zwischen Fusion, Hip-Hop und von Synthesizern gesättigtem, krautrockigem Elektro-Beat-Soundscape.

Echt, nicht authentisch

Hier und da ist auf „Off The Record“ das Publikum zu hören, dann Verspieler, wie die des Avant-Gitarristen Jeff Parker, die auf seinem Instrument im Solobetrieb eben besonders gnadenlos in den Vordergrund rücken, während ein unkontrolliert in die Oktave ausbrechendes Saxofon im Kontext freier Improvisation so gut wie immer wie ein beabsichtigtes Stilmittel anmutet.

Die Fehler machen die Musik per se weder schlechter noch besser. Sie schaffen aber Intimität, Nahbarkeit, eine Form der Verletzlichkeit, die man in hochglanzpolierten Produktionen höchstens in Form von theatral inszenierten Lyrics zu Gehör bekommt.

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Auf „Off The Record“ wirkt dagegen nichts theatral inszeniert. Das Scheitern einer in die Saiten greifenden Hand ist nicht bemüht authentisch, sondern echt, wie die Spontaneität der Musikschaffenden, die den Augenblick ad hoc zum Klingen bringen.

Gleichzeitig hätte McCraven, der die Aufnahmen ja sowieso zerlegt und neu zusammengesetzt hat, solche Passagen auch einfach herausschneiden können. So gesehen ist das Live-Feeling dann doch auch irgendwie Inszenierung. „Off The Record“, das schon dem Titel nach kein klassisches „Record“ sein will, wird eben auch einfach nicht zum Livekonzert – wie man es auch dreht.

Bei aller Negation zeigt die Platte doch, wie viel Spaß Antihaltung machen kann. McCravens treibende Beats verleihen regelrechte Euphorisierungsschübe, wie die Spiel- und Experimentierfreude seiner Bands ansteckt oder einen zumindest durch imaginäre Nachtclubs reisen lässt. Man kann sicher lange über die Ideen dahinter diskutieren – ob sie etwas taugen, entscheidet am Ende eben die Musik.

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Asmik Grigorian an der Berliner Staatsoper: Wenn Seele und Körper sich trennen wollen

Wed, 22 Oct 2025 14:33:21 +0200

Asmik Grigorian an der Berliner Staatsoper: Wenn Seele und Körper sich trennen wollen

Volles Haus für einen Opernstar: Asmik Grigorian singt Lieder von Rachmaninow an der Staatsoper Unter den Linden. Und verzaubert mit der Zugabe.

Von Ulrich Amling

Stand: 22.10.2025, 14:33 Uhr

Ein nahezu ausverkaufter Liederabend vor großem Haus ist schon ein kleines Kunststück für sich. Wenn die Bühnenmaschinerie stillliegt, Orchester und Chor hier einmal nicht gebraucht werden, ruht alle Aufmerksamkeit auf einer Stimme im Raum. Es gibt nicht viele Sängerinnen und Sänger, bei denen das Publikum in Scharen zu einer derart intimen Begegnung eilt. Asmik Grigorian aber hat ihr Publikum gefunden, und es folgt ihr auch, wenn sie einmal nicht als „Salome“ auf der Bühne steht, der Rolle, die sie weltberühmt gemacht hat.

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Zweite Chance für Chris de Burgh: Sechs Konzerte in Berlin, die noch nicht ausverkauft sind

Wed, 22 Oct 2025 14:28:06 +0200

Zweite Chance für Chris de Burgh: Sechs Konzerte in Berlin, die noch nicht ausverkauft sind

Der chronisch unterschätzte Ire blickt im Admiralspalast auf 50 Karrierejahre zurück. Dies sind unsere Konzertempfehlungen der Woche.

Von Jörg Wunder

Stand: 22.10.2025, 14:28 Uhr

Seine Schnulze „Lady In Red“ lief einst im Radio rauf und runter. Heute kann man Chris de Burgh wieder (oder neu) entdecken.

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Katy Perry mit der „Lifetimes“-Tour in Berlin: Massentherapie für einen geschundenen Popstar

Wed, 22 Oct 2025 08:56:55 +0200

Katy Perry mit der „Lifetimes“-Tour in Berlin: Massentherapie für einen geschundenen Popstar

Flop-Album, kurioser Weltall-Trip und Trennung: Katy Perry hatte kein leichtes Jahr – und sucht bei ihrem Konzert in Berlin den Zuspruch ihrer Fans.

Von Inga Barthels

Stand: 22.10.2025, 08:56 Uhr

Kann ein millionenschwerer Superstar ein Underdog sein? Über Katy Perry hat sich im vergangenen Jahr so viel Häme ergossen, dass man sie schon gern mal wieder gewinnen sehen würde. Ihr Konzert in der ausverkauften Uber Arena in Berlin wirkt dann auch ein bisschen wie Massentherapie. Als müssten ihre Fans, die es ja noch zuhauf gibt, ihr Idol erstmal aufpäppeln, damit sie ihre Show abliefern kann.

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Lucca Comics and Games: Wenn die Toskana zum Mittelpunkt der Popkultur-Welt wird

Wed, 22 Oct 2025 08:21:07 +0200

Lucca Comics and Games: Wenn die Toskana zum Mittelpunkt der Popkultur-Welt wird

Eine Comic-Veranstaltung in Mittelitalien hat sich zu einem der wichtigsten Festivals seiner Art entwickelt. Ein italienischer Experte erklärt die Hintergründe.

Von Emilio Cirri

Stand: 22.10.2025, 08:21 Uhr

Es gibt einen Ort in der Toskana, der im internationalen Tourismus nicht so bekannt ist wie Florenz, Siena oder Pisa, aber trotzdem jedes Jahr zahlreiche Menschen aus aller Welt anzieht. Es geht um die bezaubernde Stadt Lucca, die nicht nur mit einer in Europa einzigartigen historischen Stadtmauer besticht.

Jedes Jahr Ende Oktober verwandelt sie sich zudem in eine der Hauptstädte der weltweiten Unterhaltung und Popkultur. Anlass ist das Festival Lucca Comics and Games. Das findet in diesem Jahr zum 59. Mal stattfindet, und zwar vom 29. Oktober bis zum 2. November.

Gegründet 1965 als Salone Internazionale dei Comics und unterstützt von bedeutenden Intellektuellen wie Umberto Eco, war es die erste Veranstaltung dieser Art, die den Comics gewidmet war. Sie wurde zum Vorbild für andere Festivals wie das Festival international de la bande dessinée d’Angoulême und auch den Internationalen Comic-Salon Erlangen.

Nach einer ersten Ausgabe in Bordighera (Ligurien) zog das Festival 1966 nach Lucca, wo es im Laufe der Jahrzehnte immer weiter wuchs. Ausgehend von den Comics wurde es Schritt für Schritt zu einem wichtigen Festival für zahlreiche Bereiche der Unterhaltung – von Karten- und Brettspielen bis zu Video- und Rollenspielen, von Kino und Fernsehserien bis zur Animation, vom Cosplay bis zur Jugendliteratur.

Zwischen Stadtmauern, Palästen und Kirchen

Seit den 2000er Jahren findet das Festival innerhalb der Stadtmauern statt und bietet damit eine einzigartige Atmosphäre: Ausstellungen werden in wunderschönen Kirchen und herzoglichen Palästen aus dem 19. Jahrhundert gezeigt. Rollenspiele finden auf und innerhalb der Stadtmauern statt.

Das Festival Lucca Comics and Games zieht Fans von Independent-Comics ebenso an wie die von Mainstream-Werken, und auch Cosplay gehört zum Programm.

Die Messe bietet Begegnungen mit Autor:innen, Signierstunden, Spieltests sowie immersive und interaktive Erlebnisse und wurde in immer größeren Zelten untergebracht, die Tausende von Menschen aufnehmen können.

In den vergangenen zehn Jahren zählte das Festival durchschnittlich 200.000 Besucher:innen pro Ausgabe (40.000 pro Tag, mit einem Rekord von 319.000 verkauften Tickets im Jahr 2022).

Unser Autor

Emilio Cirri wurde 1990 in Florenz geboren und lebt seit 2015 in Jena. Er führt wie alle respektablen Superhelden ein Doppelleben: tagsüber Forscher in Chemie und Biologie, nachts leidenschaftlicher Comicliebhaber und Journalist. Seit 2015 schreibt er für die Nachrichten-, Rezensionen- und Analyse-Website „Lo Spazio Bianco“, eines der wichtigsten Webmagazine über Comics in Italien.

Er ist begeistert von amerikanischen Comics, italienischen und internationalen Graphic Novels sowie von Selbstveröffentlichungen. Seit 2017 veröffentlicht er auf der Website „Cronache Tedesche“ eine Kolumne, die dem Comic in deutscher Sprache gewidmet ist. Außerdem arbeitet er gelegentlich mit anderen Magazines wie „Fumo di China“ oder mit Institutionen wie dem „Goethe-Institut Italien“ zusammen.

Im Tagesspiegel hat er 2024, als Italien Ehrengastland der Frankfurter Buchmesse war, umfangreiche Leseempfehlungen für Einsteiger und Fortgeschrittene aus der Vielfalt des italienischen Comic-Programms gegeben.

Das Wachstum zog neue Partner an: Neben den Ständen der Messe mit allen wichtigen italienischen Comic-Verlagen und seit einigen Jahren auch einigen internationalen, einem Bereich für unabhängige Comics sowie dem Pavillon, in dem Originalzeichnungen verkauft werden, sind inzwischen auch andere bedeutende Akteure der Unterhaltungsbranche vertreten. Darunter alle bedeutenden Film- und Fernsehproduktionsfirmen (Warner Bros., Netflix, Prime Video), Herausgeber von Brett- und Kartenspielen (wie „Magic“), Videospielhersteller (Nintendo, Playstation und viele andere), Merchandise-Anbieter (Funko Pop) und Sammlerspiele (Lego).

Tim Burton präsentierte 2022 in Lucca die Italienpremiere von „Wednesday“.

Doch Lucca ist nicht nur ein großer Markt: Begegnungen, Workshops für die Kleinsten, Showcases und Ausstellungen von hohem künstlerischem Rang schaffen ein äußerst reichhaltiges Programm, das nicht nur ein Treffpunkt für die Mitglieder unterschiedlicher Communities ist, sondern auch dazu dient, die kulturelle Dimension von Unterhaltungsprodukten zu erleben und internationale Gäste von höchstem Niveau zu treffen.

Im Laufe der Jahre gaben sich hier Autor:innen und Künstler:innen von Weltrang die Ehre: Wenn man sich auf die Comics konzentriert, kann man Stan Lee und Jack Kirby, Moebius und Hugo Pratt nennen, ebenso wie Will Eisner, bis hin zu erfolgreichen Mangaka der vergangenen Jahre wie Naoki Urasawa („20th Century Boys“, „Pluto“), Kōhei Horikoshi („My Hero Academia“), Hirohiko Araki („JoJo’s Bizarre Adventure“) und viele andere asiatische Autor:innen. Im bisherigen Rekordjahr 2024 waren gleich zwölf Autor:innen aus Japan, China, Korea, Taiwan und Vietnam anwesend.

Die Liste lässt sich verlängern um US-amerikanische Mainstream-Comiczeichner wie John Romita Jr., Jeph Loeb und Frank Miller, die Kultfiguren des Indie-Bereichs wie Chris Ware und Daniel Clowes, sowie Superstars des Kinder- und Jugendcomics wie Raina Telgemeier, Gene Luen Yang oder Kazu Kibuishi.

Das diesjährige Festivalplakat wurde von der französischen Illustratorin Rebecca Dautremer gestaltet.

Hinzu kamen in den letzten Jahren, nur um ganz aktuelle Beispiele zu nennen, auch Tim Burton (der 2022 in Lucca die Italienpremiere von „Wednesday“ präsentierte) und Alexey Pajitnov im Jahr 2024 (der Schöpfer von „Tetris“), aber auch viele andere, die Filme, Serien und Spiele in internationaler Vorpremiere vorstellten.

Nicht zu vergessen sind außerdem die bedeutendsten italienischen Comiczeichner:innen (unter ihnen Gipi, Igort, Zerocalcare) und die besten Nachwuchstalente, die stets auf der Messe vertreten sind, Gäste bei verschiedenen Verlagen und für Begegnungen und Signierstunden verfügbar.

French Kiss: die Ausgabe 2025

Die Ausgabe 2025 mit dem Titel „French Kiss“, hat das Ziel, die Konzepte von Liberté, Créativité, Diversité zu feiern, Begriffe wie Community und Inklusivität (seit Jahren Grundpfeiler des Festivals) zu bekräftigen und zusammen mit dem Institut Français Frankreich mit verschiedenen Initiativen zu würdigen. Dazu gehört eine Ausstellung der berühmten französischen Illustratorin Rebecca Dautremer, Schöpferin des Festivalplakats.

Neben den Arbeiten von Rebecca Dautremer stehen in diesem Jahr auch zahlreiche andere Comics aus Frankreich im Fokus des Festivals.

Die Geschichte der bandes dessinées wird mit der Ausstellung „Hexagones“ gewürdigt, die Originalwerke von Claire Bretécher, Florence Cestac, Moebius, Philippe Druillet, Edmond Baudoin (der unter den Gästen des Festivals ist), Gotlib, Jean-Marc Reiser, Jacques Tardi, Georges Wolinski, Baru enthält. Und es gibt einen Bereich, der dem Brettspiel „Dixit“ gewidmet ist, das aus der Idee von Jean-Louis Roubira entstand und durch die Illustratorin Marie Cardouat repräsentiert wird.

Neben Frankreich wird auch das 40-jährige Jubiläum von „Fist of the North Star“ gefeiert, einem der einflussreichsten Manga und später Anime für die Etablierung der japanischen Comic-Kultur in Europa. Aus diesem Anlass wird der Schöpfer der Saga, Tetsuo Hara, mit einer exklusiven Ausstellung vertreten sein.

Weitere bedeutende Gäste sind in diesem Jahr Kevin Eastman, Schöpfer der Ninja Turtles; John Romita Jr., einer der wichtigsten US-amerikanischen Zeichner der vergangenen Jahrzehnte; Darick Robertson, Mit-Schöpfer von „The Boys“; Mike Richardson und David Scroggy, der erste Gründer und CEO von Dark Horse Comics, der zweite über 20 Jahre eine tragende Säule des Unternehmens; Guy Delisle, einer der bekanntesten kanadischen Comiczeichner und einer der Hauptvertreter des Graphic Journalism und des Travel Comic; Chip Zdarsky, Eisner-Award-Preisträger, Autor unter anderem von Batman, Daredevil und derzeit Captain America. Die Liste geht weiter mit anderen Mangaka, darunter Kei Urana und Hideyoshi Andou, Autoren von „Gachiakuta“.

Und über die Comics hinaus gibt es einige Namen von großem Gewicht aus der Welt der TV-Serien (die Schöpfer von „Stranger Things“, Matt und Ross Duffer, sowie die Hauptdarsteller Finn Wolfhard, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin, Noah Schnapp), der Videospiele (Hideo Kojima, Schöpfer von Meilensteinen wie „Metal Gear“ und „Death Stranding“, John Romero, Vater von „DOOM“ und „Quake“, sowie Keiichirō Toyama, Schöpfer von „Silent Hill“ und „Siren“), und des Kinos (Regisseur Luc Besson).

Diese Namen sind nur einige der 100 angekündigten Gäste, die anderen finden sich auf der Festival-Website, wo das Programm laufend aktualisiert wird.

Von Deutschland nach Lucca: Praktische Besucher-Informationen

Blick vom Torre Guinigi auf die Altstadt von Lucca.

Mit einer so großen Zahl an internationalen Gästen ist die Messe leicht auch für Besucher:innen aus anderen Teilen der Welt zugänglich. Auch wenn viele der Hinweise vor Ort und die angebotenen Produkte überwiegend auf Italienisch sind, finden die Begegnungen mit Gästen in Originalsprache statt, oft auf Englisch, und werden für das nationale Publikum simultan übersetzt.

Auch die offizielle App der Veranstaltung kann auf Englisch eingestellt werden, sodass man sich in einem Labyrinth von Pavillons und in einem Meer von Menschen besser zurechtfinden kann.

Für diejenigen, die sich zum ersten Mal nach Lucca wagen, kann die Erfahrung intensiv, manchmal sogar überwältigend sein. Aufgrund der hohen Besucherzahlen wurden die Pavillons im Laufe der Zeit auf das gesamte historische Zentrum ausgedehnt. Der Bereich, der Japan gewidmet ist, wurde sogar in die Peripherie verlegt, erreichbar mit Shuttle-Bussen alle zehn Minuten.

Man muss also darauf vorbereitet sein, durch die Straßen der Stadt zu laufen, die an den Wochenendtagen teilweise ziemlich überfüllt sind. Wer eine Pause braucht, findet in den zahlreichen Kirchen und im Dom ausgezeichnete Ruheplätze, die zudem auch einen Besuch wert sind.

Der Zugang zu den Pavillons, obwohl er sich im Laufe der Jahre verbessert hat, kann dennoch zu langen Wartezeiten führen, bedingt durch die begrenzten Dimensionen im Verhältnis zu den Besucherströmen. Das gilt vor allem für die Zelte, die Filmen, Spielen, Sammlerstücken und Foto-Gelegenheiten gewidmet sind, weniger für den Comic-Bereich.

Mit Warteschlangen muss man außerdem auch bei Signierstunden und exklusiven Treffen mit Autor:innen rechnen. Deshalb ist es ratsam, sowohl die Websites als auch die Social-Media-Profile der Verlage und des Festivals zu konsultieren (oft detaillierter aktualisiert als die App). Für öffentliche Veranstaltungen unterliegt die Teilnahme einer Reservierung über Eventbrite – ein Verfahren, das im Laufe der Jahre mehrfach kritisiert wurde und sich möglicherweise ändern wird.

Der Ticketpreis (noch verfügbar unter luccacomicsandgames.ticketone.it/en) liegt zwischen 25 und 32 Euro pro Tag. Es empfiehlt es sich, zumindest ein Zwei-Tages-Ticket zu kaufen. Ein einzelner Tag reicht inzwischen kaum noch aus, um Lucca Comics and Games wirklich zu erleben; in diesem Fall müsste man sich auf nur einen Aspekt des Festivals konzentrieren und andere außen vor lassen.

Es gibt jedoch auch eine kostenlose Option: Während für den Zugang zu den Pavillons ein Ticket erforderlich ist, gibt es für die Ausstellungen, viele Begegnungen, einige Pavillons sowie für das Umherstreifen in der Stadt keine Einschränkungen – und so kann man die Festivalatmosphäre auf eine andere, aber dennoch erfüllende Weise erleben.

Im Allgemeinen gilt der Rat, für diejenigen, die keine bestimmte Veranstaltung oder einen bestimmten Gast besuchen wollen, das Festival vor allem nicht an einem Samstag zu besuchen, um das Erlebnis in Lucca zumindest ein wenig entspannter zu genießen, ruhiger spazieren zu gehen und vielleicht auch unerwartete Teile der Stadt zu entdecken – sowie gastronomische Angebote, die umso erschwinglicher werden, je weiter man sich von den am dichtesten besuchten Pavillons entfernt.

Für eine Anreise aus Deutschland bietet sich die Wahl zwischen dem internationalen Flughafen Pisa oder dem Flughafen Bologna an (beide mit Billigflügen aus Berlin), während man mit teureren Flügen auch den Flughafen Florenz (von Frankfurt oder München aus) erreichen kann.

Der vielleicht kritischste Punkt für Besucher:innen der Veranstaltung ist die Unterkunft. Die findet man sicherlich nicht in Lucca, wo Wohnungen und Hotels oft schon im Jahr zuvor ausgebucht sind und die wenigen verbleibenden zu astronomischen Preisen angeboten werden, die das Ergebnis endloser Spekulation sind. Auch die umliegenden Städte können diese Preiserhöhungen erleben.

Wenn man Orte wählt, die mit dem Zug von Pisa aus oder entlang der Strecke Florenz–Lucca erreichbar sind, ist es vielleicht möglich, erschwinglichere Unterkünfte zu finden – allerdings muss man Zugfahrten einplanen, die insbesondere zu den Stoßzeiten (morgens ab 7 Uhr und abends ab 18 Uhr) besonders unbequem werden können, mit Wagen, die manchmal bis zum Äußersten gefüllt sind.

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SPD fordert Aufklärung : Vorwürfe gegen Kulturstaatsminister Wolfram Weimer

Tue, 21 Oct 2025 15:55:34 +0200

SPD fordert Aufklärung : Vorwürfe gegen Kulturstaatsminister Wolfram Weimer

Kulturstaatsminister Wolfram Weimer wird vorgeworfen, mit seinem Magazin „The European“ das Urheberrecht verletzt zu haben. Die AfD fordert seinen Rücktritt, aber auch in der SPD wächst der Unmut über ihn.

Von

Stand: 22.10.2025, 08:12 Uhr

Schon wieder ist Kulturstaatsminister Wolfram Weimer (parteilos) ins Visier von Rechten und Rechtsextremen geraten. Nachdem zuerst der rechte Blogautor Alexander Wallasch den Vorwurf erhoben hatte, dass das zur Weimer Media Group gehörende Magazin „The European“ mit Texten unter anderem von Politikern und insbesondere der AfD-Vorsitzenden Alice Weidel gegen das Urheberrecht verstoßen habe, fordert die AfD nun im Chor mit rechten Publikationen Weimers Rücktritt.

„Der Vorwurf des geistigen Vampirismus fällt auf ihn selbst zurück“, sagte der AfD-Bundestagsabgeordnete Götz Frömming mit dem Hinweis auf Weimers Kritik an Techkonzernen während der Frankfurter Buchmesse.

„Inwieweit er sich dabei sogar strafbar gemacht hat, wird die weitere juristische Überprüfung zeigen. Sollte Herr Weimer die im Raum stehenden schweren Vorwürfe nicht schnell ausräumen können, muss er zurücktreten“, sagte Frömming weiter.

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100 gestohlene Beiträge von Alice Weidel?

„The European“ hatte Politikerinnen und Politiker wie Alice Weidel, Alexander Dobrindt, Robert Habeck, Annalena Baerbock, Bundeskanzler Friedrich Merz und viele andere als Autoren geführt, nachdem in dem Magazin Reden, Interviewausschnitte und andere Verlautbarungen abgedruckt worden waren. Von Seiten der AfD heißt es unter anderem, „The European“ habe über „100 gestohlene Beiträge von Alice Weidel“ veröffentlicht.

Der berüchtigte Plagiatsjäger und Medienwissenschaftler Stefan Weber wiederum spricht von bewusster Täuschung von Werbekunden, weil von den laut „European“ 2000 renommierten Autoren aus Politik, Wirtschaft, Kultur und Wissenschaft nur 100 abrufbar gewesen seien: „In Wolfram Weimers Urheberrechtshölle muss die Strafverfolgungsbehörde ermitteln.“

Weber berichtete auf seiner Website nicht ohne Stolz von elf mit seinem Namen gekennzeichneten Artikeln im „The European“, „die zu großen Teilen aus meinem Blog und aus Interviews zusammengestoppelt sein dürften“.

Bei „The European“ wurden nach diesen Vorwürfen auffallend schnell Autorenprofile und Artikel getilgt und das Impressum umgeschrieben. In einer Erklärung heißt es, „Texturen aus den Jahren vor dem großen ,European’-Relaunch von 2021“ seien „seinerzeit weitgehend gelöscht worden“.

Und: „Die Veröffentlichungen von Verlautbarungen von Politikern aller Parteien aus dem Deutschen Bundestag folgten damals der gängigen Praxis führender Tageszeitungen und anderer Publikationen, beispielsweise öffentliche Redetexte unter Quellenangabe und mitsamt dem Namen des jeweiligen Politikers als Autor zu publizieren.“

Es wirkt auf uns wie eine Kampagne rechter Kreise aufgrund von Wolfram Weimers Kritik an den amerikanischen Techkonzernen auf der Buchmesse.

Stellungnahme des „European“

Äußerungen von Alice Weidel aus den Jahren 2017 bis Anfang 2021 seien immer mit der Quellenangabe veröffentlicht worden: „Wenn es in jenen Jahren einzelne Fälle gegeben haben sollte, in denen die Quellenangabe unterblieb, bedauern wir dies. Streitigkeiten oder Klagen wegen etwaiger Urheberrechtsverletzungen lagen damals nicht vor und liegen auch dem aktuellen Chefredakteur nicht vor.“

Sind politische Motive der eigentliche Grund?

Beim „European“, dessen Chefredakteur inzwischen der einstige „Welt“-Journalist Ansgar Graw ist, wird in einer weiteren Stellungnahme gemutmaßt: „Dass nun plötzlich diese Alt-Publikationen von der AfD infrage gestellt werden, scheint eher politischen als sachlichen Motiven zu folgen. Es wirkt auf uns wie eine Kampagne rechter Kreise aufgrund von Wolfram Weimers Kritik an den amerikanischen Techkonzernen auf der Buchmesse.“

Auf diese Idee kann man kommen, gerade nach der Kampagne, die das Portal „Nius“ gegen Weimer führt, mit vermeintlichen Enthüllungen zu der Böhmermann-Ausstellung im Haus der Kulturen der Welt und bezüglich des von Weimer verliehenen Deutschen Verlagspreises, den angeblich auch Verlage bekommen hätten, die linskradikale und verfassungsfeindliche Schriften veröffentlichen.

Allerdings wirkt es schon etwas seltsam und lax, wie schnell beim „European“ Politikerinnen und Politiker zu Gastautoren wurden. Dass Reden und bestimmte für die Öffentlichkeit bestimmte Beiträge aus der Politik veröffentlicht werden ist das eine, da sind sich alle Seiten einig, das ist gang und gäbe. Aber dass damit gleich das Impressum aufgefüllt und eine Stammautorenschaft suggeriert wird?

Es drängt sich allmählich der Eindruck auf: Hier sitzt der falsche Mann auf dem falschen Posten.

Ralf Stegner, SPD-Bundestagsabgeordneter

Weimer, dessen Media Group nach seiner Ernennung zum Kulturstaatsminister ausschließlich seine Ehefrau Charlotte Goetz-Weimer leitet, wird nun an den Worten gemessen, die er auf der Frankfurter Buchmesse gesagt hat. Dort sprach er vom „digitalen Kolonialismus“ von Google und Co. und stellte zur Not gar eine Zerschlagung von Google in Aussicht.

Was den Trump-nahen ehemaligen US-Botschafter in Deutschland, Richard Grenell, auf den Plan rief. Grenell wetterte auf X auch wegen der von Weimer geplanten Digitalabgabe: „Es ist ein massiver Angriff auf die gesamte US-amerikanische Digitalindustrie, mit dem ultimativen Ziel, sie in Europa stillzulegen.“

Hat Weimers Medium Werbekunden getäuscht?

Den großen digitalen Konzernen aus den USA und aus China warf Weimer vor, sie würden ihre KI „mit Milliarden von Werken“ trainieren, „ohne die Einwilligung der Urheber einzuholen, geschweige denn, ihnen auch nur einen Cent zu zahlen“. Auch der „European“ hatte keinen Cent bezahlt, aber die Einwilligung der Urheber oftmals stillschweigend bekommen. Das Problem: Hat das Magazin mit einer Vielzahl prominenter Namen Werbekunden geblendet?

Ich hoffe auf und erwarte die vollständige Aufklärung und Ausräumung der schwerwiegenden Vorwürfe.

Martin Rabanus, kultur- und medienpolitischer Sprecher der SPD-Bundestagsfraktion

Inzwischen wird auch innerhalb der Regierungsfraktionen Kritik an Weimer laut. Mehrere SPD-Politiker fordern den Kulturstaatsminister auf, die Vorwürfe hinsichtlich einer Verletzung des Urheberrechts aufzuklären. „Ich hoffe auf und erwarte die vollständige Aufklärung und Ausräumung der schwerwiegenden Vorwürfe“, sagte Martin Rabanus, kultur- und medienpolitischer Sprecher der SPD-Bundestagsfraktion, dem Tagesspiegel: „Diese Aufklärung muss im Interesse der Person, aber auch des Amtes, sehr zügig erfolgen.“

Der SPD-Bundestagsabgeordnete Ralf Stegner zog Weimers Eignung als Kulturstaatsminister in Zweifel. „Das Erstaunen über den Umgang von Herrn Weimer mit Texten und Beiträgen Dritter wird jeden Tag größer. Der Bedarf nach einer Stellungnahme des Kulturstaatsministers auch“, sagte Stegner dem Tagesspiegel.

„Ansonsten drängt sich allmählich der Eindruck auf: Hier sitzt der falsche Mann auf dem falschen Posten.“ Ein Kulturstaatsminister solle „ein Anwalt all jener sein, für die das Urheberrecht wichtig ist“, sagte Stegner: „Er sollte da, auch vor Übernahme seines Amtes, mit gutem Beispiel vorangehen.“

In Weimers Haus, das ansonsten auf Social Media täglich sendet, schweigt man. Weimer sei seit seinem Amtsantritt nicht mehr in der Geschäftsführung, heißt es auf Tagesspiegel-Anfrage. „Er hat auch keine Stimmrechte mehr und war auch nie Chefredakteur des ‚The European‘. Es gibt von unserer Seite kein offizielles Statement zu dieser AfD/Nius/Grenell-Kampagne gegen Herrn Weimer.“

(Anmerkung der Redaktion: In einer ersten Fassung war der Nachname des genannten Bloggers im ersten Absatz falsch geschrieben. Richtig lautet er Wallasch. Wir haben diesen Fehler korrigiert.)

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Variable Eigenschaften: Die südkoreanische Malerin Jinhee Kim analysiert das Selbst

Wed, 22 Oct 2025 07:01:32 +0200

Variable Eigenschaften: Die südkoreanische Malerin Jinhee Kim analysiert das Selbst

Jinhee Kim erforscht in ihren radikal reduzierten Porträts, wie wir auf andere wirken. Und stellt fest: Wir performen auch, wenn niemand zuschaut.

Von Birgit Rieger

Stand: 22.10.2025, 07:01 Uhr

Es gibt tausend Möglichkeiten, ein Gesicht darzustellen. Wie also malt man eines, in das alle hineinpassen? Ein Gesicht, das weder asiatisch aussieht noch europäisch? Weder Mann ist noch Frau?

Die aus Südkorea stammende Malerin Jinhee Kim versucht sich in ihrer Berliner Ausstellung an Porträts, die ohne herkömmliche Identitätsmerkmale auskommen. Mit viel Licht konturiert, blicken ihre comichaft reduzierten Gesichter in den Raum. Mit ihren Pünktchen-Pupillen schauen sie oft knapp am Betrachter vorbei oder in sich hinein. Sie haben wellige Frisuren und schlanke Nasen, die pastellfarbenen Oberflächen sind so zart und fließend gemalt, als hätte jemand mit einer Sprühdose gearbeitet.

Im Blick der anderen entsteht das Selbst

Kim malt das aber alles mit dem Pinsel. Acrylfarbe in den unteren Schichten und – für diese Serie zum ersten Mal – Pastell an den Oberflächen. So entsteht ein durchscheinender, wie sandgestrahlter Effekt: frisch geschlüpfte digitale Wesen.

Die Künstlerin Jinhee Kim findet äußere Identitätszuschreibungen nicht mehr zeitgemäß und definiert in ihren Bildern einen neuen Archetyp.

„Zu Beginn meines Studiums in Deutschland wollte ich bestimmte Emotionen und Zustände des Seins malen. Aber immer, wenn ich eine asiatische Figur malte, fragten die Leute, warum ich nur Asiaten male; und wenn ich eine westliche Figur malte, fragten sie, warum eine asiatische Künstlerin westliche Menschen malt.“

Also verallgemeinerte sie die äußeren Merkmale und konzentrierte sich auf kleinste Alltagsgesten, die sie vor allem bei sich selbst abschaut: Kopf in die Hände stützen, in einem Buch blättern, Zigarette in der Hand halten.

„Ich glaube, einen Menschen kann man besser durch kleine Gesten und Momente beschreiben als durch große Identitätskategorien, die ohnehin nicht mehr zur Gegenwart passen. Anstatt zu sagen „die asiatische Frau mit schwarzen Haaren“, fühlt es sich viel natürlicher an, zu sagen: „die Person, die am Fenster sitzt und Wasser trinkt“, sagt Kim bei einem Treffen in ihrer Berliner Galerie Feldbusch Wiesner Rudolph nahe dem Gendarmenmarkt.

Ich male nicht, wer ich bin. Ich male die Bedingungen, die definieren, wie ich erscheine.

Künstlerin Jinhee Kim

Jinhee Kim ist 1990 in Seoul geboren, besuchte dort ein Kunstgymnasium und studierte anschließend bildende Kunst an der Hong-ik Universität. 2018 kam sie zum Meisterstudium nach Berlin an die Universität der Künste. Seitdem lebt sie in der Stadt.

Jinhee Kims Porträts lassen wegen ihrer kühnen Reduktion genug Raum für eigene Gedanken.

Berlin ist für sie der Ort, an dem sie in Ruhe arbeiten kann. Sie hat weniger Verpflichtungen und Termine als in Seoul. Die Stille sei produktiv, sagt sie. Malte sie zu Beginn noch expressiv mit kräftigen Pinselstrichen, wurde ihr Duktus im Lauf der Zeit immer ruhiger und flacher. Ganz im Stil der im Digitalen sozialisierten Millennials, die das fortwährende Leeren und wieder neu Befüllen des Selbst als gegeben hinnehmen.

Leere als Startpunkt

Im Atelier arbeitet Jinhee Kim am liebsten wie eine Fabrikarbeiterin: morgens rein, abends wieder raus. Kontakt zu den benachbarten Künstlerinnen – braucht sie nicht unbedingt. Am Tag der offenen Tür – hat sie zu. Sie wedelt abwehrend mit den Händen, wenn man sie nach ihrem Studio in einer ehemaligen Schokoladenfabrik fragt. Sie will erst gar keine Romantik rund um ihren Beruf aufkommen lassen. „Kunst ist Routine, kein Ausnahmezustand.“

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In ihrer neuen Porträt-Serie sind die Gesichter oft halb von einem Buch, einem Handyscreen oder einem Foto verdeckt. Man sieht ein mit Geschichten, Informationen und Gedanken überlagertes Selbst, das sich von Moment zu Moment neu konfiguriert.

„Niemand sieht zu, aber alle sind auf der Bühne“, lautet der Titel ihrer Einzelausstellung in Berlin. „In wie vielen Momenten im Leben können wir das authentische Selbst und das performative Selbst wirklich voneinander trennen? Für mich sind das keine Gegensätze. Selbst wenn niemand zusieht, sind wir auf einer Bühne und wenn wir auf einer Bühne sind, verhalten wir uns teils unbewusst“, sagt Kim, die sich schon seit ihrer Jugendzeit auch für Filmregie und Bühnenkunst begeistert.

Den Wunsch, sie im Atelier zu besuchen, umgeht sie charmant, es gäbe nichts zu sehen, sagt sie. Die meisten ihrer Bilder sind im Moment unterwegs: hier in der Berliner Galerie, in Seoul bei der Frieze-Kunstmesse, wo vieles schnell ausverkauft war, im Nationalmuseum in Gwacheon in der Überblicksausstellung „Young Korean Artists“, im Kunsthaus Erfurt.

Vor der Eröffnung in Erfurt, wo ihre Gemälde im Rahmen einer Ausstellung zum Thema „Nacht“ gezeigt werden, war sie etwas nervös. Man hat ihr erzählt, außerhalb der großen Städte sprechen weniger Menschen Englisch. Sie selbst spricht kaum Deutsch.

Aber die Sorgen waren unberechtigt, mit dem Erfurter Publikum gab es keine Kommunikationsprobleme. Wie sie letztlich auf andere wirkt, kann sie ohnehin nie ganz wissen. Vielleicht lässt es sich in ihren Bildern ablesen.

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Filmbiografie „Franz K.“ im Kino: Literarisches Fastfood mit dem Kafka Burger

Tue, 21 Oct 2025 09:53:15 +0200

Filmbiografie „Franz K.“ im Kino: Literarisches Fastfood mit dem Kafka Burger

Was hat Franz Kafka der Gegenwart zu sagen? Die Regisseurin Agnieszka Holland nähert sich dem Leben des Schriftstellers in einer launigen Kolportage über das Werk. Das grenzt mitunter an Infotainment.

Von Jens Hinrichsen

Stand: 22.10.2025, 05:49 Uhr

Franz lacht. Auch seine Zuhörer amüsieren sich, als Kafka eine Passage aus seinem halbfertigen „Prozess“ vorträgt. Den Heiterkeitsausbruch in kleiner Literaten-Runde hat Agnieszka Holland für ihren Film „Franz K.“ keineswegs erfunden. Die Szene soll sich wirklich im „Prager Kreis“ ereignet haben, inklusive Max Brods Vermutung, Romanheld K. werde einen „Sieg über das System“ davontragen.

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Spektakulärer Kunstraub im Herzen von Paris: Schaden durch Louvre-Diebstahl beläuft sich auf 88 Millionen Euro

Tue, 21 Oct 2025 19:59:00 +0200

Spektakulärer Kunstraub im Herzen von Paris: Schaden durch Louvre-Diebstahl beläuft sich auf 88 Millionen Euro

Noch immer fehlt von dem Einbrecher-Quartett jede Spur. Nun gibt es eine erste Schätzung zum finanziellen Schaden. Derweil dementiert Frankreichs Kulturministerin Probleme mit dem Sicherheitssystem.

Stand: 21.10.2025, 19:59 Uhr

Der Louvre hat den Schaden des spektakulären Kronjuwelen-Diebstahls der Pariser Staatsanwältin Laure Beccuau zufolge auf einen zweistelligen Millionenbetrag geschätzt.

„Der Schaden wurde von der Kuratorin des Louvre auf 88 Millionen Euro geschätzt“, sagte Beccuau am Dienstag dem Sender RTL. Die Summe sei jedoch „nicht vergleichbar mit dem historischen Schaden“, fügte die Französin hinzu.

Es handele sich um eine „äußerst spektakuläre“ Summe, sagte Beccuau. Die Diebe könnten jedoch nicht mit diesem Betrag rechnen, „sollten sie auf die sehr schlechte Idee kommen, diese Juwelen einzuschmelzen“.

Von den Louvre-Einbrechern, die mit Warnwesten bekleidet über einen Lastenaufzug in das Museum in der französischen Hauptstadt eingedrungen waren und mit einem Trennschleifer Vitrinen geöffnet hatten, fehlte am Dienstag weiter jede Spur.

Kulturministerin bestreitet defektes Sicherheitssystem

Unterdessen hat Frankreichs Kulturministerin Rachida Dati Probleme mit dem Sicherheitssystem des weltberühmten Museums bestritten. „Haben die Sicherheitsvorkehrungen des Louvre versagt? Nein, sie haben nicht versagt. Das ist eine Tatsache. Die Sicherheitsvorkehrungen haben funktioniert“, sagte Dati in einer Fragestunde im Pariser Parlament.

Polizisten stehen am Sonntag neben einem Möbelaufzug, mit dem Einbrecher in das Louvre-Museum am Quai Francois Mitterrand eindrangen.

Die Staatsanwaltschaft in Paris hatte am Morgen erklärt: „Die Überprüfungen der Funktionsfähigkeit der Alarmsysteme werden fortgesetzt.“

Nach der Schilderung des Tatablaufs durch die Ermittler steht die Frage im Raum, ob der Alarm unverzüglich beim Eindringen der Einbrecher in den Ausstellungssaal auslöste oder erst eine Minute, bevor diese durch das Fenster die Flucht ergriffen, durch das sie auch in das Museum hereingekommen waren.

Acht kostbare Schmuckstücke geraubt

Der Einbruch am Sonntagmorgen, eine halbe Stunde nach Museumsöffnung, hatte keine zehn Minuten gedauert. Die Diebe brachen zwei Vitrinen auf, nahmen acht kostbare Schmuckstücke früherer Königinnen und Kaiserinnen an sich – darunter mit Edelsteinen übersäte Diademe, Halsketten, Ohrringe und Broschen – und entkamen mit ihrer Beute auf Motorrollern.

Die Pariser Staatsanwaltschaft ermittelt wegen organisierten Bandendiebstahls und Bildung einer kriminellen Vereinigung. Den vier flüchtigen Tätern drohten wegen bandenmäßigen Diebstahls bis zu 15 Jahre Haft.

Es besteht große Sorge, dass die acht gestohlenen Schmuckstücke in ihre Bestandteile zerlegt werden. Auf dem legalen Markt sind sie unverkäuflich. Nach Ansicht von Experten wurden sie möglicherweise gestohlen, um das eingeschmolzene Gold und die Edelsteine zu verkaufen. (AFP, dpa)

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Härte und ein Ruf nach Frieden : Staatskapelle Berlin spielt Beethoven und Tschaikowsky

Tue, 21 Oct 2025 17:17:59 +0200

Härte und ein Ruf nach Frieden : Staatskapelle Berlin spielt Beethoven und Tschaikowsky

Die Staatskapelle kredenzt mit Michail Glinkas Ouvertüre zu „Ruslan und Ludmila“, Tschaikowsky und Beethovens 1. Klavierkonzert einen spannungsvollen Abend.

Von Udo Badelt

Stand: 21.10.2025, 17:17 Uhr

Zwei vom Temperament her sehr verschiedene Künstlerinnen treten am Montagabend in der Staatsoper auf, beim zweiten Symphoniekonzert der Staatskapelle Berlin.

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Theater Ramba Zamba in Not: Kein Geld für Premieren in 2026

Tue, 21 Oct 2025 15:13:09 +0200

Theater Ramba Zamba in Not: Kein Geld für Premieren in 2026

Das inklusive Theater Ramba Zamba und eine Vielzahl prominenter Unterstützer appellieren in einem Offenen Brief an die Berliner Kulturpolitik, die Zukunft des Hauses zu sichern.

Von Gunda Bartels

Stand: 21.10.2025, 15:13 Uhr

Bela B. von den Ärzten hat ebenso unterschrieben wie Matthias Schweighöfer, Frank Castorf, Nina Hoss, Rainald Grebe, Bjarne Mädel, Monika Grütters, Corinna Harfouch, Lars Eidinger, Sophie Rois, Meret Becker, Alexander Osang und Volker Schlöndorff.

Eine beeindruckende Liste von Künstlerinnen und Künstlern ünterstützt den Offenen Brief der Intendanz des privaten Theaters Ramba Zamba, das seit seiner Gründung 1992 auf dem Gelände der Kulturbrauerei große Erfolge in der inklusiven Theaterarbeit feiert und immer wieder Gastregisseure wie Milan Peschel oder Leander Haußmann für seine Inszenierungen gewinnen kann.

2026/2027 führen die Einsparungen im Berliner Kulturhaushalt auch im Theater Ramba Zamba zu einer Haushaltslücke. Ohne eine jährliche Erhöhung der Förderung sei es nicht mehr möglich, neue Inszenierungen zu realisieren, heißt es im Brief an die politisch Verantwortlichen.

Die kommende Erhöhung der institutionellen Förderung auf dann insgesamt 1.433.58000 Euro sei ausschließlich für Tarifaufwüchse bestimmt, so das Haus. Es fehlen 200.000 Euro Produktionsmittel, um die vier für die Spielzeit geplanten Premieren zu finanzieren.

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Pankow

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„Ich glaubte, als Sexsklavin sterben zu müssen“ : Das Martyrium der Epstein-Anklägerin Virginia Giuffre

Tue, 21 Oct 2025 14:27:07 +0200

„Ich glaubte, als Sexsklavin sterben zu müssen“ : Das Martyrium der Epstein-Anklägerin Virginia Giuffre

In ihrer posthum erschienenen Autobiografie „Nobody’s Girl“ erzählt Giuffre, was ihr Jeffrey Epstein, Ghislaine Maxwell und Prince Andrew antaten – aber vor allem, wie es dazu kommen konnte.

Von Inga Barthels

Stand: 21.10.2025, 15:08 Uhr

Als Virginia Giuffre zum ersten Mal die Barbie-pinke Villa von Jeffrey Epstein in Palm Beach, Florida betrat, war sie hoffnungsvoll. Ghislaine Maxwell hatte sie kurz zuvor im Mar-a-Lago Ressort rekrutiert, wo die Teenagerin im Spa jobbte – mit dem Versprechen, dass sie als professionelle Massagetherapeutin arbeiten könne. Doch als Virginia Giuffre im El Brillo Way ankam, war schnell klar, dass es Epstein nicht um Massagen ging. Trotzdem kehrte die damals 16-Jährige zurück, immer wieder.

„Mir und vielen jungen Frauen wurde vorgeworfen, dass wir in Epsteins Höhle zurückkehrten, obwohl wir wussten, was er von uns wollte“, schreibt Giuffre in ihrer Autobiografie „Nobody’s Girl. Meine Geschichte von Missbrauch und dem Kampf um Gerechtigkeit“, die gerade in den USA erschienen ist. „Diese Haltung missachtet zutiefst, was so viele von uns schon durchgemacht haben, bevor wir Epstein trafen, und wie gut er darin war, Mädchen zu erkennen, deren Wunden sie angreifbar machten.“

Virginia Giuffre erzählt in ihrer Autobiografie nun, was ihr in den Fängen von Jeffrey Epstein und Ghislaine Maxwell passiert ist – aber vor allem, wie es dazu kommen konnte.

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Berliner Volksbühne: Die erfolgreiche Choreografin Constanza Macras muss gehen

Tue, 21 Oct 2025 14:04:10 +0200

Berliner Volksbühne: Die erfolgreiche Choreografin Constanza Macras muss gehen

Der designierte Intendant Matthias Lilienthal hat eine neue Hauschoreografin neben Florentina Holzinger berufen. Für Macras bedeutet das womöglich den Abschied von Berlin.

Von Sandra Luzina

Stand: 21.10.2025, 14:04 Uhr

Constanza Macras (55) gehört zu den wichtigsten Choreografinnen der Stadt. Seit die Argentinierin 1995 nach Berlin kam, hat schon viele Orte und Theater bespielt; die hiesige Tanzszene hat sie genauso geprägt wie Sasha Waltz. Dabei waren ihre Performances immer schriller, komischer und politischer als die Shows von Waltz.

Unter René Pollesch wurde Macras 2021 zur Hauschoreografin an der Volksbühne - zusammen mit Florentina Holzinger. Drei Produktionen hat sie dort mit ihrem DorkyPark Ensemble herausgebracht. „Drama“, „The Future“ und „The Hunger“ sowie eine neue Version ihres legendären Stücks „Back to the Present“. Macras’ Arbeiten passen ästhetisch gut in die Volksbühne und sie hat ein großes Publikum in Berlin.

Lilienthal holt eine andere Choreografin ins Leitungsteam

Am 30. Oktober hat ihr neues Stück „Goodbye Berlin“ Premiere an der Volksbühne. Der Titel ist Christopher Isherwoods Roman entlehnt. Er könnte aber prophetisch sein für Macras. Denn mittlerweile steht fest, dass die Choreografin in der nächsten Spielzeit die Volksbühne verlassen muss. Der designierte Intendant Matthias Lilienthal wird neben der zum Superstar avancierten Florentina Holzinger die portugiesische Choreografin Marlene Monteiro Freitas in sein Leitungsteam holen. Es wird also weiterhin viel Tanz an der Volksbühne geben – aber ohne Macras.

Ein Schock für Constanca Macras

Für die Choreografin ist das ein Schock. Denn sie ist eigentlich davon ausgegangen, das Lilienthal ihre Arbeit schätzt. Macras hatte ihm bei seinem Start als HAU-Intendant mit „Scratch Neukölln“, das sie mit migrantischen Jugendlichen entwickelt hatte, gleich einen großen Hit beschert.

Lilienthals Entscheidung hat gravierende Folgen: Ohne die Anbindung an die Volksbühne hat Macras keine Möglichkeit mehr, ihre Arbeiten in Berlin zu zeigen. Nicht nur die festangestellten Mitarbeiter von Dorky Park verlieren dann ihre Jobs, sondern auch ein Dutzend freier Künstlerinnen und Künstler, die in den Stücken mitwirken.

Es ist nicht die erste Krise für Macras. Schon 2017 stand sie plötzlich ohne Spielort da. An der Schaubühne bekam sie keine Aufführungstermine mehr, nachdem Jürgen Schitthelm als Geschäftsführer ausgeschieden war. Am HAU und am Gorki kam sie nur mit einzelnen Projekten unter. Nachdem der Berliner Kultursenator Klaus Lederer intervenierte, fand Macras dann ein neues Zuhause an der Volksbühne.

Macras hat zwar derzeit viele Angebote, für Filme zu choreografieren, auch für Hollywood-Produktionen. Aber sie will unbedingt weiter fürs Theater arbeiten. Jetzt ist die Politik gefordert. Denn die Berliner Tanzszene ohne Macras ist undenkbar.

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Filmerbe-Festival „Restored“: Die Actionheldinnen aus dem Archiv

Tue, 21 Oct 2025 11:10:50 +0200

Filmerbe-Festival „Restored“: Die Actionheldinnen aus dem Archiv

Die Deutsche Kinemathek widmet die zehnte Ausgabe ihres Filmerbe-Festivals dem frühen Actionkino. Restaurierungen werfen ein neues Licht auf das populäre Genre.

Von Fabian Tietke

Stand: 21.10.2025, 11:10 Uhr

In Knickerbockern, die Golftasche über der Schulter schwingt sich Gentleman-Abenteurer Harry Peel (Harry Piel) weltmännisch in den Nachtzug nach Brüssel – und mitten hinein in das „Abenteuer im Nachtexpress“ (1925).

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Wie Berlin auf Moskau schaute: Erst in der Katastrophe begann das Umdenken

Mon, 20 Oct 2025 09:01:29 +0200

Wie Berlin auf Moskau schaute: Erst in der Katastrophe begann das Umdenken

Katja Gloger und Georg Mascolo decken in ihrem Buch „Das Versagen. Eine investigative Geschichte der deutschen Russlandpolitik“ auf, wie die deutsche Politik sich das aggressive Russland viel zu lange schönredete.

Von Hans Monath

Stand: 20.10.2025, 15:43 Uhr

Es war der 25. September 2001, als die politische Klasse Deutschlands einem Mann zu Füßen lag, der mehr als zwanzig Jahre später mit internationalem Haftbefehl als Kriegsverbrecher gesucht werden sollte. Im Deutschen Bundestag trat an diesem Tag um 15.15 Uhr der russische Präsident Wladimir Putin ans Pult und schmeichelte seinen Zuhörern.

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Berliner Symphoniker in der Philharmonie: Zwei Pianisten, zwei Welten

Mon, 20 Oct 2025 11:51:20 +0200

Berliner Symphoniker in der Philharmonie: Zwei Pianisten, zwei Welten

Warum werden in der Klassik immer wieder dieselben Werke interpretiert? Dieses Konzert mit den italienischen Klaviervirtuosen Gianluca Luisi und Raffaele d’Angelo liefert live die Antwort.

Von Frederik Hanssen

Stand: 20.10.2025, 11:51 Uhr

Wann hat es das je gegeben? Zwei Pianisten treten bei einem Orchesterkonzert nacheinander als Solisten an ein und demselben Instrument auf. Am Sonntag bieten die Berliner Symphoniker und der Dirigent Gudni Emilsson dem Publikum die rare Gelegenheit, genau das zu erleben. Erst spielt Gianluca Luisi das 2. Klavierkonzert von Sergej Rachmaninow, anschließend kommt Raffaele d’Angeolo für Tschaikowsyks Erstes auf die Bühne.

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Edward Bergers Film „Ballad of a Small Player“: Kapitalismus bis zum Kotzen

Wed, 15 Oct 2025 15:32:11 +0200

Edward Bergers Film „Ballad of a Small Player“: Kapitalismus bis zum Kotzen

Nach den Oscar-Gewinnern „Im Westen nichts Neues“ und „Konklave“ jagt der deutsche Regisseur nun Colin Farell als Hochstapler durch die Glücksspielmetropole Macau. Man kann kaum hin- und doch nicht wegschauen.

Von Claudia Reinhard

Stand: 20.10.2025, 06:31 Uhr

Ein Gespenst geht um in Macau und es ist sicher nicht der Kommunismus. Die Einheimischen nennen es Gweilo, fremder Geist, für Europäer, die ab dem 19. Jahrhundert vermehrt auch durch China spukten. Es lügt und betrügt, schwitzt und atmet schwer, die eigene Auflösung fürchtet und ersehnt es gleichermaßen.

Wenn es morgens erwacht, ruft es „Fuck!“ – weil schon wieder ein neuer schlimmer Tag bevorsteht, aber damit auch die Angst zurückkehrt, dass am darauffolgenden alles vorbei sein könnte.

Eine Gestalt gibt diesem Gespenst Colin Farrell, der im neuen Film von Edward Berger als spiel- und trunksüchtiger Hochstapler durch die Glücksspielmetropole und chinesische Sonderverwaltungszone taumelt. Im Rausch der Farben und Lichter dürstet der hoffnungslos verschuldete und polizeilich gesuchte Engländer, der sich selbst Lord Doyle nennt, immerfort nach dem einen großen Gewinn, der alle seine Probleme lösen soll.

Doch seine gelben Lederhandschuhe bringen ihm beim Black-Jack-ähnlichen Kartenspiel Baccara kein Glück mehr und auch das letzte Bündel Geldscheine aus der Blumenvase in der verwüsteten Hotelsuite sind bald aufgebraucht.

Colin Farrell als ewiger Glücksspieler.

Drei Tage hat der falsche Lord noch Zeit, um sich aus dem Wasser, das ihm längst bis zum Hals steht, vor dem Ertrinken zu retten – länger lassen sich Banken und andere Instanzen nicht mehr hinhalten.

Das Grundkonzept des Glücksspiels gegen die Zeit kennt man in Variation aus diversen Las-Vegas-Filmen, Berger fügt ihm in seiner dritten Romanverfilmung nach „Im Westen nichts Neues“ und „Konklave“, die insgesamt fünf Oscars eingebracht haben, noch eine spirituelle Ebene hinzu.

Die Teufelin wartet im Casino

Die potenzielle Erlösung winkt zunächst allerdings nicht etwa aus dem nahegelegenen buddhistischen Tempel, sondern in Form einer jungen Frau namens Dao Ming (Fala Chen), die der verlorenen Seele einen letzten Kredit gewährt und in vielerlei Hinsicht bei der Odyssee durch Macau übernatürlichen Beistand leistet.

Leider hat das Gute keinen leichten Stand in dieser, von Berger fiebertraumhaft inszenierten Zwischenwelt, wo überall Versuchungen lauern und der Teufel als unschlagbare Glückspielerin allzeit bereitsitzt, um Sünder in den Abgrund zu jagen – zum Beispiel über das Geländer der Dachterrasse hinab auf den Hotelparkplatz.

Der einzige Weg, um hier zu bestehen, so formuliert es ein anderer High Roller aus England, sei es, jegliche Scham abzulegen. Besonders für Briten, die seit Generationen mit Gewaltherrschaft in ihrer DNA auf die Welt kämen. Mit diesem Schicksal will sich Lord Doyle nicht abfinden.

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Den Kampf um des Hochstaplers Seelenheil kämpft Colin Farrell in Bestform. Unter Dauerstrom steuert er seinen Helden von einem Stresstest zum nächsten, bis man kaum noch hinschauen kann und den überfälligen Kollaps mit jeder Szene stärker herbeisehnt.

Doch Doyle ist als Abgesandter eines Kapitalismus im Endstadium wandelbar und widerstandsfähig. Noch als die modische Fassade längst abbröckelt und den Blick auf die moralische und spirituelle Leere im Inneren freigibt, lassen sich Kritiker mit Charme und Versprechen immer wieder hinhalten.

Zum Beispiel die Privatdetektivin Cynthia Blithe, gespielt von Tilda Swinton, die den Betrüger über mehrere Kontinente verfolgt hat. Unbürokratisch will sie eine hohe Summe eintreiben, die er einer alten Dame geklaut hat, gibt sich auf Doyles Betreiben dann aber doch immer wieder der Hoffnung hin, dass Mensch und System reformierbar sind.

Mit der für den Film neu erfundenen Figur weht ein Hauch von Wes Anderson in diese Netflix-Produktion, der allerdings auch dafür sorgt, dass sie in dem ansonsten stimmig-apokalyptischen Wimmelbild ein eher störender Fremdkörper bleibt.

Ein Hauch von Wes Anderson: Tilda Swinton als Privatdetektivin.

Ein roter Faden, stilistisch oder inhaltlich, lässt sich in Edward Bergers Karriere bisher nicht ausmachen, daran ändert auch „Ballad of a Small Player“ nichts. Fehlende Hingabe darf man dem Regisseur dennoch nicht attestieren: Mit Verve zelebriert er in Macau, wo übrigens zehnmal so viel Umsatz gemacht wird wie in Las Vegas, die audiovisuelle Reizüberflutung, und verdichtet so lange, bis alles irgendwo wieder rausmuss. Kapitalismus bis zum Kotzen. Geht am besten am All-You-Can-Eat-Buffet im Casino.

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